TAWABURENI

Metal del nuevo y del viejo en una noche muy pesada

2008-04-02T21:46:00.001-03:00

Ozzy Osbourne y Korn fueron las estrellas de la primera jornada del Quilmes Rock 2008, en un encuentro internacional y poderoso. Show relata aquí las vicisitudes de una velada que para muchos será inolvidable

Ignacio Andrés Amarillo
show@unosantafe.com.ar

El domingo se produjo la apertura del Quilmes Rock 2008 con su gran noche internacional, estelarizada por Korn, la banda fundacional del nü metal en los 90, y la leyenda del metal Ozzy Osbourne, vocalista de la formación histórica de Black Sabbath. Una multitud llenó mucho más el campo que las gradas: la noche pedía saltar y corear hasta el final.

La previa
Luego de las actuaciones de 202 y Volador G en un escenario alternativo, Carajo tuvo la misión de abrir la jornada. Con un sonido pésimo que cambiaba todo el tiempo, el trío de los ex Animal Marcelo Corvata Corvalán y Andrés Niño Vilanova (que completa el guitarrista Hernán Langer) repasó varios de sus poderosos temas y cerró con un enganchado instrumental que incluyó el célebre Walk de Pantera.

A continuación, Zakk Wylde (guitarrista de Ozzy Osbourne) hizo su primera aparición en el día, al frente de su proyecto personal denominado Black Label Society, que hizo las delicias de muchos (especialmente quienes habían ido a ver al ex Black Sabbath) y fue un descubrimiento para otros tantos.

Al sur del arco iris
Más tarde fue el turno de Rata Blanca, la legendaria banda liderada por el guitarrista Walter Giardino, como Adrián Barilari al frente de la voz. Acá comienza la discusión: para muchos, la actuación de este crédito local estuvo “de más”, como recargando una noche que venía suficientemente fuerte con sus dos números principales.

De todos modos, supieron enganchar a muchos con los temas de su repertorio, con clásicos como Hagar la Bruja y Guerrero del Arco Iris: muchos esperaban Mujer Amante y La Leyenda del Hada y el Mago como bises, unos bises que nunca llegaron. Entre medio, Giardino (cuyos dedos sobre el diapasón de su Fender Stratocaster Yngwie Malmsteen Signature fueron destacados en las pantallas) se lució con un largo solo que fusionó al Voodoo Chile de Jimi Hendrix con Confortabily Numb de Pink Floyd.

El incidente Carca
El momento más penoso de la jornada fue sin duda el protagonizado por Carca, quien junto a Diego Castellano, baterista de Babasónicos y una rubia bajista fueron enviados al patíbulo: la organización decidió que antes del comienzo de Korn salieran y, en un pequeño escenario ubicado en la punta de la pasarela, tocaran clásicos del rock nacional como No Pibe o Rutas Argentinas. La catarata de insultos, escupitajos y botellas plásticas no se hizo esperar. Los músicos siguieron tocando sin inmutarse, pero al final Carca dirigió un “nice to meet you” a una audiencia que le pedía por favor que se vaya.

Héroes de los 90
Korn fue sin duda la banda que mejor sonó desde el punto de vista técnico. Encabezados por Jonathan Davis, probablemente el mejor cantante del nü metal (Fred Durst muérete de envidia), ataviado con una pollera camuflada, los californianos (cuya formación oficialmente se completa con James Munky Shaffer en guitarra y Reginald Fieldy Arvizu en bajo, acompañados por una banda de batería, segunda guitarra, coros, percusión y teclados) invitaron al público a saltar y moshear como nunca, con temas como Right Now (en la apertura) el clásico Freak on a Leash, el reciente Evolution, Fuck It o Got the Life: “Gracias a ustedes tenemos la vida”, dijo Davis antes de tocar ese tema.

Antes, el vocalista del extraño pie de micrófono había tocado la gaita, elogiado a Ozzy, fusionado el We Will Rock You de Queen y dedicado sus viejos temas “a los fans de Korn en la casa”, en un show que se extendió por una hora y cuarto: “Gracias por hacer realidad nuestros sueños”, fue la despedida, luego de interpretar Blind, otro tema muy esperado.

Un mito en escena
Finamente el denominado “príncipe de la oscuridad” salió a revalidar sus títulos, acompañado de una poderosa banda encabezada por el ya mencionado Zakk Wylde, con sus guitarras con círculos concéntricos y ondas, junto a un tecladista y los músicos que grabaro el reciente Black Rain: Rob Blasko Nicholson en bajo y el ex Faith No More Mike Bordin en batería. Luego de un video humorístico en el que Ozzy se fusionaba en escenas de series como Lost y The Office o filmes como La Reina, el Carmina Burana de Carl Orff y unas cruces blancas sobre fondo negro en las pantallas anunciaron la salida de los artistas, que abrieron el concierto con el último corte de difusión de Ozzy, I don’t Wanna Stop, para luego seguir con el clásico Bark at the Moon.

Dueño de una trayectoria de más de tres décadas, el cantante recorrió una verdadera colección de “grandes éxitos”, como Suicide Solution, Mr. Crowley (apoteótico), Crazy Train, Road To Nowhere, Mama, I’m Coming Home, el reciente Here for You o War Pigs (avisó como pidiendo permiso que iba a tocar un tema de Black Sabbath).

Carismático y divertido, Ozzy instigó a un público que no paró de agitar y saltar durante la hora y media que duró el show: “no puedo escucharlos” gritaba a cada rato, cada vez que deseaba que la masa se encendiera. Wylde, por su parte, salió a demostrar por qué está en el sitial que alguna vez ocuparon Tony Iommi y Randy Rhoads, incluyendo un largo solo que aburrió a muchos después del quinto minuto.

Los bises como siempre están pautados pero el vocalista prometió tocarlos “sólo si se ponen realmente locos”. El cierre final fue con Paranoid, tal vez el máximo clásico de Sabbath. “Ustedes son los número uno”, dijo por décima vez Osbourne. “No More Tears”, coreaban los fanáticos, pidiendo uno de sus grandes éxitos como solista. Pero la noche había terminado, y sólo quedaba la lenta evacuación del Monumental por parte de una masa dolorida pero satisfecha.

La voz que hace llorar a los ángeles

2006-11-19T18:19:00.000-03:00

Tarja Turunen inició su carrera en solitario con la edición de Henkäys Ikuisuudesta (Aliento del Cielo). Se trata de una colección de canciones navideñas antiguas y nuevas. Show dialogó en exclusiva con el Ángel de Kitee para conocer más sobre este proyecto (publicado en Show el 28 de octubre. Acá va en versión completa)

Tarja Soile Susanna Turunen (“de Cabuli”, para el Registro Civil) se convirtió en la reina madre de las gothic queens al frente de Nightwish, entre 1997 y fines de 2005: su voz lírica (formada como soprano en la Academia Jean Sibelius de Helsinki, aunque avanza sobre el registro de mezzo) dio la vuelta al mundo, junto con su imagen de princesa de las nieves, con sus vestidos de manga larga y cuellos glamorosos.

Pero la chica que viene a la entrevista, con flequillo, campera de jean y maquillaje sutil podría ser la vecina de cualquiera; salvo por sus típicos rasgos fineses y porque se presenta con un “Hola... Tarrrja”, con esas erres finoúgricas que conquistaron a miles de fans.

Tiene (eso sí) los ojos verdes más claros de lo que salen en las fotos, y una blanquísima hilera de dientes, que no duda en mostrar hasta las encías cada vez que ríe (cosa que pasa seguido): simpática y sencilla, no demuestra ser una de las figuras destacadas de la música europea.

A los 29 años (nació el 17 de agosto de 1977 en Kitee, Finlandia) decidió iniciar su carrera solista con un proyecto largamente acariciado: un disco de canciones navideñas. La placa, titulada Henkäys Ikuisuudesta (Aliento del Cielo), sale a la venta el 3 de noviembre, y con esa excusa Show se acercó a la cantante para desentrañar a un personaje de cuento.

—La pregunta obvia: ¿por qué grabar un álbum de Navidad, un álbum de Joulu?

—Yo comencé con la idea de hacer el álbum de Navidad ya en 2003, porque es una tradición muy especial: tenemos muchos artistas que hacen conciertos en la época de Navidad en iglesias, teatros, hacen giras. Acá no es así: ustedes no hacen conciertos en iglesias, lo que es muy especial: en Finlandia los hay a montones.

Muchos artistas hacen también discos navideños, son proyectos paralelos de lo que ellos están haciendo principalmente. Ese es mi caso, es un proyecto paralelo especial. Y los temas en el disco son auténticas canciones navideñas; no es un sonido muy comercial en un disco navideño, como Jingle Bells o ese tipo de canciones que se pueden comprar en el supermercado o grandes tiendas: es muy tranquilo, porque para los fineses la Navidad es tranquila. Acá es “muy ruido” (sic en castellano): mucho tráfico y explosiones...

—Es verano...

—Sí, allá es un invierno muy frío, 30° bajo cero: es verdaderamente frío y silencioso.

—¿Cómo elegiste las canciones?

—En 2004, cuando lancé mi primer simple de Navidad, Yhden Enkelin Unelma (El Sueño de un Ángel) que estaba compuesto por dos canciones navideñas muy tradicionales de Finlandia, ya estaba pensando en hacer un disco. Pero no tenía tiempo: estaba con Nightwish, haciendo giras por todo el mundo, haciendo mis propios conciertos solistas.

Empecé a pensar en ese tiempo en conseguir canciones que puedan representar esa Navidad que yo misma querría escuchar, esas canciones que me gusta escuchar en la radio: “¿Cuáles son esas canciones?”.

Hice una gira a fines de 2005, un pequeño tour: un par de conciertos en Finlandia, dos en Alemania, uno en Barcelona y uno en Rumania. En esa gira estuve cantando muchas canciones que estaba pensando en poner en el álbum. Y ahí vi qué canciones estaban realmente funcionando como un completo, cuáles les gustaba realmente a la gente.

Después tomé mi decisión: “Okey, voy a usar esta, esta la saco”. Era un gran paquete de canciones entre las cuales elegir, de la biblioteca musical de mi casa.
También hay dos canciones nuevas. Una, You Would Have Loved This (Hubieras Amado Esto), la encontré en Estados Unidos: la compañía me mandó un CD diciendo “la que te guste, hacénoslo saber”. Es muy tocante la historia, me pareció que encajaba perfectamente en el álbum. Hay otra que escribí yo misma junto con el productor Esa Nieminen.

—Y Sinikka Svärd.

—Letra de Sinikka. Yo no estaba pensando hacer una canción para este disco. Le pregunté a Esa: “¿Tenés una canción nueva para mi álbum de Navidad? Él dijo sí, tenía tres o cuatro canciones que tocó para mí; yo pensaba “sí, ajá, algo aquí, es linda”. Empecé a tener una melodía hacía mucho tiempo, viendo si creaba algo, pero siempre la dejaba. Pero encajaba bien con algunas partes de la canción de Esa, así que le dije: “Hice esta melodía para vos, ponelas juntas y hacele algunos cambios”.

—¿Por qué elegiste You Would Have Loved This como primer simple?

—Por la historia: es una letra muy simple...

—Muy triste…

—Sí, muy emotiva. Es sobre la pérdida de alguien muy querido. El simple anterior tenía dos canciones muy conocidas, muy tradicionales. Entonces dije “okey, ahora que tengo esta canción nueva voy a ponerla en el simple, porque es algo nuevo”: para mí, para la Navidad, para la gente en Finlandia y acá en la Argentina. Además es en inglés, no es nuevo para mí, pero es nuevo para ustedes. Creo que es una canción con buena atmósfera.

—¿Por qué Kun Joulu On (Cuando es Navidad) no está en el disco?

—Es una canción tradicional finesa muy famosa: es probable que la toque en mi gira, ¡desafortunadamente por Finlandia y Rusia únicamente! (risas). Estaré tocándola, me gusta mucho, pero pienso que es suficiente con ponerla en el primer simple y dejarla afuera del álbum.

Sí tomé En Etsi Valtaa, Loistoa (No Quiero Poder ni Brillo), por la maravillosa letra y melodía de Sibelius: es una de las más sagradas canciones tradicionales. Necesitaba que esté en el álbum, porque cuando alguien la canta en una iglesia todos terminan llorando. Es muy religiosa, tiene que ver con los deseos, con Dios y con la Navidad misma, con los buenos sentimientos. Espero que mi humilde modo sea fiel a Sibelius. No quería hacer una versión grandilocuente, así que es muy simple.

—Grabaste una canción de ABBA en castellano, es tu primera experiencia con el idioma. ¿Cómo llegaste a esa versión?

—Obviamente estaba muy nerviosa por hacerlo (risas). Mi marido (el argentino Marcelo Cabuli, líder de la discográfica Nems) estuvo junto a mí en el estudio, corrigiéndome cuando hacía algo tonto. Por otra parte, el espíritu de la canción me ayudó mucho con el modo en que lo hice, al final quedé muy feliz con el resultado: cuando la escuché, no dije “oh, qué mala”. Espero que suene real para la gente que la escuche.

—La versión en español fue hecha por Buddy y Mary McCluskey para ABBA en la Argentina. ¿Cómo se te ocurrió elegirla?

—Escuché el disco en castellano de ABBA, la versión estaba ahí. En casa tenemos una gran colección de música de ABBA.

—Te gusta ABBA.

—Mi marido es un gran fan de ellos. Además conocemos la mayoría de sus canciones, porque ellos son de Suecia y en Finlandia las pasan mucho. Teníamos la versión en inglés y en castellano, y tuve una loca idea: “vamos a poner unas partes en inglés y especialmente algunas partes en español, vamos a hacer el intento de hacer algo diferente”. Busqué el permiso de Benny Andersson para hacer esto, y lo obtuve (risas): no fue un problema. Es algo refrescante para la gente.
—Para la gente en Finlandia.

—Sí, para la gente de aquí puede ser algo divertido, pero pienso que algo especial para ustedes de mi parte. Eso espero.

—¿Quiénes colaboraron en este proyecto? Esa Nieminen…

—Esa estuvo desde 2004, con el single Yhden Enkelin Unelma. El estuvo produciendo, y me ayudó a arreglar las canciones para los músicos clásicos. También estuvieron algunos amigos míos que conocía de antes, de la música clásica, como mi pianista Sonja Fräki, y la flautista Emilia. Alguna gente que invité al estudio, tocando un par de horas. Pero entonces usé músicos de sesión: tocaron en el estudio y ahora me acompañarán en la gira. Llevaré una banda conmigo en la gira, y músicos clásicos: es una linda combinación de gente sobre el escenario.

—¿Creés que estas canciones traen alguna inocencia en estos tiempos?

—Navidad siempre ha sido una época especial para mí, que siempre viví con mi familia. Viví con ellos muchos años, más tarde empecé a verlos dos veces al año, y Navidad siempre ha sido una de las veces en la que estamos juntos, cantamos canciones juntos, comemos juntos: disfrutamos del estar juntos. La música es una gran parte de eso: siempre fue una tradición: yo tocaba el piano y mi madre (que falleció hace algunos años) cocinaba.

Kitee está al este de Finlandia, y es muy relajante volver allí (aunque no es fácil ir de visita por dos días: es a 400 kilómetros de Helsinki). Además, podés comer lo que quieras, no importa si estás haciendo dieta o no (risas). También viene Santa Claus a ver a los chicos, lo que es verdaderamente emocionante, porque en Finlandia realmente creemos en Santa Claus.

Lo que busqué dar con este álbum es esa tranquilidad, esa paz, ese buen sentimiento, de los que toda esta locura que está pasando alrededor de nuestras vidas, presión, estrés en el trabajo, nos está alejando.

Vas a tener un tipo diferente de sentimiento, va a emocionarte de alguna manera: no es imposible. Pero no es otro tipo de mensaje: es un mensaje de Navidad.

Un viaje de Karelia del Norte a las pampas (nota 2 vinculada)

—¿Cómo sigue tu carrera?

—Al mismo tiempo estoy trabajando en mi carrera y mi disco solista. En mi cronograma para el próximo año tengo previsto sacar el álbum: primero que nada, hacerlo antes de sacarlo (risas): aún no sé en que momento exacto saldrá. Y pronto después de eso saldré de gira: con suerte vendré aquí. He planeado mucho hacerlo, aún cuando toma dos años ir adonde quiero.

Es algo especial para mí: mi primer disco solista va a ser diferente para mí, tomando todo con responsabilidad, tratando de darle a la gente todo lo que puedo; por supuesto tengo la ayuda de muchas personas alrededor mío.

Por el momento, estoy buscando las canciones para el álbum, estoy escuchando canciones todos los días. Es muy interesante, aprendo mucho: al ser músico es siempre lindo aprender cosas nuevas, es maravilloso. Como cantante también: hoy tuve mi lección de canto y aprendí cosas nuevas. Estoy muy feliz con la gente que está trabajando conmigo para el futuro.

—Fuiste invitada de honor de la presidenta Tarja Halonen. Siendo una figura prominente de la música finlandesa, ¿no has sido invitada a grabar el Himno nacional (compuesto por Fredrik Pacius y el poeta nacional Johan Ludvig Runeberg) u otra canción nacional?

—Es duro grabar el Himno nacional siendo una nueva cantante. Sé que aquí un artista hizo una grabación...

—Charly García. Tuvo muchos problemas.

—Sí. Y eso es algo que amaría no tener (risas). Fue un gran honor ser invitada a la gala, y lo sería tener una invitación en el futuro. Algo que ya estoy haciendo es ser una embajadora de la música finesa en otros países. Por eso estuve haciendo Noche Escandinava, y voy a hacerlo en el futuro: con suerte vamos a poder ir a Asia, pero no hay nada en concreto.

—¿Tenés planes de participar en una ópera completa?

—Sí, por supuesto, tengo sueños de hacer algo como eso, pero no veo que llegue pronto: primero que nada, no estoy lista; además quiero dedicarme a mi carrera solista, es un paso hacia un nuevo mundo para mí.

—¿Qué ópera cantás en tus sueños?

—Hay muchas... Por supuesto, amo mucho a Mozart...

—¿La Flauta Mágica?

—(Risas) Tenemos un importante festival de ópera (Savonlinna), donde estuve tocando este verano. Desde que era chica que voy, y vi La Flauta Mágica muchas veces, así que sé lo que va a pasar (risas). Sería lindo hacerla, ¿por qué no?

—¿Qué cosa te gusta más de la Argentina, y cuál te gusta menos?

—Tuve que aprender mucho cuando llegué al caos de Buenos Aires. Hasta que no aprendí el idioma y no me animé a hablar en un negocio, me sentía sola, a pesar de que estaba con mi marido, su familia y amigos. Ahora es otro hogar. Viene con el idioma.

Amo a la gente, aún cuando ustedes mismos se tiran abajo. La Argentina está pasando una situación triste: por supuesto, vemos en la calle todos los días gente pobre, los políticos están locos, disparándose unos a otros como hace unos días atrás. Eso nunca va a pasar en Finlandia.

Estoy verdaderamente triste con lo que está pasando: ustedes están sufriendo un montón; en un punto parece que la solución no existe, pero existe. Me entristece la situación de corrupción en el país: yo misma como una pequeña persona necesito confiar en la persona que me ofrece algo, pero ¿cómo confiar? Es duro. Realmente amo a la gente de todos los días.

Y puedo conseguir todo lo que quiero, a pesar de este caos, este tráfico. Es muy diferente a Helsinki: la gente se mira a los ojos, se sonríe...

—Se besan unos a otros...

—Es raro para mí porque (risas, extendiendo la mano), soy tímida, y es algo divertido de aprender.

—Misma pregunta para Finlandia.

—Me gusta la tranquilidad, el vacío, el espacio; no está contaminado como aquí. Me gusta realmente el aire fresco. Cuando voy a mi casa, cierro los ojos y hay un completo silencio. “No hay nadie”, me digo. Amo eso.

En la posición en que yo estoy, es muy difícil vivir mi vida sin ser notada: todos me conocen, no importa si es una abuela de 84 o un chico de nueve. Mi vida aquí es mucho más libre. En Finlandia están todos siguiéndome. He sacrificado mi privacidad, aunque no quería hacerlo. Pero vengo aquí, o voy a otra parte fuera de Finlandia y es lindo; pero todavía disfruto de vivir en Finlandia.

—¿Conocés algo de la escena musical argentina? ¿Tenés alguna preferencia?

—Sí, no mucho realmente. No me gusta la cumbia (risas): horrible (en castellano).

—Nosotros somos de la capital de la cumbia...

—Perdón (risas). Alguien puede preguntarme “¿Cómo le explicarías a los fineses lo que es la cumbia?”. Oh, Dios, ¿cómo explicarlo? (risas).

Por supuesto, aprendí mucho de Marcelo, mi marido: sobre Gustavo Cerati, Charly García... lo de Cerati antes...

—Soda Stéreo.

—Sí, soy una fanática de las buenas viejas bandas. Y de la escena de rock, por supuesto Rata Blanca: con suerte haremos algo juntos en el futuro. Había un plan para Rata y yo este mes, pero ellos estaban con giras y no pudo ser.

No lo Soporto: las caras nuevas del “nuevo rock”

2006-11-19T18:14:00.000-03:00

De visita por Santa Fe, tras tocar en el Centro Cultural junto a Los Todopantalla, el trío charló con Show sobre su propuesta, que gana adhesión de público y crítica (publicado en Show el 12 de septiembre de 2006. Como esta vez tampoco lo colgaron de la página, se reproduce acá).

El jueves fue el reencuentro del grupo capitalino No lo Soporto con el público santafesino. En la ocasión, el trío integrado por Naila Borensztein (guitarra y voz), Lucía Borensztein (batería) y Lara Pedrosa (bajo y coros) estuvo acompañado por Los Todopantalla, que también mostraron su actualidad en un show sin fisuras.

Las ilustres visitantes están viviendo un momento de auge: los medios hacen más hincapié en sus virtudes que en los padrinos y seguidores famosos (algunos gustan nombrar a Gustavo Cerati, Luis Alberto Spinetta y Ale Sergi en este rubro). Mientras se preparan para tocar durante dos noches consecutivas en el Pepsi Music, planean el relanzamiento de su disco debut de la mano de la productora Pop Art.

Show aprovechó la ocasión para conversar sobre la actualidad de la banda... y algo más.

—En estos últimos meses pasaron varias cosas. En una escuela de cine salió la idea de filmar el video de I Can’t Tell You.

Lara: Sí, unos chicos que están estudiando cine nos ofrecieron y a ellos también les sirve la posibilidad. La directora se llama Daniela Lavenás; es una idea que tuvieron ellos y está buena, interesante. Lo hicimos y estamos esperando, nos falta filmar la segunda parte: creo que lo vamos a hacer el fin de semana que viene.

—¿Se va a convertir en el segundo corte de difusión o hay otro?

Lucía: En realidad Insignificante va a ser el segundo corte.

Lara: Pero todavía no hay video.

Lucía: El video lo vamos a filmar próximamente, va a ser el próximo corte. Este video que filmaron los chicos tal vez lo usamos más adelante, o para proyectar en algún show. Todavía no sabemos porque tampoco lo vimos. Estamos esperando verlo terminado.

—Hay temas nuevos. ¿Hay ya un cuerpo de un próximo disco?

Lara: Está el disco como idea, pero faltaría bastante laburo.
—¿Cuántos temas hay?

Lara: ¿Qué te importa? (risas).

Lucía: Terminados hay tres, y hay que terminar un par de ideas más que están dando vueltas. Para el año que viene, seguro.

—Ustedes “explotaron” en el último tiempo y son mimadas por la crítica. ¿Qué recepción ven en el público en general de la música que ustedes hacen?

Lucía: La verdad que nos sorprende. Hoy estuvo rebueno: la gente tira buena onda, se recopan... En general pasa eso: a la gente le llama la atención y le gusta. Por ahora...

—¿Creen que en la Argentina hay mercado para esta música?

Lara: Sí, totalmente. Y si no lo hay, lo vamos a crear nosotros.

—¿Ese es el “girl power”?

Lara: El “Nolo power” (risas).

Lucía: Es verdad que es una música más difícil de llegar a algo muy masivo, pero por ahora queremos ser fieles a eso.

Lara: Por ahora.

—¿Después qué puede venir?

Lara: Nolo cumbia.

—¿Qué tema sonaría mejor en cumbia?

Lara: ¿Qué es esa pregunta? (risas)

—En estos días Leo García hizo un tributo a Gilda, no te podés asustar...

Lucía: La Memoria sonaría bien.

—Fernando Samalea decía que esta es la era de la mujer, y el momento de “las Nolas”. Digan algo sobre esto...

Lucía: “Las Nolas” (risas). ¿Pero Fernando qué dijo? Es un loco...

Lara: Quizás sea un momento en que la mujer en general está empezando a fluir en miles de ámbitos en los que antes quizás no lo hacía...

—¿“Nolo” hacía?

Lara: (risas) Pero me parece que tiene que ver con que vamos evolucionando como sociedad: no es que la mujer nunca haya tenido ganas de hacer cosas sino que ahora la sociedad está más abierta a permitirlo.

La noche de No lo Soporto

2006-05-09T18:15:00.000-03:00

El trío, una de las grandes revelaciones del ambiente musical porteño, presentó su primer videoclip en el Hard rock Café de Buenos Aires. Show estuvo presente y aprovechó para charlar con las chicas sobre su futuro (publicado en el suplemento Show de Diario UNO de Santa Fe el sábado 29 de abril)

Ignacio Andrés Amarillo

Con una nutrida concurrencia de público, el pasado sábado 22 se presentó en el Hard Rock Café de Buenos Aires el primer videoclip de No lo Soporto, la banda integrada por Naila Borensztein (voz y guitarra), Lara Pedrosa (bajo) y Lucía Borensztein (batería).

Con la excusa de mostrar la versión audiovisual de No Sé (el primer corte de difusión del disco debut), el trío se despachó con un show íntimo. Ataviadas con los mismos vestidos “supersónicos” del clip, y luego de la proyección del mismo, las chicas recorrieron su repertorio, comenzando con la sutil Insignificante (seguramente el próximo hit del grupo) para terminar con la poderosa No Sé, cierre adecuado para una noche en su honor.

Así pasaron composiciones como Hoy, Boy, Fish o I’Cant Tell You, las cuales fueron adornadas con la precisa y refinada presencia de Fernando Samalea como percusionista invitado.

La noche especial de No lo Soporto terminó de la mejor manera: saludando a los amigos y fanáticos que asistieron para compartir un encuentro exclusivo.

Convocadas también por los medios de comunicación, se hicieron un tiempo para conversar con Show, único medio extracapitalino presente. Distendidas y en ropa de calle, luego de los falsees y los aplausos, dos tercios de la banda accedieron a la charla: Lara (esa mezcla entre el look oscuro de P.J. Harvey y la estampa escénica de Kim Gordon) y Naila (la poetisa de aire ausente responsable de las letras) dijeron lo suyo.

—¿Qué es este momento en la trayectoria de No lo Soporto?

Lara: Es un momento muy importante: estamos presentando nuestro primer disco, y hoy el evento se trata del primer video, que va a empezar a rotar en MTV a partir del 1º de mayo. Es un momento de empuje.

—Ustedes había largado un EP, y ahora están con un disco de 12 temas. ¿Qué se viene en 2006?

Naila: Otro disco más.

—¿Ya grabar otro disco?

Lara: Estamos grabándolo.

Naila: A lo mejor para 2007.

Lara: Hacer un disco nuevo, y fechas en el interior, tal vez otro video.

Naila: El 18 de mayo vamos a tocar a La Cigale, acá en Capital, y el 19 nos vamos a a Córdoba.

—¿Ya saben cual va a ser el próximo video?

Lara y Naila: Insignificante.

Lara: Igual pará, presentamos uno hoy, y ya el próximo...

—Ella dijo que había otro...

Naila: Tenemos la idea...

Lara: Ah, no, sabés que se está por filmar en serio (risas). En serio, ya me llamaron de Proyecto Under.

—A la gente todavía le está cayendo la ficha sobre la banda. ¿Las comparan con otra cosa? Con Veruca Salt, con Elastica... ¿O todavía no entienden muy bien de qué va la cosa?

Naila: En realidad no entienden mucho, porque siempre nos preguntan cuáles son las influencias, y no suelen definirlo bien.

—¿Y cuáles son las influencias de verdad?

Lara: Si digo una van a poner esa... Escuchamos mucho Bjork, P.J. Harvey, Radiohead, Smiths; a mí me encanta Elastica...

Naila: Cardigans...

Lara: Mi adolescencia fue muy Veruca Salt, Pulp, podría seguir...

—La gente se queda pensando en el minimalismo de las letras. ¿Cómo es el proceso creativo?

Naila: Generalmente las letras surgen después, una vez que está la idea del tema. Eso se plantea en un ensayo, cada una aporta lo suyo y se va formando de a poco.

—De ahí salieron frases polémicas como “El reflejo de un espejo es tan incierto como el interior de una banana”...

Lara: Una frase célebre para la historia, de Naila Borensztein... Yo por esa frase empecé a tocar con ella. Me pareció genial.

—¿Cómo fue la incorporación de Lara en el lugar de Nathalia?

Naila: Fue más que nada por diferencias personales de las que no tiene sentido hablar ahora. Empezamos a buscar bajista, y en la sala en la que ensayábamos también lo hacía una amiga de ella. Así nos contactamos.

—¿Hay discriminación con las bandas femeninas? No hay tantas, tampoco...

Lara: No hay discriminación: si hay, yo no la siento.

—Pero aquello que te dijeron de “muy linda tu bandita”...

Lara: Pero ya no nos pasa. Al principio si, no lo voy a negar. Creo que a la gente le da mucho la imagen, y a medida que fuimos creciendo en ese aspecto...

Naila: Y además creo que nuestra actitud también...

Lara: Cambió, con un poco más de seguridad (tampoco diría tanta).

—¿Qué le dirían al que no las conoce para engancharlo?

Naila: Enganchar tampoco queremos. Está bueno que cada uno escuche porque realmente le gusta.

Lara: No hacemos música pensando en alguien más, pero si hay una necesidad de transmitir algo. Cuando viene alguien y nos dice algo, nos sentimos muy bien; es un momento donde explota el amor.

—¿Ya tienen un público fijo o es variado?

Naila: Hay un grupo de gente que nos ve siempre y también hay gente que se va sumando. Es una mezcla de las dos cosas.

Lara: Hay mucha gente nueva, como la que nos escuchó hoy.

Naila: No tanto, porque estaban los que se anotaron para venir.

Lara: Había muchos a los que nunca había visto...

Naila: Vino gente que apoyó el video e intervino en todo el proceso.

—¿Cómo se dio de ser amigos y estar tocando juntos con Fernando?

Lara: Lucía es la novia de Martín, uno de los guitarristas de Rosal, y toca con Samalea.

Amigos son los amigos (rockeros)

Fernando Samalea, el gran invitado de la noche, no se privó de dar una definición del grupo. “Ya que, como es sabido, ha comenzado la era de la mujer, diría que la música de No lo Soporto sabe reflejar fielmente el universo femenino, incluso con el plus de trascenderlo más allá de los sexos. Yo las admiro mucho y cada tanto tengo la suerte de compartir con ellas escenarios y estudios, aprendiendo y considerándolas personas adorables y entusiastas, apasionadas en lo suyo y muy seguras ante el objetivo...

No exentas de cierto halo de misterio, guardan «distancia» con maestría y portan un charme estético único. Saben de música, coquetean con lo jazzístico o lo rockero, interpretando sus canciones en plan acústico valiéndose del flujo electrónico a la vez. Ya editaron un disco precioso –que incluye todo el panorama que fueron forjando durante la niñez y adolescencia– y otro en camino que se las trae. Se merecen toda la atención y sé que muchos chicos y chicas las conocerán en los próximos tiempos. ¡Mucha vida a las queridas Nolas!”.

Keira Knightley en Orgullo y Prejuicio

2006-04-05T00:42:00.000-03:00

La novelística británica nos ha legado varias heroínas, como la atribulada Catherine Earnshaw de Cumbres Borrascosas (de Emily Brontë, la arribista Becky Sharp de Feria de Vanidades (de William Mackpiece Thackeray) y la sagaz Lizzy Bennet de Orgullo y Prejuicio (obra de Jane Austen), ahora interpretada por Keira Knightley en el notable filme de Joe Wright. Allí, la joven actriz inglesa demuestra todo el poder de su actuación, pasando de la dicha al dolor en pocos segundo de pantalla.

Su caracterización resulta así más lograda que la de Reese Witherspoon como Becky Sharp en la película de Mira Nair, tal vez por estar mejor acompañanda desde la dirección (Walk the Line es la prueba palmaria de que Whiterspoon es una gran actriz).
Pero más allá de su talento, lo que Knightley le aporta a su personaje es su inusual belleza, sutil y sin estridencias, contrastando con la gracia victoriana de Rosamund Pike, quien interpreta a Jane Bennet, justamente la “hermana bonita” de la protagonista austeniana.

Ahora, y al menos por un tiempo, esa heroína (y algunas otras, en la febril imaginación de los lectores y espectadores) llevará ese rostro delgado, con el maxilar inferior adelantado, y con esos labios indómitos que se contraen al decir “he is so rich” o “I am so blind”. Quienes no se hayan enamorado de Keira Christina Knightley en Jugando con el Destino o en Love Actually, tienen ahora una oportunidad inmejorable.

¡Actualizamos!

2005-12-13T19:08:00.000-03:00

Como verá algún lector que anda por acá, después de mucho tiempo Tawabureni vuelve a tener material nuevo, de todo este tiempo en que parecía que no pasaba nada. Hay un par de textos inéditos, y otros publicados en cierto medio de comunicación santafesino que no tiene versión digital; por eso están acá, por eso y porque están buenos.

A ver si hay alguien ahí, que deje algún mensaje...

Recordando la época en que al mundo lo cambiábamos mañana

2005-12-09T14:59:00.000-03:00

La directora Mariana Arruti está recorriendo el país acompañando a Trelew, su documental acerca de los sucesos del 22 de agosto de 1972. De paso por Santa Fe, contó a Show el proceso de filmación y sobre los motivos que la llevaron a crear esta obra (publicado originalmente en el Suplemento Show el 6 de octubre)

Mariana Arruti estuvo ayer en Santa Fe para presentar Trelew, documental que se estrena hoy en Cinemark. La película narra la historia de la masacre a la que fue sometido un grupo de presos políticos de distintas extracciones –Fuerzas Armadas Revolucionarias (FAR), Ejército Revolucionario del Pueblo (ERP) y Montoneros– acaecida el 22 de agosto de 1972, luego de intentar fugarse del penal de Rawson. Antes de partir, aprovechó para contar distintas alternativas de su película.

—Pregunta de rigor: ¿Por qué una película sobre Trelew?

—Yo soy antropóloga y cuando promediaba mi carrera empecé a trabajar en la antropología visual, interesándome por historias no demasiado contadas por la historia oficial. Hice una película sobre los presos de Bragado, después otra sobre una huelga de una federación anarquista y Trelew era uno de esos temas pendientes. Una de esas historias que nosotros como equipo (que ya veníamos trabajando) sentíamos que era políticamente muy significativa, que determinaba mucho los años posteriores, que era el inicio de los años negros de la Argentina. Además estaba cargada de dramatismo, de pasión. Hay pocas historias como la de Trelew para ser contadas en el cine, fuera de su peso político, que lo tiene. Cuando empezamos a trabajar, en 2000, era un tema complejo, estaba menos saldado que hoy ese período previo a la dictadura militar.

—¿Qué dificultades encontraste?

—De todo tipo, por lo que decía antes. Venían del lado del presupuesto, de la posibilidad de conseguir información. Por un lado, la dificultad de hablar sobre el tema: cuando empezamos la búsqueda de testigos, encontramos algunas situaciones de mucho temor, reticencias para hablar y ser filmados, sobre todo en la zona de Rawson y Trelew. Después, el denominador común de este tipo de proyectos es tema del material de archivo: o está perdido, o robado, o en manos de archiveros privados, entonces es muy complejo reunirse con ese material que es parte de la base del relato de un filme.

Por otro lado, la película se rodó en espacios donde había que pedir permiso al Servicio Penitenciario, la Marina. Está filmada en su mayor parte en Trelew, en el penal de Rawson, en el viejo aeropuerto de Trelew, en la base aeronaval; hubo que entrar en Devoto para hacer la entrevista con Gorriarán Merlo, uno de los dos sobrevivientes de la fuga.

—¿Habías visto la película de Raimundo Gleyzer, Ni Olvido ni Perdón?

—Sí, la vi cuando ya estábamos encarando este proyecto e impactó mucho por la inmediatez con que está hecha, al toque de los hechos. Es una película de denuncia, que tiene una vitalidad muy grande; me determinó el tono que mi película iba a tener.

Me hizo pensar qué es lo que pasaba con las películas sobre los 70: reflexionan sobre el pasado para hacer un balance, mediadas por el paso del tiempo. Cuando vi Ni Olvido ni Perdón me propuse poner toda la vitalidad de una narración en presente. Ese es el tono de la película: todo el dramatismo, la adrenalina, el vértigo y el miedo que implica una operación de ese tipo.

Tal vez se convierta en una herramienta para la discusión. Creo que el cine para lo que sirve es para generar en la sociedad (que es donde se deben resolver los problemas, no en la sala de cine) la discusión. El cine tiene que ser el relato de una historia.

Pluralidad de voces

—¿Qué testimonios hay?

—Participan los pobladores de la zona, que tuvieron una importancia muy rica en ese momento, porque ellos conformaron las comisiones de solidaridad con los presos políticos y porque vivieron muy de cerca todo el proceso de la fuga y la masacre.

Después participan los abogados de los presos, Solari Irigoyen, Rodolfo Matarola y Eduardo Luis Duhalde, tres de los que conformaban también la Gremial de Abogados (donde también estaba Rodolfo Ortega Peña). De los presos, los dos sobrevivientes de los 25 que lograron fugarse, que son Fernando Vaca Narvaja y Enrique Gorriarán Merlo; también algunos de los que no lo lograron, como Alicia Sanguinetti, Silvia Hodgers, Olegario Carrizo y Jorge Lewinger, que era el apoyo externo al traslado de los prisioneros al aeropuerto.

Otros: el empleado de la funeraria, encargado de llevar los féretros a la base aeronaval, y el periodista que hace la conferencia de prensa antes de la rendición. También el médico que es convocado por guerrilleros para que se constate que están en perfecto estado de salud. Es Atilio Viglione, ya es un señor muy mayor. Otro periodista, Pepe Castro, que se suma a la conferencia, y un conscripto, que sigue vinculado con la masacre, porque sufrió el clima posterior.

En contacto con el público

—¿Cómo sigue el camino del filme?

—Tuvo un recorrido por festivales internacionales: Trieste, en Toronto (donde nos enteramos dos meses después de que habíamos ganado: nos resignamos porque no había copia en 35 y la pasaron en VHS), en Los Ángeles, en Toulouse, y fue muy premiada, lo que le da posibilidad de llegar al estreno en la Argentina con otra fuerza.
Se estrenó en Trelew y luego en Buenos Aires. Como es una película pequeña en cantidad de copias, la estrategia fue ir estrenando de a poco. Nos interesa no largar las copias a un distribuidor sino tratar de estar con la película en el interior y acompañarla todo lo posible; es una forma de conectarse con el público.

Estrenamos en Córdoba, Rosario, ahora en Santa Fe, y la idea es seguir caminando el interior. Y sigue participando en festivales internacionales: ahora se va a Sheffield y está en Valdivia. Se muestra en el exterior, pero nos interesa más que se vea acá.

La sangre juvenil oculta tras el velo de la historia oficial

La fuga de presos políticos del penal de Trelew y el posterior ajusticiamiento de uno de sus contingentes, el 22 de agosto de 1972, es un episodio clave para comprender una época irrepetible, que más allá de su doloroso final, estuvo cargada de esperanzas y sueños de victoria para los luchadores populares. Ese fue uno de los temas que más interesó a Arruti.

—¿Cómo se captura desde el hoy el espíritu de época?

—Mi sensación era que es una narrativa que iba a pegar más en los jóvenes; yo me imaginaba un espectador de 20, 25 años. Pensaba: “Éste es el pibe que quiero que esté en la sala: el que no sabe, el que se está enterando con la película, el que tiene poca información. Y a la vez pensaba: “¿Qué le va a pasar a la generación protagonista cuando la vea?”. Y lo que pasa es que se cuenta un clima de época que es muy fiel a lo que ellos sentían. Yo no pertenezco a esa generación, tenía tres años cuando sucedió.

Lo que a mí me impactó cuando empecé a trabajar es que me encontraba con otros datos que nunca me habían sido dados. A mí se me había contado la tragedia; no se me había contado la alegría, ni la vitalidad, ni por qué se estaba en eso, ni lo jóvenes que eran.

Fue conectarme con una historia más vital, más del lado de la vida que de la muerte, que tenía que ver con estar en la calle “porque al mundo lo cambiábamos mañana”. Entonces esa gente se sorprende, porque es algo que se ha dejado de contar. Pero si no contás, ¿cómo le explicás a los jóvenes el porqué del 70?

Bailando sin control todo esto gira

2005-12-09T14:40:00.000-03:00

Los Piojos regresaron al escenario del estadio Ángel P. Malvicino del Club Atlético Unión, para hacer dos shows antológicos. (Publicado en suplemento Show de Diario UNO de Santa Fe, el domingo 2 de octubre)

Fue el regreso luego de diez meses de inactividad, y la preparación de su presentación en el Pepsi Music. Aquí, la crónica del viernes. Los Piojos, una de las banda más convocantes de la escena nacional, volvieron a pisar suelo santafesino para volver a hacer un “doblete” de fechas, repitiendo la marca del año pasado. La excusa fue seguir presentando Máquina de Sangre, su último disco, lanzado a finales de 2003.

El del viernes fue el primer show de la banda en diez meses (algún artista de lo obvio dirá que el del sábado fue el segundo), luego de la operación de meniscos del cantante. Mientras afinan motores para lo que será su gran fecha en el festival Pepsi Music, la banda piojosa eligió Santa Fe como el lugar donde realizar su reaparición y su ajuste escénico; según dijeron ellos mismos, porque es una de las ciudades donde más cómodos se sienten.

Deconstruyendo el show

Duración: Ambos conciertos promediaron las tres horas; en el caso del viernes, comenzó a las 22.30 (la convocatoria era para las 21) y finalizó pasada la 1.20 de la madrugada. Se nota que hace mucho que no tocaban...

Clásicos y modernos: entre las canciones más festejadas hubo nuevas y viejas: Taxi Boy, Todo Pasa, Gris, Entrando en tu Ciudad, Amor de Perros, Fantasma, Ruleta, Vine Hasta Aquí y El Farolito, por nombrar solo algunas.

Militancia: “Ojalá en los próximos días se invente la bomba que no mate a ningún marplatense, pero que pueda matar a Bush. Pero si no, que no muera nadie más”, expresó el vocalista piojoso, ante el estallido de la ovación. Dicho eso, le dedicaron Globalización al halcón de Washington, con el acompañamiento de imágenes de aviones y bombas.

Solidaridad I: Las remeras rojas y negras que se vendían en el lugar, similares a las que usó Martínez durante el show (también se puso una camiseta del Bayern) fueron a beneficio de la Fundación Convivir.

Solidaridad II: Ante el cantito de que “a los pibes (de Cromagnón) los mató la corrupción”, Ciro aportó: “Exactamente. Los mató la corrupción y la negligencia, que fue lo mismo que causó la inundación acá en Santa Fe”. Habla con autoridad moral: Los Piojos aportaron ganancias de shows enteros para ayudar en la reconstrucción del Hospital de Niños.

Cantante suplente 1: Piti Fernández se despachó con una interpretación de Reggae Rojo y Negro, que deleitó a los presentes.

Cantante suplente 2: Gustavo Kupinski debutó en la voz líder bien arriba, cantando Sudestada.

Cantante suplente 3: Miki Rodríguez se metió en camisa de once varas eligiendo Fijate como su canción, pero salió bien parado de la experiencia.

Homenaje Nº 1: Gracias a las imágenes de Cassius Clay que se proyectan desde las pantallas, y a la bata verde (que ahora sólo se pone Ciro), Como Alí (teman tras es cual se fueron, pero para volver) ha pasado de ser la narración de una experiencia psicodélica a un homenaje a El Más Grande (como les gusta decir a nuestros compañeros de Pasión.

Homenaje Nº 2: Con los músicos fuera del escenario, las pantallas se llenaron de imágenes de una mítica sesión entre Los Piojos y el gran Pappo, seguramente sacada de la grabación del autohomenaje que el Carpo se organizó en vida. La ovación estalló, tras lo cual el grupo regresó con una explosiva versión de El Viejo, tema clásico del gran guitarrista del blues y del metal argentinos.

Homenaje ausente: Quizás por el excelente momento que el protagonista de la canción está pasando, o porque fue interpretada para él en una emisión de La Noche del Diez, lo cierto es que Maradó no forma parte del repertorio (y la gente se quedó con las ganas).

Ritual 1º: Como siempre, llegó la parte de los solos de presentación de los músicos, que se prolongó bastante. Lo más destacado: Rogger Cardero descosiendo los parches; Gustavo eligiendo interpretar un tangazo para su momento destacado; y como siempre, Ciro optando por interpretar el Himno Nacional en la armónica.

Ritual 2º: Hacia el final, la ceremonia obligada de Calles, con Gustavo cantando bajito mientras Ciro y Piti nombran a todos los trapos presentes, venidos desde los lugares más distantes (como por ejemplo, Caleta Olivia). Los que se quedaron sin mención esta vez fueron dos hinchas tatengues, que en vano exhibieron sus camisetas rojiblancas. La despedida Cuando las luces del escenario se apagaron definitivamente, tas el reparto de púas, palillos y listas de temas, los transpirados participantes de la ceremonia piojosa se batieron en retirada tranquilamente y sin incidentes. El mandato fue entonces encaminarse hacia bares y quioscos, en busca de un milenario elixir de cebada y malta que refresque las enronquecidas gargantas. Ya era la madrugada del sábado, y muchos estaban citados al día siguiente, para encender nuevamente la Máquina de Sangre.

Oído Fino

Ignacio Andrés Amarillo

Una ceremonia de encuentro en la oscuridad

Cuando el fenómeno de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota estalló en toda su plenitud, muchos se preguntaron qué era lo que hacía que miles de personas recorrieran cientos de kilómetros para participar de un ritual de encuentro con la banda de sus amores. Algunos hablaron de futbolización del rock; otros de una búsqueda de amparo en medio de la oscuridad. Lo cierto es que también otros grupos fueron generando ese poder de convocatoria, y tal vez Los Piojos sean los que llevan la delantera en ese sentido.

Pero viendo lo que sucede en cada presentación de la agrupación de Palomar, uno puede empezar a encontrar sentido: uno está ante una ceremonia de encuentro, de reconocimiento entre los iguales y, al mismo tiempo, con una referencia cultural. Referencia que puede sintetizarse en la figura de Andrés Martínez, en ese tránsito que lo llevó a ser el Ciro más reconocido del rock nacional (para desdicha de Facundo Demián Pertusi). Allí se empieza a entender el fenómeno, cuando vemos la relación que este pibe de barrio establece con su audiencia: cómo genera distintas reacciones en ellos con solo un comentario, un ademán, o sólo un gesto leve de su rostro prognato.

Deconstrucción del amor en cinco actos

2005-12-09T14:32:00.000-03:00

El francés François Ozon deconstruye (y reconstruye) el ascenso, apoteosis y caída en la vida de un matrimonio.

Uno
Para empezar, hay que decir que el título original es 5x2, con la aclaración Cinco Veces Dos. La premisa inicial es la siguiente: François Ozon elige narrar la historia de un matrimonio en cinco actos, en cinco episodios que se suceden en sentido inverso: de tal modo que el espectador desanda el camino desde el divorcio de la pareja hasta los momentos iniciales. En el camino, comprenderá por qué la banda sonora insiste con las canciones italianas propias del Festival de San Remo.

Dos
Ozon demuestra nuevamente su maestría en la dirección de sus actrices: si en La Piscina construía a Ludivine Sagnier como una Lolita posmoderna (¿alguien se acuerda de Mignon Vino a Quedarse?), aquí llena la pantalla con Valeria Bruni-Tedeschi, como una esposa profesional y madre de familia, muy propia de los tiempos que corren.

Tres
Si la joven protagonista de La Piscina se permitía vivir una sexualidad despreocupada, los personajes de Vida en Pareja lo hacen de una manera virulenta, forzada: quizás para ellos el amor y el sexo son otras formas de la posesión y, por ende, de la violencia.

Cuatro
Mención especial en toda reseña merece Bruni-Tedeschi, que cautiva desde la pantalla con su fuerte presencia escénica y una belleza particular que, a diferencia de la etérea imagen de su hermana (la modelo y chansoniere Carla Bruni) no sabe de cánones. Aúna en su estampa la contundencia de las divas italianas y el glamour distante de las heroínas del cine francés.

Cinco
Para terminar (o para comenzar, siguiendo la continuidad inversa propuesta por el director) es menester destacar la excelente factura visual: el autor demuestra cómo el cine puede convertir una puesta de sol en un momento inolvidable. Tal como lo hace la memoria.

El exitoso encuentro de Walter Salles y la fantasmagoría nipona

2005-12-09T14:03:00.000-03:00

En Agua turbia, el director de Diarios de motocicleta realiza una nueva adaptación para Hollywood de una cinta de “j-horror”. Es su debut en inglés y con estrellas estadounidenses.

Agua turbia representa un nuevo capítulo en la costumbre de Hollywood de rehacer producciones extranjeras exitosas; particularmente, una nueva remake de terror japonés, en la línea de La llamada y El grito. Aquí vuelve la dupla creadora de la primera de ellas (el novelista Kôji Suzuki y el director original Hideo Nakata). Vuelven también el agua chorreante y los largos cabellos, asociados a fantasmas que reclaman la atención de los vivos para poder descansar en paz. Seguramente en la adaptación se pierde algo de oscuridad, residente en el carácter hierático de la cultura nipona, afecta a silencios y gestos (en El grito la reversión fue filmada en Tokio por el realizador original, Takashi Shimizu).

El cineasta brasileño Walter Salles (reconocido por Estación Central y Diarios de motocicleta) traslada en registro desde el horror hacia el thriller psicológico, orientándose hacia la alteración de la realidad. Para esto convocó a Jennifer Connelly, probablemente después de verla en La casa de arena y niebla: su estampa aristocrática aporta un efecto dramático cuando retrata personajes en desgracia.

Quizás el mayor logro actoral esté en el juego entre la protagonista y la niña actriz Ariel Gade: nadie duda en ningún momento de que se trata de una madre con su hija (para lo cual es de presuponer una elaboración especial de improvisaciones previa al trabajo sobre las escenas). Debería ser objeto de estudio el por qué es tan difícil para otras cinematografías (con excepciones, obviamente) obtener resultados destacados en materia de actores infantiles.

La fotografía de Affonso Beato agrega dramatismo a este filme lluvioso (no es una metáfora, llueve todo el tiempo) y la música de Angelo Badalamenti complementa discretamente al ominoso clima general.

Quienes esperaban el ingreso de Salles por la puerta grande de la Meca del cine (salvo aquellos muy “latinoamericanistas” que puedan extrañar cierto componente social), se encontrarán con un filme digno, dentro de los más altos estándares de calidad de Hollywood.

Para agendar

Affonso Beato acompañó a Glauber Rocha en Antonio das Mortes y a Pedro Almodóvar en La flor de mi secreto, Carne trémula y Todo sobre mi madre.

Angelo Badalamenti fue colaborador de David Lynch en Twin Peaks y Mulholland Drive.

Información técnica

Agua turbia (Dark Water, Estados Unidos/2005). Dirección: Walter Salles. Con Jennifer Connelly, John C. Reilly, Tim Roth, Dougray Scott, Ariel Gade, Pete Postlethwaite, Camryn Manheim. Perla Haney-Jardine, Debra Monk. Guión: Rafael Yglesias, basado en el film Honogurai mizu no soko kara de Hideo Nakata, y en la novela homónima de Kôji Suzuki. Fotografía: Affonso Beato. Música: Angelo Badalamenti. Edición: Daniel Rezende. Diseño de producción: Thérèse DePrez. Dirección de arte: Nicholas Lundy y Andrew M. Stearn. Presentada por Buena Vista International. Hablada en inglés. Duración: 105 minutos. Calificación: para mayores de 13 años.

Una vía a la esperanza

2005-12-09T13:59:00.000-03:00

Los conflictos en los Balcanes empezaron (por decirlo de alguna manera) en el siglo XVII; desde entonces, la región donde alguna vez estuvo Yugoslavia es cíclicamente conmocionada por enfrentamientos políticos que enmascaran tensiones étnicas y religiosas. En la Segunda Guerra Mundial, los chetniks (serbios comunistas) terminaron imponiéndose a los ustachas (croatas fascistas y sus aliados musulmanes). Josip Broz (Tito) aportó medio siglo de pax romana. Hasta 1992.

Allí empieza La vida es un milagro (Zivot je cudo) primera película de ficción de Emir Kusturica en seis años. El director bosnio de origen serbio imagina una relación entre Luka, un ferroviario serbio radicado en Bosnia (al que su delirante esposa termina abandonando por un músico húngaro), y Sabaha, una enfermera muslime (musulmana) que le ha sido encargada como prisionera; un alocado soldado le ha dicho que pertenece a una familia rica, y constituye un buen rehén para cambiar por su hijo Milos, capturado por el enemigo.

Sería trillado hablar de “unos Romeo y Julieta modernos”, como lo hizo la crítica en todo el mundo. Pero además aquí Kusturica abre una ventana de esperanza de la que no disponían Capuletos y Montescos en la Verona renacentista: pareciera que en medio de las masacres, las violaciones sistemáticas y la “política de tierra arrasada”, todavía (y como diría cierto rockero de la cinematografía argentina) “el amor es más fuerte”. Para continuar con la metáfora ferroviaria (los rieles y los túneles son omnipresentes en el paisaje y en la vida de los aldeanos) podría decirse que abre una vía a la esperanza.

El autor narra el tránsito sutil desde el régimen comunista al “nuevo orden”, al mismo ritmo que se modifica la imagen del nuevo alcalde, progresivamente más fashion y vistosa. También aprovecha el entorno aldeano para mostrar hasta qué punto los conceptos de amigo y enemigo no constituyen una dualidad binaria: hay muchos matices cuando todas las categorías políticas estallan en mil pedazos. El tono de realismo mágico, propio de su filmografía, queda reabsorbido en una realidad que supera cualquier imaginación.

Kusturica apela al humor para matizar la crueldad de una de las guerras más crueles del siglo XX, no para falsear la realidad sino para resaltar que “la vida sigue”, que la gente de a pie busca continuar con sus cotidianas existencias, aun de modo inconsciente. Y que esas mismas personas se siguen enamorando, más allá de los dictados de presidentes, generales y comisarios del pueblo. En definitiva, ese parece ser el milagro de la vida.

LA VIDA ES UN MILAGRO (Zivot je cudo) de Emir Kusturica. Coproducción de Francia y Yugoslavia, 2004, 152 minutos. Guión: Emir Kusturica y Ranko Bozic. Fotografía: Michel Amathieu. Música: Dejan Sparavalo y Emir Kusturica, interpretada por la No Smoking Orchestra. Protagonistas: Slavko Štimac, Nataša Šolak, Vesna Trivalić, Nikola Kojo, Aleksandar Berček, Vuk Kostic, Stribor Kusturica. Ganadora de los siguientes premios: Premio de la Educación Nacional en el Festival de Cannes de 2004; César (el Oscar francés) al mejor filme de la Unión Europea de 2005; Globo de Oro a la mejor película europea de 2005.

¡Salí en El Litoral!

2005-09-01T17:35:00.000-03:00

Pasó hace casi un mes, pero no lo había colgado. Así que vaya el link a los textos que salieron en el diario: acá están los textos, y acá se puede ver la posición en la página (en papel, una página para quien suscribe y una para Nerval).

Pronto más novedades...

Open publishing and digital democracy

2005-07-18T16:07:00.000-03:00

By Ignacio Andrés Amarillo

The modernity was constituted by the thread of the “Republic of the Letters”, of a public sphere of opinions that directs the destinies of the life in society.

For Jean Jacques Rousseau, the most influential author for the French revolutionaries, “the common will doesn’t arise from the concurrence among private interests (...) The volonté général, guarantee of a nature state restored under the conditions of a society state, sprouts rather like a kind of humanity's instinct, it sprouts, therefore, of the nature state and it penetrates savingly in the society state. There Rousseau sees, contradicting Montesquieu, the spirit of the Constitution not written in marble neither in metal, but anchored in the heart of the citizens, this is, in the opinion.”[1]

This rousseaunian conception opens the path to a wide idea of democracy. “A direct democracy demands the real presence from who is sovereign. The volonté général like corpus mysticum is bound to the corpus physicum of the gathered people. Rousseau imagines the idea of the durable plebiscite in agree with the image of the Greek polis: the people was there, for this way to say it, gathered without interruption in the square; likewise the place publique becomes to the Rousseau’s eyes in foundation of the constitution.”[2]

Immanuel Kant, the great theorist of Enlightment, called “age minority” to the inability of being served by the own understanding without the address of another. It considered that “«it is difficult for all the individually considered men to make an effort to leave the age minority (...) But it is more possible than a public it is illustrated itself; just by that is left in freedom, it is almost unavoidable». for that reason in the enlighted conception thinking for itself seems to coincide with thinking aloud, exactly the same as the use of the reason is equal to its public use (...) The publicity, inside which the philosophers practice his critical craft, has stopped to be meantime, however of its academic nucleus, merely academic. (...) Not only in the republic of the sages is carried out the publicity, but in the public use of the reason, exercised by all those that guess right to that use. (...) Of there it is the postulate of the publicity like principle: «The public use of his reason must be free in all moment, and he can only give place to Enlightenment among men; the private use of the same one, however, often can end up being very limited, without for it, nevertheless, to block seriously the progress of Enlightenment». Everybody are called to be «publicists», to go «to the own public, that is to say, to the world, through writings».”[3]

“The founding fathers of this country, the ‘egalitie, fraternitie and libertie’ of France and most other liberals that moved society toward freedom and liberty in the 1700’s could not have been expected to visualize the growth of populations, radical evolution of science, vast increases of technology and incredible increases in mobility of information, money, goods, services and people. (...) Except for a notable few, one of whom was Abraham Lincoln, they could not imagine that corporations, once a creature of nation states, would so expand while ridding themselves of social responsibility to the point they could hold virtually any government to ransom for the privilege of their presence. Today, nation states and elected politicians are more creatures of corporations than corporations are creatures of nation states. Unfortunately, while it was democracy and liberty corporations needed to reach their present dominance, in the main, their governance is the antithesis of democratic, free and just. I do not think it bodes well for the future of democracy.”[4]

The development of the modern media leads to the constitution of the contemporary corporate system of media. Although this it is “porous” (in the sense that it opens some spaces to different ideological lines), it is not transparent. This system has two limits: on one hand it delimits the discussion margins (this has been broadly explained from diverse theoretical perspectives that goes from the agenda setting theory to Cultural Studies). On the other hand, it restricts the access to media: although the press workers can enunciate (between some limits and according to the hierarchy that they occupy inside the system) their opinions and visions, for the rest of population, the messages are “intermediated” by the apparatus of media and journalists. But, also, we should it considers that “the founding father defined ‘the press’ as individuals and small groups with printing presses to represent the voice of the people and that currently, newspapers are just printing machine owners and paper distributors just like telephone companies are a bunch of telephone poles and pipes.”[5]

Journalism and press were for the 18 century a space in which people and political groups could express different ways to see the world, at the same time that exercise the control of power: in definitive, like a constituent element of the democracy. “The petitions, letters to the editor, pamphleteering that preceded the American and French revolutions were essential enabling institutions for the experiments in self-government that followed.”[6] In times in that the corporate concentration also catches to the sphere of the communication, in the development of big transnational conglomerates of media. The same corporate concentration that challenges the authority of the national states, restricts the social potential of the means, through the multinational monopolies. “For software it’s Microsoft. For publishing it’s CNN. For both software and publishing it's AOL Time Warner.”[7]

Now then; which are the characteristics of this system? “To see the news you need to pay with money or with your time spent watching ads (usually for cars) or both. To create the news you need to pay expensive public relations consultants. To write the news you need to obey corporate news values, making stories on a production line, for maximum advertising impact at minimum cost. To edit the news you need to be a global stock market newswire service or a multinational media company. To distribute the news you need to have one of 6 TV transmission towers in a city of millions. (...) What we have is a very complex system within which the humans have recently gained enourmous power but as yet they have no correspondingly powerful network of communication infrastructure to support it. We have no neural network to process information. Not so much a global village as a global megaphone.”[8]

“There are signs that after more than a decade of political insignificance, the democratic potential of the Internet is being realized by more people every day.”[9] It is in this situation picture that Internet two way technologies allow an interaction and communicative participation degree few times seen. One of these technical resources is the denominated “open publishing.” “Open publishing means that the process of creating news is transparent to the readers. They can contribute a story and see it instantly appear in the pool of stories publicly available. Those stories are filtered as little as possible to help the readers find the stories they want. Readers can see editorial decisions being made by others. They can see how to get involved and help make editorial decisions. If they can think of a better way for the software to help shape editorial decisions, they can copy the software because it is free and change it and start their own site. If they want to redistribute the news, they can, preferably on an open publishing site.”[10] It is also known with the name of “open editing” the specific possibility that users can make on-line editorial decisions. The concept that underlies in all these resources is “blogging”, which is based on the possibility of “posting” in websites articles, images, videos, etc. With the peak of the cellular telephony and the portable computer resources, went that it began to speak of “moblogging” (mobile blogging).

Who impel these spaces they sustain that it is through them the restrictions that the system of means imposes can be challenged: “For all its entertainment and social networking value, the most important promise of blogging is that it could help revivify the moribund public sphere that is as essential to democracy as voting. (...) In Korea, Ohmynews helped tip an election and elect a president. Worldwide, Indymedia provided ad-hoc counter-media at the scene of political protests. During the worldwide demonstrations against the U.S. invasion of Iraq, the BBC Web site showed stills from cameraphone shots sent to them directly by participants in demonstrations from Stockholm to Rome. (...) Moblogging is at a convergence of technical capabilities with the insatiable human thirst for new ways to learn, create, and communicate, and the political necessity for a truly effective peer-to-peer journalism as a counter to ‘disinfotainment’ cartels. (...) Once upon a time, reporters were heroes. Maybe moblogging will help revive the endangered and vital tradition.”[11]

We don't know the limits of this process that it is transforming the communication processes and, possibly, the society; however, their influence can already be appreciated in the commercial and hierarchical Web. The new conception and, therefore, the new practices, they are modifying the system that the corporations of the late capitalism knew to build. When saying of one of the fervorous militants of open publishing, “we are not working to convince people that this is a good way to do things. We are providing a space in which people might decide themselves if this is a good way to do things.”[12]

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[1] Habermas, Jürgen, Historia y crítica de la opinión pública, Gustavo Gilli, México, 1983, page 131.

[2] Idem, page 133.

[3] Idem, page 137-139.

[4] Hock, Dee, “An email from Dee Hock about the emergent democracy paper”, March 10, 2003 (http://joi.ito.com).

[5] Ito, Joichi, “Future of journalism”, May 15, 2003 (http://joi.ito.com).

[6] Rheingold, Howard, “Smart Mobs Revisited”, Online Journalism Review, July 9, 2003 (www.ojr.org).

[7] Arnison, Matthew, “Open publishing is the same as free software”, June 9, 2003 (http://www.physics.usyd.edu.au/~matthewa/catk/openpub.html.).

[8] Idem.

[9] Rheingold, Howard, op.cít.

[10] Arnison, Matthew, op.cít.

[11] Rheingold, Howard, op.cít.

[12] Arnison, Matthew, op.cít.

Publicación abierta y democracia digital

2005-07-18T15:51:00.000-03:00

Por Ignacio Andrés Amarillo

La modernidad se constituyó al hilo de la “República de las Letras”, de una esfera pública de opiniones que dirija los destinos de la vida en sociedad.

Para Jean Jacques Rousseau, el autor que más influyó en los revolucionarios franceses, “la voluntad común no surge de la concurrencia entre intereses privados (...) La volonté général, garantía de un estado de naturaleza restaurado bajo las condiciones de un estado de sociedad, brota más bien como una especie de instinto de la humanidad, brota, por tanto, del estado de naturaleza y penetra salvadoramente en el estado de sociedad. Así ve Rousseau, contradiciendo a Montesquieu, el espíritu de la Constitución no escrito en mármol ni en metal, sino anclado en el corazón de los ciudadanos, esto es, en la opinión”[1].

Esta concepción rousseauniana abre el camino a una idea amplia de democracia. “Una democracia directa exige la presencia real de quien es soberano. La volonté général como corpus mysticum está ligada al corpus physicum del pueblo reunido. La idea del plebiscito duradero se la imagina Rousseau de acuerdo con la imagen de la polis griega: el pueblo estaba allí, por así decirlo, reunido sin interrupción en la plaza; así también se convierte a los ojos de Rousseau la place publique en fundamento de la constitución”[2].

Immanuel Kant, el gran teórico de la Ilustración, llamó “minoría de edad” a la incapacidad de servirse del propio entendimiento sin la dirección de otro. Consideraba que “«Es difícil para todos los hombres individualmente considerados esforzarse por salir de la minoría de edad (...) Pero es más posible que un público se ilustre a sí mismo; con sólo que se le deje en libertad, es casi inevitable». Por eso en la concepción ilustrada el pensar por sí mismo parece coincidir con el pensar en voz alta, exactamente igual que el uso de la razón equivale a su uso público (...) La publicidad, dentro de la cual practican los filósofos su artesanía crítica, ha dejado de ser entretanto, sin embargo de su núcleo académico, meramente académica. (...) No sólo en la república de los sabios se realiza la publicidad, sino en el uso público de la razón, ejercido por todos aquellos que acierten a ese uso. (...) De ahí resulta el postulado de la publicidad como principio: «El uso público de su razón ha de estar libre en todo momento, y sólo él puede dar lugar a la Ilustración entre los hombres; el uso privado de la misma, empero, puede a menudo llegar a ser muy limitado, sin por ello, no obstante, obstaculizar seriamente el progreso de la Ilustración». Todos están llamados a ser «publicistas», a dirigirse «al propio público, es decir, al mundo, por medio de escritos»”[3].

“Los padres fundadores de este país, la ‘igualdad, fraternidad y libertad’ de Francia y la mayoría de los otros liberales que llevaron a la sociedad a la emancipación y la libertad en los 1700’s no podían esperar visualizar el crecimiento de las poblaciones, la evolución radical de la ciencia, los inmensos incrementos de la tecnología y los aumentos increíbles en la movilidad de información, dinero, bienes, servicios y personas. (...) Salvo unos pocos notables, uno de los cuales fue Abraham Lincoln, no podían imaginar que las corporaciones, una vez una criatura de los estados nacionales, se expandirían tanto al tiempo en que se libraban de su responsabilidad social al punto que ellas podrían sostener virtualmente cualquier gobierno para defender el privilegio de su presencia. Hoy, los estados nacionales y los políticos electos son más criaturas de las corporaciones de lo que las corporaciones son criaturas de los estados nacionales. Desgraciadamente, mientras que fueron la democracia y las libertades lo que las corporaciones necesitaron para alcanzar su dominación presente, en lo principal, su gobierno es lo contrario de democrático, libre y justo. Yo no pienso que presagie bien para el futuro de la democracia”[4].

El desarrollo de los modernos medios de comunicación llevó a la constitución del contemporáneo sistema empresarial de medios. Si bien este es “poroso” (en el sentido que abre ciertos espacios a distintas líneas ideológicas), no es “transparente”. Este sistema tiene dos límites: por un lado acota los márgenes de discusión (esto ha sido ampliamente explicado desde diversas perspectivas teóricas, que van desde la teoría del establecimiento de agenda a los estudios culturales). Por otra parte, restringe el acceso a los medios: si bien los trabajadores de prensa pueden enunciar (dentro de ciertos límites y de acuerdo a la jerarquía que ocupen dentro del sistema) sus opiniones y visiones, para el resto de la población, los mensajes están “intermediados” por el aparato de medios y periodistas. Pero, además, debemos considera que “los padres fundadores definieron ‘la prensa’ como individuos y pequeños grupos con prensas de impresión para representar la voz del pueblo y que actualmente, los periódicos son simplemente dueños de máquinas impresoras y distribuidores de papel tal como las compañías telefónicas son un manojo de polos telefónicos y cañerías”[5].

El periodismo y la prensa fueron para el siglo XVIII un espacio en el que personas y grupos políticos podía expresar distintas maneras de ver el mundo, a la vez que ejercer el control del poder: en definitiva, como una elemento constitutivo de la democracia. “Las peticiones, las cartas al editor y la panfletería que precedieron a las revoluciones Americana y Francesa fueron las instituciones esenciales habilitantes para los experimentos en autogobierno que siguieron”[6]. En tiempos en que la concentración corporativa atrapa también a la esfera de la comunicación, en el desarrollo de grandes conglomerados transnacionales de medios. La misma concentración empresarial que desafía la autoridad de los estados nacionales, restringe el potencial social de los medios, a través de los monopolios multinacionales. “Para el software es Microsoft. Para la publicación es CNN. Para el software y la publicación es AOL Time Warner”[7].

Ahora bien; ¿cuáles son las características de este sistema? “Para ver las noticias usted necesita pagar con dinero o con su pérdida de tiempo viendo anuncios (normalmente de automóviles) o con ambos. Para crear las noticias usted necesita pagar a caros consultores de relaciones públicas. Para escribir las noticias usted necesita obedecer los valores de las noticias corporativos, haciendo las historias en una línea de la producción, para el máximo impacto publicitario al mínimo costo. Para editar las noticias usted necesita ser un servicio de cable o una compañía de medios multinacional que esté en la bolsa de valores global. Para distribuir las noticias usted necesita tener una de las 6 torres de transmisión de TV en una ciudad de millones. (...) Lo que tenemos es un sistema muy complejo dentro del cual los humanos han ganado recientemente un enorme poder pero todavía ellos no tienen una igualmente poderosa red de infraestructura de comunicación para apoyarlo. No tenemos ninguna red neural para procesar la información. No es tanto una aldea global como un megáfono global”[8].

“Hay señales de que después de más de una década de insignificancia política, el potencial democrático de la Internet está siendo comprendido por más personas todos los días”[9]. Es en este cuadro de situación que las tecnologías de dos vías de Internet permiten un grado de interacción y participación comunicativa pocas veces visto. Uno de estos recursos técnicos es la denominada “publicación abierta”. “Publicación abierta significa que el proceso de crear las noticias es transparente a los lectores. Ellos pueden contribuir con una historia y pueden verla al instante aparecer en el grupo de historias públicamente disponibles. Esas historias se filtran lo menos posible para ayudar a los lectores a encontrar las historias que ellos quieren. Los lectores pueden ver decisiones editoriales hechas por otros. Ellos pueden ver cómo involucrarse y ayudar a tomar decisiones editoriales. Si ellos pueden pensar en una manera mejor para el software para ayudar a modelar las decisiones editoriales, pueden copiar el software porque es libre y cambiarlo y empezar su propio sitio. Si ellos quieren redistribuir las noticias, ellos pueden, preferentemente en un sitio de publicación abierta”[10]. También se conoce con el nombre de “edición abierta” a la posibilidad específica de que los usuarios puedan tomar decisiones editoriales en línea. El concepto que subyace en todos estos recursos es el “blogging”, que se basa en la posibilidad de “postear” en sitios en la Red artículos, imágenes, videos, etc. Con el auge de la telefonía celular y los recursos informáticos portátiles, fue que se empezó a hablar de “moblogging” (mobile blogging).

Quienes impulsan estos espacios sostienen que a través de ellos se pueden desafiar las restricciones que el sistema de medios impone: “Por todo su valor para el entretenimiento y la gestión de redes sociales, la promesa más importante del blogging es que pudiera ayudar a revivir la moribunda esfera pública que es tan esencial a la democracia como votar. (...) En Corea, Ohmynews ayudó a dar vuelta una elección y elegir a un presidente. Mundialmente, Indymedia proporcionó contramedios ad-hoc en la escena de protestas políticas. Durante las manifestaciones mundiales contra la invasión americana de Irak, el BBC Web sitio mostró instantáneas disparadas desde camaráfonos enviadas directamente a ellos por los participantes en las manifestaciones de Estocolmo a Roma. (...) El moblogging está en una convergencia de capacidades técnicas con la insaciable sed humana por nuevas maneras de aprender, crear, y comunicar, y la necesidad política para un periodismo par-a-par verdaderamente eficaz como una contra a los carteles del ‘disinfotainment’. (...) Alguna vez, los reporteros fueron héroes. Quizás el moblogging pueda ayudar a revivir esa vital tradición en peligro”[11].

No conocemos los límites de este proceso que está transformando a los procesos de comunicación y, eventualmente, a la sociedad; sin embargo, su influencia ya puede apreciarse en la Web comercial y jerárquica. La nueva concepción y, por ende, las nuevas prácticas, están modificando el sistema que las corporaciones del capitalismo tardío supieron construir. Al decir de uno de los fervorosos militantes de la publicación abierta, “nosotros no estamos trabajando para convencer a las personas de que ésta es una buena manera de hacer las cosas. Nosotros estamos proporcionando un espacio en que las personas puedan decidir ellos mismos si ésta es una buena manera de hacer las cosas”[12].

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[1] Habermas, Jürgen, Historia y crítica de la opinión pública, Gustavo Gilli, México, 1983, pág. 131.

[2] Ídem, pág. 133.

[3] Ídem, págs. 137-139.

[4] Hock, Dee, “An email from Dee Hock about the emergent democracy paper”, 10 de marzo de 2003 (http://joi.ito.com).

[5] Ito, Joichi, “Future of journalism”, 15 de mayo de 2003 (http://joi.ito.com).

[6] Rheingold, Howard, “Smart Mobs Revisited”, Online Journalism Review, 9 de julio de 2003 (www.ojr.org).

[7] Arnison, Matthew, “Open publishing is the same as free software”, 9 de junio de 2003 (http://www.physics.usyd.edu.au/~matthewa/catk/openpub.html.).

[8] Ídem.

[9] Rheingold, Howard, op.cít.

[10] Arnison, Matthew, op.cít.

[11] Rheingold, Howard, op.cít.

[12] Arnison, Matthew, op.cít.

Cul de Sac?: hasta el fondo de la bolsa

2005-06-03T14:13:00.000-03:00

Celebrando el lanzamiento de Real, su nueva grabación en concierto, Sebastián “Oso” Benaglio y Lucas Negretti, respectivamente vocalista y baterista de la banda, compartieron esta larga y distendida entrevista con nosotros. De Real a la Bienal, y sin tapujos, entramos con todo a esta propuesta.

Antes que nada, ¿por qué Real?
Lucas: Bueno, Real es primero es porque se grabó en el Teatro Real de Córdoba. Aparte fundamentalmente lo que nosotros queremos plasmar con el nombre del disco es que así suela la banda realmente en vivo. Valga la redundancia que viene por el nombre del teatro pero también como es un disco en vivo, como no hubo mucho toqueteo en estudio, así es como suena la banda.

¿Cómo se dio el hecho de decir “vamos a grabar nuestro próximo disco en vivo”?
Lucas: Nosotros no teníamos en realidad la idea de grabar un material en vivo, sino grabar en estudio, más a fin de año. Pero se dio la casualidad de que Luciano “Luta” Luggren, el chico que nos grabó el material, está estudiando en La Metro, en la Escuela de Artes Audiovisuales de Córdoba, la carrera de Técnico en Sonido. Y para la tesis final le pedían grabar una banda en vivo. Se presentaron distintos materiales, de todos los alumnos, y por suerte gracias a Dios quedamos nosotros en el rubro Rock, nos llamaron y así fue que se presentó el material allá y fuimos a grabar allá. No fue una idea nuestra pero nos vino buenísimo.
Oso: Igualmente fuimos a tocar a Córdoba como una experiencia. Después vimos una premezcla de todo lo que salió, y estábamos muy contentos y empezamos a laburar. Lucas Prochietto, empezó a laburar, a laburar, a laburar, y bueno, como que del cielo nos cayó el disco este, y vamos a aprovechar para que todo el mundo lo tenga, lo vamos a vender rebarato (seis pesos). La idea es más que nada que lo tenga todo el mundo, y sí, a fin de año grabar un “disco-disco”, con doce temas, con un buen arte de tapa y esas cosas. Eso no quiere decir que este no lo tenga, pero son dos cosas diferentes.

Ese disco, ¿va a tener material distinto al de Real?
Lucas: Claro, lo que tiene Real es que tiene parte del anterior tocadas en vivo y parte de lo que posiblemente sea el próximo material, parte de lo nuevo más lo que veníamos haciendo. Pero no quiere decir que el próximo disco no tenga algunos de los temas de Real, porque eran los temas que estábamos componiendo nosotros con la nueva formación que apareció en 2003.

Como que este es el registro de un show, independientemente de que algunos temas que a aparecer en el próximo material en estudio.
Lucas: Tal cual. Fundamentalmente la meta de este disco es que lo tengan todos y Santa Fe conozca lo que es Cul de Sac?, y que sea más un disco de difusión que un disco en sí. Difusión para que cuando salga el próximo disco, cuando sea la fecha (que no la tenemos bien clara) tengamos la posibilidad de sacarlo y ya tener una base de que la gente conozca lo que es Cul de Sac?.
Oso: Es un registro de Cul de Sac? en los primeros días de agosto de 2004.

Como una radiografía de lo que la banda es...
Oso: Claro. En ese momento Cul de Sac? era eso y bueno, ahí está. Son ocho temas, los que tuvimos que tocar (en realidad habíamos preparado como diez).

Es una buena manera de que el público en general entre a Cul de Sac?...
Oso: Sí, tal cual, porque no está pinchado en ningún lado, así que no va a haber tanta diferencia entre el disco y la banda en vivo. No digo que es lo mismo...

Seguramente va a sonar un poco mejor, porque algunos shows...
Oso: Sí, seguro, porque como son los shows acá... Pero por ahí hay muchas bandas que flashean mucho en el estudio, se les va el avión en el estudio, y después cuando llegan al vivo la gente queda de cara, porque no se puede hacer lo mismo que en el estudio, y al revés.
Lucas: Otra cosa es que no le queremos quitar importancia a este disco, más allá de que sea un material de difusión, porque fue grabado re “pro”, con la tecnología de la que se puede disponer en la actualidad, con Pro Tools, con tres equipos de casi 12 personas en total laburando para nosotros, con equipos de frente, de monitoreo... la calidad del disco es muy buena, nosotros estamos muy contentos.

¿Qué se va a encontrar la gente en cuanto al material, a los temas?
Oso: Siempre cuando me preguntan “¿con qué te vas a encontrar?” a mi se me complica. En el sentido de que nosotros venimos tocando hace casi diez años en diferentes bandas, desde guachos estamos metidos en la música, y Cul de Sac? ya nos agarró a todos con ganas de tocar. Entonces, a la hora de componer, ya sabemos que es rock lo que hacemos, y siempre Tío (Héctor Grazzioli, guitarrista) trae las bases y todo lo artístico lo hacemos entre todos. Y ya sabemos que Tío no va a venir con nada raro, va a venir con algo de rock, siempre. Y bueno, ese rock varía desde el ska, jazz, funk, hardcore, nü metal, de todo un poco, y Cul de Sac?. Siempre algo sale, algo raro...

Que es la variable, cuando decís Cul de Sac? te referís al sonido propio de la banda...
Oso: Sí, sí.

Pero algunas influencias, algo que a ustedes los represente... Onda “siempre flasheé con Leo Dan”...
Oso: Influencias tenés Rage Against the Machine, Deftones, Incubus, Pantera, Metallica...
Lucas: Korn...
Oso: Stone Temple Pilots, Divididos (yendo a lo nacional), todas esas cosas.

¿Y alguna que les de vergüenza?
Oso: Que se yo...
Lucas: ¡Airbag! (Risas) En realidad no hemos tocado algo que nos de vergüenza, porque esa obligación de “vamos a tocar a tal lado” y tenemos que tocar algo para quedar bien. Siempre tocamos lo que nos gustó. Nunca estuvimos obligados a hacer alo que no nos guste, o hicimos algo que después te arrepentís. Con todo lo que hicimos estamos contentos.
Oso: Con Cul de Sac? me pasó una cosa que... por ejemplo Almendra. Yo a Almendra no lo escuchaba, decía “nunca voy a hacer un tema de Almendra”. Y ahora estamos haciendo “Ana no duerme”de Spinetta, que la hacía con Almendra, y vos decís “mirá hasta donde vas”. Nosotros no hacemos covers, hacemos remakes, agarramos temas y los versionamos; hacemos “Ana no duerme” y “Ciudad de pobres corazones” de Fito. A mi no se había cruzado por la cabeza hacer esos dos temas pero ni en pedo. Pero vuelta , vuelta y vuelta, y metiendo cosas locas ahí adentro, te das cuenta que “mirá, está bueno”.

¿En que situación los agarra este lanzamiento?
Oso: Desde mi punto de vista, ahora la banda está viviendo una etapa de maduración, todos tirando para el mismo lado, como tiene que ser en una banda; todos estamos con ganas de que salga este disco, todos estamos con ganas de presentarlo, que se escuche en todas las radios. Todos estamos con ganas de salir a tocar afuera, estamos con bronca por que no se puede tocar acá. Y no es que caigo en la mediocridad de que me quedo sentado esperando que me vengan a traer una fecha, la verdad es que está re-complicado tocar acá en Santa Fe. Y gracias a Dios tenemos la suerte de que vamos a tener una “tocata” en Paraná como vamos a tener ahora, una en San Justo, posiblemente una en Coronda. Yo creo que la banda está con más pilas que nunca.

¿Cómo viven este momento tenso para la movida del rock?
Lucas: En realidad te da como cierta bronca, desde el punto de vista de que uno no es responsable y tiene que cargar... desde ya, a toda banda le cuesta salir, tocar, porque como todo el mundo te lo dice, se necesita plata: para viajar, para mantener los instrumentos, para pagar una sala. Y lo que tiene una banda under es todo ese esfuerzo económico y de tiempo para ir y tocar. Y si sumás ese esfuerzo y no poder tocar, uno lo pone en la balanza y es muy negativo. Más cargando la culpa de algún pelotudo que se mandó una cagada, que fue un garrón para muchísima gente. Uno desde ese punto de vista entiende, pero lamentablemente termina cargando uno la culpa de toda esa gente, nosotros y todas las bandas under del país.
Oso: Aparte de que la paranoia se trasladó de Buenos Aires al resto del país, y ahora creo que ni en una iglesia podés tocar, porque te falta un matafuego. Encima no está censurado para todos igual: si vos tenés una banda de rock, no tocás; si tenés una banda de cumbia, tocás. Entonces, ¿cómo es la onda? Si la cumbia también es música, y pueden entrar con cualquier cosa, y se puede prender fuego cualquier cosa... Y es como hablábamos con un amigo: es porque se prendió fuego, porque si se hubiera roto el escenario, no se tocaba más en escenarios, porque se rompen todos los escenarios...
Lucas: Pasa que el país lamentablemente es así. Ya nos estamos metiendo en política... El tema ya viene de Kheyvis, hace 11 años atrás, 12 ahora, había pasada lo mismo. ¿Qué pasó? Tres meses y se olvidó todo. El tema es que acá tiene que pasar algo para que se pongan las pilas. En este caso fue un show, en el que lamentablemente se comieron un garrón y se murieron un montón de pibes, pero podría ser que se haya caído un puente, entonces va a tener que clausurar todos los puentes... Van a tener que hacerlos de nuevo, y el garrón va a ser que la gente no va a poder pasar de una ciudad a otra. Lo mismo si se cae un avión. Tienen que esperar que pase para ponerse las pilas con las cosas. Y no es así: ya de antemano vos tenés que tener cierta previsibilidad de lo que puede llegar a pasar. Y ahora nos tocó a nosotros.
Oso: Mientras tanto, los mocos nos los comemos nosotros...
Lucas: Pero podría haberle pasado a cualquiera.

¿Y cómo creen que se va a reacomodar esa realidad?
Lucas: Yo personalmente creo que como cuando pasó lo de Kheyvis (aunque al final a los tres meses ya se olvidó todo y ahora volvió a pasar con Cromagnon) no va a ser tan fácil.. Ahora hay un problema legal... Lo que hay ahora es un problema social, está toda la gente metida con eso, y es entendible el tema de la bronca. Pero si vos te ponés a pensar un poquito más frío, lo que pasó (por ejemplo) con Chabán es legal, la culpa no la tienen los jueves ni nadie, la culpa la tienen las leyes. Pasa que tiene un trasfondo social tan grosso que cualquier tipo de problema legar que haya la gente salta y no entiende, quiere romper los tribunales, matar a los jueces... Entonces ya hay un tema mas social que otra cosa. Para mí cuando se reacomode esa bronca social, ahí se va a reacomodar todo. No pasa por lo legal, no pasa porque Chabán o quien tenga que ir vayan en cana.
Oso: Para mi esta complicado, que se yo... acá en Santa Fe (que obviamente es donde más lo vemos nosotros) está complicado en el sentido de que para abrir algo para que toquen tenés que tener una cantidad de cosas... Entonces vos te agarrás la paranoia de “hey, boludo, estuve en escenarios que me pude haber muerto”, cosas así... estuve tocando todos estos años. ¿Qué fue? ¿Todo una cagada? Tiene que pasar esto, que se mueran una cantidad de pibes, que pude haber sido yo, que pudo haber sido Lucas... porque tocaba Callejeros, pero tocaba Carajo y podría haber sido yo el que estaba ahí, o él. Tocó Callejeros, que es otro palo... Te agarran un montón de cosas que te ponés a pensar. Entonces por ahí uno tiene un micrófono en la mano, y se sube a un escenario y bate un par de cosas. Porque tenés bronca, estás todo el día buscando dónde tocar. Y los lugares están habilitados, pero los bomberos no ponen el gancho porque no se hacen responsables, la Municipalidad no te firma las cosas porque no se hacen responsables. Mientras tanto el Solar de las Artes se rompe el orto haciendo una salida de emergencia, poniendo tres matafuegos, sacando el techo inflamable, pero los bomberos no se ponen las pilas. La Policía no te pone el gancho tampoco. El concejal no existe, entonces llega el momento en que te volvés loco. Terminas tocando en teatritos.
Lucas: Nos jodemos tanto los músicos que queremos tocar como la gente que vive de eso, hay dueños de pubs que mantienen a su familia con eso. Están los empleados de los pubs, de los bares, de los lugares donde se toca, que viven de eso. Están en la misma, pero ellos se cagan de hambre, a diferencia nuestra, Esa es la bronca: que hay muchísimos lugares habilitados, pero no van a firmarles la autorización. Ese es el otro garrón, hablás con gente y te baten eso, y te da todavía más bronca a vos, decís “puta, yo me estoy embroncando porque no puedo tocar y esta gente se está cagando de hambre, tanto los dueños como los empleados porque no pueden laburar”.

¿Y cómo se hace para seguir tocando, ensayando, componiendo?
Lucas: Porque en realidad en lo que le gusta a uno. Vos no vas a dejar de tocar porque pase cierta cosa, al contrario. Y en realidad la vida en sí tiene todas esas cosas, tiene altos y bajos. Y bueno, la tenés que pelear, darle para adelante. La única forma es pelearla, tratar de armar la forma de armártela como sea para seguir tocando. Como lamentablemente no depende de nosotros, dependa de quien dependa, que se ponga las pilas y se acomode. Pero hay que seguir.
Oso: Igualmente una suerte corremos nosotros, que tenemos una puerta abierta en localidades vecinas, donde no están tan locos como en las ciudad capital. Lo mismo en Paraná, donde hay un pub habilitado con todas las normas (cosa que acá no hay). Coronda, Esperanza, San Justo, Recreo, que está haciendo esos festivales, contamos con ese bonus. Pero como dice Lucas, hay que tocando. Y si no se puede tocar, metete las pilas ensayando, haciendo discos, pero dejar ni en pedo.

¿Cuáles son los planes de Cul de Sac? a futuro, más allá de grabar en estudio?
Oso: Grabar en estudio (risas), seguir ensayando, seguir componiendo, tocar mucho acá en Santa Fe... Ahora con este disco se cambió la imagen de Cul de Sac?, se cambió la página... Podemos hablar del futuro de Cul de Sac? ya desde un año y medio atrás, porque entré yo, entró Lucas (Prochietto) en el bajo, y es como que le dimos una vuelta de rosca a la banda; en el sentido de que son dos cabezas nuevas. Y ahí es como que se empezó a gestar el futuro de Cul de Sac?. Queremos irnos a tocar un par de veces a Buenos Aires, tenemos contactos con alguna banda allá.

Una nueva línea que llamó la atención en la Bienal.
Oso: Nosotros teníamos muchas expectativas en la Bienal. Nosotros tenemos ganas de tocar, y la Bienal fue una “tocata” en Santa Fe. Fuimos con otros plan, no competir ni nada de eso.
Lucas: Eso fue lo positivo, nosotros no fuimos a tratar de ganar la Bienal. Éramos conscientes de que estábamos concursando, pero lo bueno fue que fue un show más, quizás la distensión que teníamos tocando el disfrutar el show, eso pegó tanto en la gente como en el jurado.
Oso: Igualmente flasheamos cuando terminamos de armar todo y levantamos la cabeza, y estaba todo el patio lleno, alrededor de mil personas, y con los temas cada vez se iba contagiando más... La verdad es que estuvo buenísima, más allá de cosas que tiene la Bienal...
Lucas: Lo que más rescato, más allá de haber tenido las menciones que tuvimos, es que fue una vidriera muy grossa para Cul de Sac?. La banda se traslada a Santa Fe a fines del 2003, y en todo 2004 no había tenido una oportunidad de hacerse conocida por cierta cantidad de gente en un mismo lugar. Habíamos tocado en diferentes lugares para diferente gente, y lo que queríamos era que nos vea mucha gente, para que nos pueda conocer y evaluar. Eso es lo que seguimos buscando.

Para dar un cierre, ¿qué le dirían al que no conoce Cul de Sac?, cómo lo invitarían a que escuche el disco y los vaya a ver en vivo?
Oso: Dos pufs rojos, un vino tinto, y el disco de Cul de Sac?.
Lucas: Lo que tiene Cul de Sac? musicalmente, es que no vayas con la idea de escuchar cierto tipo de música. Nosotros hacemos rock power: en un idioma más entendible, todo tema en algún momento se va a pudrir.
Oso: Eso es lo único que tienen en común los temas, ni yo sé con qué me voy a encontrar cada vez que armamos un tema. Creo que nadie sabe para qué lado va a arrancar.
Lucas: Entonces, como ni siquiera nosotros sabemos, no vayas con la idea de pensar “Cul de Sac? es un banda que toca funk rock”. Nosotros tocamos lo que sale en la sala y después lo trasladamos al vivo. Lo que lo que sí tiene es una base general y una homogeneidad power en todos los temas. Pero tienen matices de un montón de estilos. Yo los invitaría a ir con la cabeza abierta, a escuchar buena música (creo yo), y a ver que no somos algo derecho, pero tenemos bien en claro lo que queremos hacer. No quiero decir que vamos a ir a batir fruta, sino que más allá de los matices la idea que tenemos va a ser siempre la misma.

¡Salió Pares & Profanos Nº 18!

2005-06-03T14:08:00.000-03:00

Continúa la saga interminable de Pares & Profanos, con el plus de que aumentó de tamaño, regresando a su anterior formato A4 (es que hay tanto para decir...). En este número, más cosas para leer, compartir y debatir:

—“A dos años del 29 de abril”, documento leído el último 29 de abril en la Plaza de Mayo.
—Primeras jornadas de medios alternativos de comunicación y organizaciones populares: breve repaso y conferencia de Carlos del Frade: “Remar contra la corriente”.
—Crónicas marqueanas: “Historia de veredas (de mañana)”, por Marcos Barberis.
—“Apropósito del programa Chau Lombriz”, por Enrique Chinasky.
—“Daniel Viglietti: ‘yo soy como cualquiera de ustedes’”, entrevista por Ignacio Amarillo.
—“Levitar: tiro por elevación”, entrevista por Ignacio Amarillo.
—“Cul de Sac?”, entrevista por Pablo Barbagallo.
—Coronda. Dos postales sobre las cárceles.
—Blog-manía: Microwave Buzz (Ciro Mendoza).
—“El adiós a Hoy y mañana”, por María Claudia Ibarguren.
—Menos que Cero 7/8.
—Inmersión (datos, advertencias, sugerencias...), por Pablo Barbagallo.

¡Y todo esto por $ 1,50 (una penca con cincuenta guitas). Sí aumentó, pero menos que otros...

Los que estén interesados en adquirir la revista, puede pedirla a paresyprofanos@hotmail.com, profanos2002@yahoo.com.ar, o a los teléfonos 0342-156132663 y 0342-154228466.

Puntos de venta: librería Palabras andantes(San Jerónimo casi Mendoza), verdulería Un sueño (Av. Freyre 3225), quiniela La Suerte (Corrientes 3875), y en los mejores quiscos de Santa Fe.

¡Nos vemos!

Pablo Barbagallo – Ignacio Amarillo – Melina Mateos – Marcos Barberis – Jorge Toum (ausente sin aviso)

Levitar: tiro por elevación

2005-03-25T20:19:00.000-03:00

Levitar es una banda relativamente reciente, integrada por Milagros de Pró (voz), Eugenio “Mona” Jauchen (guitarra), Diego Canastrelli (batería), Esteban Fernández (guitarra) y Marcelo Porta (bajo). Debutaron en el San Carlos Fest, pero ya venían levantando revuelo desde la Internet. Poco antes de la presentación, compartimos con ellos una entrevista delirante, signada por el humor (tendríamos que haber puesto “risas” en cada frase, pero quedaba denso). Así, sin más preámbulos, entremos en el mundo de la levitación.

¿De qué se trata este proyecto?
Esteban: Es jovencita la banda, está en pañales todavía. Le falta madurar bastante a nivel musical y a nivel personal. Había dos proyectos que se terminaron, y de ellos quedamos Eugenio y yo, las dos guitarras de Broody Mary, y la voz y la batería de Tres Libras. También está Marcelo Porta, actual bajista de Pulmón y de Levitar. El es el pivot de ambas bandas.

¿Cuál es la situación actual de esta banda tan joven?
Milagros: Estamos ensayando mucho, armando fechas, por suerte ya pudimos componer, por ahí el trabajo más arduo fue bastante fácil y rápido, hubo mucha química desde el principio. Tenemos un repertorio de diez temas, hacemos algún que otro cover...
Diego: Ahora estamos trabajando en lo que sería el tracklist del show, no queremos que sea una sucesión de temas por separado sino que sea una unidad. Hacer un interludio, cosas ambientales en el medio, armar todo ese tipo de show.
Esteban: La parte visual va a estar muy trabajada. Es 50 % lo que vas a ver y 50 % lo que vas a escuchar.

En el sitio web de la banda se ve una preocupación estética. ¿De dónde sale eso?
Esteban: Tiene como principal objetivo impactarte musicalmente, y segundo que visualmente sea algo que no olvides en una semana. Porque generalmente vos vas a ver un show y a la semana te olvidaste lo que pasó.
Milagros: Lo mismo en los festivales, a mí me pasa de ir y si la banda no me impacta visualmente, pasa que a los días quizás me olvide, o no la recuerde tan claramente.
Diego: No queremos pecar en el sentido de la típica bandita que sube en ojotas y bermuditas. Queremos hacer algo más elevado.
Esteban: Por más que digan que estamos en Santa Fe, o que no hay circuito, lo que podamos hacer vamos a hacerlo bien.

Ustedes tienen un material grabado, que ya anda circulando por ahí...
Milagros: Eh, hablá...
Eugenio: Nos juntamos a grabar en enero del 2004...
Milagros: Noviembre y diciembre de 2004...
Eugenio: ...y fuimos a grabar los primeros dos temas, “Vuelves” y “Narcisista”, ahí grabó el bajo Marcelo Cornut, en los estudios Sonic Wave...
Milagros: Porque no teníamos bajista...
Eugenio: Claro, en esa época no teníamos bajista y grabó el bajo él, nos ayudó con eso. Después, cuando conocimos a Marcelo Porta, grabamos tres temas más que teníamos, como “Emotiva”, y remezclamos e hicimos un disco con los cinco temas.

¿Cuáles son los covers que están haciendo?
Milagros: Actualmente estamos ensayando un tema de Marilyn Manson, que suena bien, es “The Fight Song”, un tema bastante conocido.

¿Para cuando el debut santafesino, después del show en el San Carlos Fest?
Milagros: Estamos peleando con ATE, tratando de conseguir una fecha en abril, tenemos pensado hacer tres o cuatro fechas ahí en el año, viendo que no hay muchos lugares para tocar, y nos gusta mucho el auditorio.

¿Cómo los agarro toda esta crisis, que no da para ponerle nombre?
Esteban: ¿Antes y después de Cristo?

Seguramente es un antes y un después, que está afectando los lugares de presentación de las bandas. ¿Cómo lo viven, por la experiencia que tienen de las bandas anteriores y como los agarra con este proyecto en ayunas?
Milagros: Todavía no experimentamos de lleno, pero sabemos que va a ser difícil, incluso bandas de Buenos Aires nos decían que se hace difícil tocar allá.

Decenadores decían eso...
Milagros: Sí, está muy difícil, y todavía no lo experimentamos en carne propia, porque el año para la música no empezó, pero se acotan mucho los lugares para tocar. Tal vez le podamos encontrar un lado positivo, en el sentido de que quizá queden las bandas que realmente se esfuerzan, dentro del circuito musical. Esperemos que nuestro esfuerzo nos sirva para llevar este proyecto adelante y no nos signifique un obstáculo.
Diego: Y si no vamos a emigrar a otros lados.

Ustedes tiene un sitio web, con material para descargarse. Y por ahí pensando en grupos como Garbage o Evanescence, que fueron antes proyectos de estudio antes de bandas propiamente dichas. ¿Creen que toda esta crisis puede cambiar el circuito de difusión y distribución de la música?
Esteban: Por como venimos viendo que son las cosas, sí. El tema de la página nos está dando difusión, que no pensamos que iba a ser así.
Milagros: Hay gente que se está bajando temas, que está escuchando la banda y que le está gustando, y va a ir a un show sabiendo temas
Eugenio: Tenemos un libro de visitas, donde pueden escribir cualquier cosa, tememos como cinco páginas de comentarios de gente que le gustó un montón la banda...
Esteban: De México, Mendoza, Buenos Aires, Rosario, Rafaela; increíble, de todos lados.

Ustedes son gente enojada con el público de la Bienal.
Eugenio: Sí, más o menos...

¿Cuál es la opinión que tenés del público de la Bienal?
Eugenio: Gente que mira...
Esteban: Que no siente realmente lo que está escuchando. Va porque está de paso como si se fuera a tomar un porrón a la plaza, dice “me voy a tomar un porrón a la Bienal, y ya que estoy veo a los músicos de Santa Fe”.
Eugenio: Obviamente encontrás gente que no le interesa y gente que le interesa un montón, lo bueno es que hay gente que no te ve nunca.
Milagros: Te abrís a un público diferente.
Esteban: Si organizás un recital, la gente que va a la Bienal no va a ir, no a pagar 50 centavos para ir a verte, eso desde arriba se siente.

Además algunos te miran y te dicen “ese se hace el interesante”...
Esteban: Eso pasa en todos los recitales.
Eugenio: Mientras más hablen, eso ayuda a la banda...
Milagros: Hablen bien o mal...
Esteban: Mientras que hablen, que digan lo que quieran
Eugenio: A Marilyn Manson lo criticaron un montón, y terminó siendo un rey.

Bueno, también lo culpan de dos asesinatos en masa. Junto con el muñeco Chucky son los más culpados...
Milagros: No queremos llegar a ese punto, pero...

¿No quieren asociar la imagen de la banda a asesinatos en masa?
Esteban: Sí, a Charles Manson.

Que alguien diga “yo maté a mi suegra por escuchar “Narcisista”.
Esteban: Yo soy amigo de Robledo Puch.
Milagros: Puede pasar. Anoche escuché “Narcisista” y estuve dos horas tratando de dormirme por que ese tema es una inyección...
Esteban: De anfetaminas...
Milagros: De cafeína, que es tremendo.

Hay temas que dan ganas de matar, pero generalmente al que lo compuso.
Eugenio: Me encantaría que un psicótico se enferme con nuestra música.

¿Cuáles son las influencias de la banda?
Milagros: Empezando por A perfect circle, pasando por Tool, Deftones, The Gathering, Rammstein, Lacuna Coil...
Esteban: Nightwish...
Diego: Napalm Death...
Esteban: Cannibal Corpse... los clásicos: Megadeth, Metallica, Evanescence, todo lo que nosotros vivimos en los 90.

¿Cómo se sintetiza todo esto? ¿Cómo es la dinámica de la banda?
Esteban: Se basa en la química...

En pastillas...
Esteban: En éxtasis y anfetaminas sintéticas...
Diego: ...y en los “pacos”.
Milagros: En química pura... sana. Vamos a pasar en blanco.
Diego: Las bases las empiezan los violeros, el bajo, la batería, la voz. Es indistinto.
Eugenio: Ensayamos mucho durante la semana.
Esteban: Es como apilar cosas: viene un acorde, después se mete la bata, se mete la viola, se va metiendo el bajo y ahí se va construyendo y salen los temas.

Las letras se escriben antes o después?
Milagros: Yo cambié la dinámica, yo solía escribirlas antes, pero con esta banda decidí escribirlas después, y me sirvió mucho. Lo que tiene esta banda es una dirección musical muy definida, vos escuchás el tema y en seguida te sugiere algo. Empezaba con la melodía, grabábamos los ensayos, y después iba a casa tranquila con el casette y terminaba.

Te creció el ego por esto? Por lo de “Narcisista”...
Milagros: Nooo, es un tema complicado...
Diego: De chiquita le pegaban...
Milagros: Siempre me dijeron que soy narcisista, y tuve que indagar un poco en el tema.

Si no le pegaban, queda bien decirlo, para cuando salga en la historia de la banda...
Esteban: Todos con pasados conflictivos.

Hay que buscarse una anécdota, no importa que sea cierta.
Eugenio: Como Axl Rose, que le daban masa.

¿Qué le dirían al que quiere saber qué es Levitar? ¿Cómo lo convencerían de que vaya a un show?
Eugenio: Entren a la página, bajen los temas, y cuando haya un show, que vayan.
Milagros: Tenemos un show, estamos poniendo mucho esfuerzo desde el punto de vista escénico. Estamos laburando todo el día los cinco, todos trabajamos, tiramos pára el mismo lado. Y bueno, si no les gusta el show o la banda, que tengan en cuenta esto.
Diego: “No me gusta la música, pero son buena banda”.
Milagros: Vamos a tratar de ofrecerle a la gente un buen espectáculo, que lo que paga a la entrada lo valga.

Toda la data:

Temas del disco: “Imagen”, “Vuelves”, “Emotiva”, “Narcisista”, “Umbilical”.

Web site: http://www.levitarweb.com.ar/

Contactos:
escuchalevitar@hotmail.com
brednah_halibut@hotmail.com (Milagros)
craneo_blindado@hotmail.com (Tebah)
eugenio_jauchen@hotmail.com (Mona)

Ropa sucia en Wisteria Lane

2005-03-16T01:28:00.000-03:00

¿Por qué Desperate Housewives se ha convertido en el nuevo fenómeno televisivo? ¿Qué se esconde detrás de las cortinas bordadas? ¿Acaso lo peor y lo mejor de nosotros?

Que la televisión norteamericana está en crisis, no es una novedad. Mientras la “reality TV” ocupa cada vez más espacio (como en todas partes, al parecer), los críticos ya han decretado “la muerte de las sitcoms”. Más de seis años después del final de Seinfeld, con Friends finalizada recientemente, ninguna comedia de situaciones parece conmover el ánimos de los estadounidenses, por lo que cualquier proyecto del género choca contra la impiedad de unos productores ávidos de resultados rápidos. Entremedio, Arrested development (con esa disfuncional familia imaginada por Mitchell Hurwitz) se ubica como la comedia más rara e inclasificable, mucho más admirada por los especialistas que por las masas.

En cuanto a las series dramáticas, se ha desinflado la oleada de espiritualidad que amagó instalarse tras el 11-S, con el cierre de las dos series creadas y producidas por Bryan Fuller, la exótica Wonderfalls y la excelente Dead like me (ambas series sostenidas en buena medida por sus talentosas, bonitas y fatalmente anómicas protagonistas: la simpática quebecoise Caroline Dhavernas y la inteligente y bocona Ellen Muth). La excepción es Joan of Arcadia, que sigue recibiendo sin interferencias los mandatos del Morador de la Zarza. El envío creado por Barbara Hall basa su popularidad en los buenos guiones y en el excelente elenco integrado por Joe Mantegna, Mary Steenburgen (junto con Moira Kelly de One Tree Hill, las mejores mamás de la tele), Amber Tamblyn (nueva referente adolescente alternativa), Jason Ritter (hijo del fallecido John), Michael Welch, Chris Marquette y Becky Wahlstrom.

Ante el agotamiento de los géneros, el éxito parece sonreírle a los productos que se mueven por diferentes registros. Y el paradigma de esto último (y del éxito de crítica y público también) es Desperate Housewives. De la comedia de enredos y el novelón de la tarde al drama y el thriller policial, pasando por el grotesco mas cruel, esta serie desanda todos las alternativas de la vida... como en la vida misma.

Marc Cherry, la mente detrás del nuevo tanque mediático, estuvo en el ostracismo durante muchos años (luego de haber creado a las Golden Girls, serie clásica sobre un grupo de señoras mayores) hasta que recibió de su madre la idea salvadora de hacer un programa sobre amas de casa suburbanas insatisfechas, cuando le dijo que criarlo a él y sus hermanos la había hecho sentirse desesperada algunas veces.

La historia se ubica en el aparentemente tranquilo barrio de Wisteria Lane, en la tranquila Fairview, y se inicia cuando Mary Alice Young (Brenda Strong), madre y esposa, decide quitarse la vida, dejando la intriga sobre los motivos sobre sus mejores amigas. La difunta pasa a ser la narradora omnisciente de las desventuras de las cuatro sobrevivientes, que mantienen una amistad de hierro a pesar de sus diversas personalidades.
La protagonista, por decirlo de alguna manera, es Susan Mayer, interpretada por Teri Hatcher, heroína “pelotazo” (que recuerda un poco a las personajes de comedia romántica interpretados por Sandra Bullock), divorciada y madre de una adolescente, que se ganó un Globo de Oro y un premio SAG por sus escenas de comedia disparatada, como la de caerse sobre una torta (en la cual se rompió dos costillas) o la mítica secuencia donde el auto de su ex marido le arranca la toalla, dejándola desnuda, cubierta solo con una maceta. Pero sus compañeras no se quedan atrás. Así tenemos a Eva Longoria como la mini (1,57 m) bomba latina y ex modelo (personaje que no le cuesta tanto, después de todo) Gabrielle Solís, capaz de entregar a su suegra a la policía para poder disfrutar de la compañía sexual de su jardinero; a Felicity Huffman en la piel de Lynette Scavo, ex ejecutiva exitosa (más que su marido) devenida en madre de tiempo completo de cuatro hijos, dos de ellos mellizos y problemáticos (chequear a la Cheryl de According to Jim para otro acercamiento a este tema); resulta dispuesta a hacer cualquier cosa para poder dominar a los infantes. Y por supuesto, quizás el personaje más complejo del grupo, la imbatible Bree Van De Kamp construida por Marcia Cross, especie de ama de casa perfecta de la “generación silenciosa” de posguerra (chequear el personaje de Julianne Moore en Las horas, de Stephen Daldry, en clave de crisis, o ver la parodia en Las mujeres perfectas, de Frank Oz); o como alguien la definió, “la Martha Stewart en esteroides”. Ella también tiene excelentes pases de comedia: es la única que puede obsesionarse con una mancha de queso en medio de un encuentro amoroso, o abstraerse hasta la insanía con el botón mal cosido de su terapeuta, o sermonear a su hijo sobre la pobre y vacía vida de las strippers... en un club de strippers.

En cuanto a la prosapia cómica, tres de las integrantes del elenco han tenido participaciones memorables en Seinfeld: Strong fue Sue Ellen Mishkie, mejor conocida como “la maravilla sin sostén”; Hatcher fue Sidra, otra rival de Elaine; y Cross fue la novia dermatóloga de Jerry. Pero dijimos que había mucho más que comedia, y que todo había comenzado con un suicidio. Veremos así crecer la intriga que involucra a la familia de la pobre Mary Alice: hay un hilo oscuro que ata a su marido Paul (Mark Moses) y su hijo Zach (Cody Kasch)... que no es lo que parece, al menos en lo que respecta a la relación víctima-victimario y su implicación el en trágico destino de la mujer. Comprobaremos también que el simpático y galante plomero Mike Delfino (James Denton), por el cual Susan se desvive y llega a confrontar a sangre y fuego con la seductora Edie Britt (Nicollette Sheridan), en realidad es una especie de investigador en busca de los secretos más inmencionables de los vecinos de “la jungla suburbana”. Y, por supuesto, seguirá muriendo gente a medida que transcurran los capítulos...

En lo que respecta a los demás personajes, agregan complejidad a este mundo silenciosamente tragicómico. Andrea Bowen es Julie, la hija (y a veces la figura materna) de la atribulada Susan; Ricardo Antonio Chavira es Carlos Solís, el engañado marido de Gabrielle, con severos problemas con la justicia; Steven Culp encarna a Rex Van De Kamp, la otra mitad del no tan perfecto matrimonio de Bree; Jesse Metcalfe se luce como John Rowland, el adolescente jardinero objeto del deseo de Gabrielle; Doug Savant se suma como Tom Scavo, el esposo de Lynette, quien se mueve entre desmerecer su trabajo y amedrentarse por la capacidad de su señora para desenvolverse en el mundo de los negocios; y finalmente, como estrella invitada, Lupe Ontiveros le da carnadura a Juanita Solís, la temida suegra de Gabrielle (en su papel de matriarca tiránica estrenado en Las mujeres verdaderas tienen curvas, de Patricia Cardoso; aunque tampoco podemos olvidar a su personaje de Consuelo, la mucama de Storytelling, de Todd Solondz). Por todo esto, la serie obtuvo un premio SAG (del Sindicato de Actores de Pantalla) al mejor elenco en conjunto.

Todo esto es demasiado para unas serie tan nueva (llevaba 15 episodios al 20 de febrero último). Mientras la primera temporada arriba lentamente a su desenlace, ya se está hablando de lanzar spin-offs (historias independientes) con algunos de los personajes más destacados. Como sea, la serie ya ha tomado por asalto la pantalla chica. las cuatro protagonistas han comenzado a ocupar el lugar estelar de las chicas de Sex and the City (Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Kristin Davis y Cynthia Nixon). Pero fundamentalmente, se han metido en la conciencia de miles de televidentes. Porque estas amas de casa desesperadas han descubierto que, detrás de los jardines perfectos, de las ventanas relucientes, de las buenas calificaciones y de las carreras exitosas, “todo el mundo tiene una pequeña ropa sucia”, tal como reza el slogan del programa. Y ese es un hallazgo que cambiará sus vidas para siempre.

Visiones de futuro

2005-02-22T01:43:00.000-03:00

El derrotero marcado por la industria cultural (que si bien no puede ser caracterizada como un producto de cultura popular, es inequívocamente parte del acervo social) ha marcado la tónica del espíritu de cada época. Y una prueba de esto es el camino marcado por la ciencia-ficción y la fantasía épica. Veamos cómo es esto.

A partir de la segunda mitad del siglo XIX comienza el desarrollo de una literatura que comienza a meterse con la relación ambigua de las modernas sociedades industriales con los abruptos cambios en la ciencia y la tecnología, que afectaba cada vez más la vida de las personas. Jules Verne es un exponente claro de esto: escribió desde historias de exploración científica (Viaje al centro de la Tierra, 1864; De la Tierra a la Luna) hasta reflexiones sobre el uso de los recursos tecnológicos por parte de personajes que siguen sus propias leyes (20.000 leguas de viaje submarino, 1870; Robur el conquistador). Por su parte, Mary Wollstonecraft Shelley reflexionó tempranamente en su Frankenstein o el moderno Prometeo (1818) sobre los límites de la ciencia, en el caso particular de un científico que crea vida a partir de la muerte. Es decir, en relación con el caso anterior, el temor clave expresado en este período es el del científico que puede “jugar a Dios”, es decir, que obtiene un poder capaz de desafiar a la naturaleza o a las sociedades humanas. En otra línea de exploración literaria, H.G. Wells introduce la temática alienígena en La guerra de los mundos (1898), introduciendo a la humanidad en un universo que se volvía cada vez más vasto y complicado.

La primera mitad del siglo XX, caracterizada por el optimismo en la positividad de la ciencia y en su avance continuo, se vio reflejada en la ciencia-ficción publicada en las “pulp magazines”, desarrollada en forma de cuentos de diferente extensión y contando como máximo exponente a Isaac Asimov: este autor desarrolló en su obra la tesis de que las particularidades de la raza humana, incluso las que aparecen como defectos, son los elementos que la convertirán en una civilización destacada en el universo. Ejemplo de esta línea de trabajo (la obra de Asimov tiene varios ciclos y series simultáneas) son algunos cuentos significativos como, por ejemplo, “Los buitres bondadosos” o “En una buena causa...”.

Pero la tesis contraria y pesimista sería planteada por otro escritor formado en la era pulp, que marcaría el quiebre desde los años 50: estamos hablando de Philip K. Dick. No casualmente su obra, basada en realidades virtuales, sociedades de control y en el desarrollo beligerante y disfuncional de la ciencia, es revisitada por el cine actual (desde la casi lejana Blade Runner hasta la reciente Minority Report, pasando por la alusión hecha por Terminator al cuento “La segunda variedad”); otra referencia paradigmática sería el relato “Algunas clases de vida”. Esta línea desembocaría en la literatura cyberpunk, cuyo exponente más destacado es William Gibson (Neuromante, Johnny Mnemonic). Por supuesto, no podemos dejar de nombrar aquí a otro precursor de las sociedades de control, George Orwell (Eric Arthur Blair), quien en su novela 1984 (1949) llevó al paroxismo la vigilancia sobre el individuo, llegando a atar el pensamiento, mediante la reescritura del pasado de acuerdo al presente. Tengamos en cuenta que en la segunda mitad del siglo XX el desarrollo de la técnica llevó a la creación de armas de destrucción masiva en sin que se produzca ningún avance en las relaciones entre los Estados y los hombres; es también la época en que las utopías (socialismo, Estado de bienestar) devienen en regímenes que cada vez más vigilan a sus propios ciudadanos, para terminar triunfando el proyecto neoconservador de Reagan y Thatcher, que instauró la injusticia social, la anomia y la exclusión como la única realidad para millones de personas. En definitiva, este es el tiempo del quiebre de la fe en el progreso indefinido de la humanidad.

Pero... aquí llegamos al presente. Si a través de la ciencia-ficción pasamos del optimismo en el porvenir a un futuro poco promisorio, que cada vez se acerca más, es en este punto en que se produce el escape hacia otras realidades: el comienzo del siglo XXI aparece acompañado por una nueva pasión por la fantasía épica, particularmente a través del gran auge y rescate cinematográfico de la obra de J.R.R. Tolkien (El Hobbit, 1937; El Señor de los Anillos, 1954-55; El Silmarillion, 1977). Su visión romántica incluye un mundo medievalesco, una Tierra Media surcada por bosques donde el cielo es límpido y la naturaleza radiante; pero fundamentalmente es un mundo mágico donde las reglas de juego están claras, el bien y el mal no disimulan y donde los poderosos pueden ser derrotados por el coraje de unos pocos héroes: todo lo contrario del difícil mundo en el que vivimos hoy. Sin embargo, Tolkien hace una operación muy particular en sus obras: crea un mundo fantástico y mítico, pero lo narra desde el final de esa era. Para entender esto basta seguir la historia de los elfos y los hombres: los primeros simbolizan la magia primigenia de la naturaleza, viven miles de años y les gusta pasar ese tiempo cantando y escribiendo canciones sobre tiempos idos. Pero para el tiempo en que transcurre El Señor de los Anillos estos seres bellos altos, rubios y luminosos están en retirada de la Tierra Media, desplazados por una raza de seres de corta vida individual pero pujante en su conjunto, destinada a hacerse cargo del mundo: no es otra que la raza humana, con sus forjas de metal, cuyos fuegos son alimentados por la tala de bosques. Es decir que el mundo mítico de Tolkien terminará convirtiéndose en nuestro mundo, el mundo que los hombres supimos construir, lo que de alguna manera termina llevándonos al principio. Y no está mal, después de todo. Porque de esto se trata: del hombre y su circunstancia, siempre definitiva e inequívocamente humano.

t.A.t.U.: "Nosotras no somos lesbianas. Simplemente estamos enamoradas"

2005-02-22T01:35:00.000-03:00

Son las diez y media de la mañana en un día tan soleado como frío en Moscú. El invierno ya se está retirando de estas tierras, pero al parecer la nieve que cayó durante la noche no lo sabe. Me preocupo un poco por el hecho de que a esta hora ya debería estar comenzando con la entrevista, aunque sé que el vicio argentino de la impuntualidad (santafesino, para ser más específicos) es algo de lo que cuesta mucho desprenderse. Cruzo la calle esquivando los numerosos autos que durmieron a la intemperie: el estacionamiento a cubierto es uno de los grandes problemas de Moscú, desde el momento en que los viejos burócratas del Partido no previeron que tanta gente iba a poder acceder al coche propio. En la otra vereda hay un quiosco, cuyo equipo de música está sintonizado en Russian Radio y atrona con la versión eslava de “Not Gonna Get Us”. En la esquina, un vendedor ambulante me reconoce como extranjero y trata de venderme unas monedas viejas con la efigie del camarada Lenin (¿se acuerdan del clip de los New Kids on the Block donde unos rusitos bailaban frente a las barbas del amigo Vladímir Ilich?). Al final llego al lugar de la cita: el mítico Parque Gorki, que se me ocurrió al recordar la letra de “Wind of change” de Scorpions (por cierto, si la memoria no me falla allí los alemanes grabaron una recordada versión de “I'm still loving you”).

Entonces las veo: lejos de impacientarse por la demora, las chicas de TATY (tal el nombre ruso de la banda) están por demás entretenidas: se tiran bolas de nieve, corretean, se hacen mimos, se toman de la mano. Yulia Olegovna Volkova es morocha, tiene el pelo corto y es mucho más linda de lo que parece de lejos. Elena Sergeevna Katina (Lena, para los amigos) es la mayor y su pelo es mucho más rojo de lo que sale en los videos. Rápidamente me identifico, tras lo cual me saludan con beso en cada mejilla, las dos al mismo tiempo, lo que no evita cierto roce entre sus angelicales rostros. Saco el poco profesionalismo que me queda y las invito a caminar por el parque, dando por comenzada la entrevista.

Chicas, yo podría hacerla larga y melonearlas con todo lo que han conseguido, con todas las giras que han hecho y con que 200 km/h in the Wrong Lane lleva vendidas dos millones de copias legales en todo el mundo. Sin embargo, vamos al grano. Ustedes han unido tres de las fantasías de los hombres alrededor del mundo: son rusas, son colegialas y por sobre todo son lesbianas. ¿Qué más se puede pedir?

Yulia: Nosotras no somos lesbianas. Simplemente estamos enamoradas. De hecho, el nombre del dúo significa “una ama a la otra”.
Lena: De todos modos, nosotras no fuimos convocadas por nuestras predilecciones amorosas, y quedamos seleccionadas por separado.

Ustedes se conocieron hace algunos años integrando el grupo adolescente Neposedi (“Intranquilidad”, en ruso), algo así como lo que en Argentina podría ser Scratch 8. ¿Cómo recuerdan esos tiempos?

Lena: Fueron épocas muy lindas, yo me incorporé a los 13 años, aunque ya tenía experiencia.
Yulia: La verdad es que lo mejor que me pasó en Neposedi fue conocerla a ella —suelta, sonriendo pícaramente.

Tengo entendido, Yulia, que tuviste que dejar esa banda por acusaciones de “conducta obscena y corrupción de otros cantantes”.

Yulia: Eso es algo discutible. De todos modos pasó hace mucho, ya no le interesa a nadie.
Lena: A la luz de la historia, quedó demostrado que lo que estaba surgiendo allí era amor verdadero —comenta, antes de restregar su nariz al estilo esquimal con su chica.

Sí, ya me di cuenta. Pasemos a otra cosa. ¿Saben que en la Argentina están empezando a armar revuelo?

Lena: No conocemos mucho de la Argentina; sabemos que hace poco hubo una revolución o algo así.
Yulia: Sí, que voltearon a un gobierno, y organizaron soviets barriales.

Bueno, en realidad todo eso no es tan así... De todos modos en la Nueva Argentina que nació el 25 de mayo... ups, perdonen, pero a todos lo que trabajamos en los medios argentinos nos está pasando una cosa rara, un “oficialismo súbito”.

Lena: Acá, en otros tiempos, no se podía hablar taaanto. Obviamente yo no me acuerdo, pero mi papá siempre me cuenta cosas.
Yulia: Te cuento un chiste de la era comunista. Un tipo le dice al amigo: “¿Te enteraste? Murió Boris”. Y el otro le contesta: “No sabía, ni siquiera me enteré de que Boris estaba preso”.

Está bueno... Hablando de eso, ¿cómo han tomado sus padres la relación de ustedes dos? Digo, porque en “All The Things She Said” ustedes dicen “Cuando se paran y miran fijamente, no me importa/ porque estoy sintiendo por ella lo que ella siente por mí... Mamá, al mirarme/ dime ¿qué es lo que ves?/ Sí, he perdido la cabeza/ Papá mírame/ ¿Alguna vez seré feliz? He cruzado la línea”.

Yulia: Los míos ya están acostumbrados, aunque al principio les costó.
Lena: Mis padres se enojaron un poco conmigo. Pero después pudimos hablar bien, y entonces les presenté a Yulia.
Yulia: Sí, y ahora vamos en los fines de semana vamos a comer a la casa de ellos, o de mis padres.

¿No han juntado a las dos familias en un encuentro?

Lena: Queremos hacer una gran fiesta en Navidad, o en Año Nuevo.

Les tengo una pregunta que seguramente ustedes no me van a contestar... Ivan Shapovalov (productor, publicista, psicólogo infantil, director de videoclips y manager de TATU), ¿es un vivo bárbaro? ¿Es un genio? ¿Es un malandra? ¿Qué carajo es?

Yulia: Ivan ha sido muy bueno con nosotras. Todo lo que hemos logrado se lo debemos a él.
Lena: En serio, ha trabajado mucho para promocionarnos, y para hacer los clips o los shows.

Hemos visto unos dibujos al estilo manga, donde aparecen ustedes en la cama, abrazadas. ¿Les gustan el manga y el anime?

Lena: Sí, particularmente nos encanta Card Captor Sakura.

No casualmente, seguro. Allí una relación como la de ustedes pasaría desapercibida. ¿Cuál es tu personaje favorito? ¿Tomoyo?

Yulia: Bueno, che, paremos con la gastada.

Si me estoy tomando demasiada confianza, perdónenme.

Lena: No, todo bien.
Yulia: Nosotras tenemos que irnos a ensayar, porque tenemos un show mañana. Pero si querés venir con nosotras, no hay problema.
Lena: Dale, vamos —dice, y me agarra del brazo derecho, envolviéndose con él. Su compañera de la música y de la vida hace lo propio del otro lado, y así me voy del Parque Gorki, abrazado a las dos rusitas que por estos tiempos calientan a la platea masculina y, por que no, a la femenina también.

Analizo a las muchachas otra vez: Lena es dulce y aniñada, y Yulia tiene la onda de las chicas Bond de la Guerra Fría. Unas cuadras más allá Yulia se separa un momento de nosotros, para ir a hablar con el viejo del puesto ambulante. “Tomá, un regalito” me dice, entregándome la misma moneda con la cara de Lenin que había visto antes. Mientras nos acercamos a la sala de ensayo, recuerdo las palabras del duro bolchevique: “Si estudiar el comunismo va a consistir solamente en leer libros y folletos comunistas sólo forjaremos dogmáticos y engreídos. Será todavía más peligroso si la juventud empieza a memorizar sólo consignas comunistas... a aprender de memoria... Es un terrible peligro, un terrible daño infligido al comunismo. En esta triste circunstancia, a los demagogos y charlatanes de toda laya les será fácil confundir a la juventud, manipularla, ablandarla como la cera y hacer con ella algo que sea semejante a ellos”. No dejo de pensar en cuánta razón tenía, si vemos en la Argentina a los pseudocomunistas banqueros, pero también a los pseudocomunistas piqueteros. Pero en ese momento recobro la conciencia de que estoy paseado por Moscú con dos chicas hermosas, y se me vienen a la mente las caras de amigos y conocidos que deben estar envidiándome en este momento. “This is not enough”, me digo para mis adentros, sonrío, y entonces entramos a la sala de ensayo.

Moscú, diciembre de 2003

Definiciones

2005-02-22T01:25:00.000-03:00

(Nota escrita a un mes de la inundación de 2003)

inundación
(del lat. inundatio, -onis)
s. f.
1. Acción y efecto de inundar o inundarse: la inundación de la cocina.
2. Crecida de un río que origina el desbordamiento del agua fuera de su cauce: La inundación causó muchos daños.
3. fig. Abundancia excesiva de algo: Existe en el mercado una inundación de productos extranjeros.
Sin. 2. Riada. 3. Cantidad, invasión, alud, avalancha, saturación.
Ant. 1. Achique. 2. Estiaje. 3. Escasez.

Las cosas se van poniendo más claras. Porque entonces la inundación ya no es un río que se desborda. Es algo que empieza cuando se llena la cocina de agua y la casa propia comienza a dejar de serlo. Pero en ocasiones lo que puede rebalsar son las aduanas y no de agua, sino de bienes de consumo que un modelo económico impopular hizo ingresar a cambio de la destrucción de la producción local.

arranchada
s. f. amer.
Acción y efecto de que las aguas arrebaten cosas durante una inundación.

A un mes de la bajada de las aguas, ¿podemos hablar de “desinundación”?. Si uno recorre las calles céntricas, o si salimos a la noche, Santa Fe parece haber recuperado su vida de siempre. Pero hay cosas que ya no van a ser iguales. El Salado se ha llevado para siempre muchas cosas: heladeras y televisores, recuerdos (cosas materialmente irrecuperables) e incluso los más arriesgados hablan de cientos de cuerpos escurriéndose por las aberturas de unas defensas que no defendieron a nadie y terminaron siendo arrasadas por la mano humana. En las esquinas de los barrios ahora secos todavía se pueden ver los restos de aquellas cosas que el líquido marrón sacó de las casas, conformando una escenografía de la crisis que no puede ser obviada por la sociedad.

avenida
s. f.
1. Crecida súbita y violenta, aumento accidental con desbordamiento del caudal de un río o corriente de agua.
2. Calle ancha y generalmente con árboles a ambos lados.
3. fig. Afluencia de muchas cosas.
Sin. 1. Inundación. 2. Alameda, bulevar, paseo.

Es algo raro caminar por Presidente Perón, o por el tramo de Boulevard más allá del Club Unión, recordando cómo el agua las invadió a finales de abril. Es curiosa la relación entre “avenida” e “inundación”, puesto que fueron las avenidas santafesinas las que, a modo de canales venecianos, permitieron que los improvisados rescatistas se acercaran a los barrios donde la gente esperaba una mano salvadora.

cataclismo
(del lat. cataclysmus, y éste del gr. kataklusmus, inundación)
s. m.
1. Desastre de grandes proporciones, especialmente el producido por el agua o por otra fuerza de la naturaleza, como un terremoto, maremoto, etc.
2. fig. Gran trastorno político, económico o social: La caída de la bolsa fue un cataclismo.
Sin. 1. Catástrofe, hecatombe, siniestro, calamidad. 2. Conmoción, perturbación, agitación.

Al cataclismo “natural” (muy entre comillas, por razones que aclararemos enseguida) le sigue el cataclismo político. Ahora viene el tiempo en que quienes nos gobiernan actualmente deben rendir cuentas de lo que no se hizo y de lo que se hizo mal y tarde; deben explicarle a la ciudadanía por qué dejaron que la tercera parte de la ciudad quede cubierta por las aguas; deben justificar por qué no sabían las cosas que deberían saber puesto que nosotros les pagamos para que las sepan. Sin embargo, lograr esto no va a ser tarea fácil. Los mismos dirigentes que fueron incapaces de prever la catástrofe, son los mismos cuyo mayor talento es el de zafar de las interpelaciones a las que puedan ser sometidos (con una ayudita de sus amigos) y de las críticas a las que la sociedad los somete, puesto que se han caracterizado por paliar la ignorancia y la falta de preparación con la virtud (saludable pero insuficiente) de “dar la cara”. Lo que pasa es que, ante tanto rostro desconocido en este país, cualquiera que camine entre la gente y conduzca un partido sin siquiera saber la Marcha de la agrupación puede ser considerado un líder de masas.

crecida
s. f.
Aumento del caudal de un río debido a las lluvias o al deshielo.
Sin. Avenida, riada, desbordamiento, arroyada, inundación.
Ant. Estiaje, sequía.

Cuando el río subía y subía, los argentinos estábamos muy ocupados en la tarea republicana de renovar nuestra máxima autoridad ejecutiva. En realidad, una buena parte de los argentinos estaba muy ocupada en volver a votar a Carlos Saúl Menem, representante máximo de una cultura política que, entre otras muchas bondades que sería muy largo de explicar aquí, se caracterizó por el despojo del Estado de todos sus recursos y posibilidades de acción; entre otras, la de prevenir y responder a las catástrofes naturales. ¿Será que los argentinos queremos que nos tape el agua?

denegación
(del lat. denegatio, -onis)
s. f.
1. Acción y efecto de denegar. ||
2. denegación de auxilio Delito cometido por un funcionario público al desobedecer sin causa justificada un requerimiento de la autoridad o al negarse a prestar un servicio al que está obligado por su cargo; también, el cometido por un particular que se niega a cooperar con la autoridad en casos de incendio, inundación u otra catástrofe sin que exista riesgo personal.
Sin. 1. Negación, desestimación, rechazo.
Ant. 1. Aprobación, concesión.

A un mes de la “tragedia”, resulta casi inverosímil que la ciudad esté presidida por el mismo intendente que revistaba en los días aciagos del Salado. Sí: convengamos que en aras de la defensa de la continuidad institucional debemos defender las investiduras; pero no deja de resultar extraño, teniendo en cuenta que en los momentos más duros, cuando las papas quemaban, A SANTA FE NO LA GOBERNÓ NADIE (algunos pueden decir que la autoridad estaba representada por la Gendarmería, o por el rector Mario Barletta, o por el sempiterno Alberto Maguid, pero sería una afirmación osada). Recordemos que en el momento en que el titular del DEM debía estar a la vista de todos comenzaron a correr versiones de su suicidio. ¿Cómo puede ser que, cuando la circunstancia requiere la mayor vivacidad de su parte, el intendente sea declarado “muerto”? Tal vez a los cadáveres que arrastró el agua haya que sumar a varios cadáveres políticos... Tal vez Marcelo Álvarez pueda ahora hacerse una escapada hasta los dominios de Mauro Yardín para comprarse Liderazgo, el libro que recientemente publicó Rudolf Giuliani (ay, como andaremos de mal los progresistas que tenemos que referirnos tan seguido a un dirigente republicano... y sí, Mauro, de nada por el chivo).

desbordamiento
s. m.
Acción y efecto de desbordarse, especialmente un río.
Sin. Crecida, riada, avenida, inundación.
Ant. Encauzamiento.

Acá seguramente vamos a tener un desacuerdo con la Enciclopedia Interactiva Santillana: el desbordamiento no es solo del río. Las personas, las instituciones, las sociedades, pueden verse desbordadas por las circunstancias. También el espíritu humano puede verse desbordado de villanía o de generosidad. Y todo esto pudimos verlo en Santa Fe de la Vera Cruz, el día en que el Salado despertó de su sueño de décadas.

¡Salió Pares & Profanos Nº 17!

2005-01-03T19:38:00.000-03:00

En una proeza sólo comparable con el cruce de los Andes, en una superproducción al estilo de El Señor de los Anillos, Pares & Profanos lanza su segundo número consecutivo en dos meses (más o menos). En esta edición se presenta el postergado especial Futuro, que se compone de la siguiente manera:

—“Visiones de futuro”, por Ignacio Amarillo.
—“En 2023, todavía hay una píldora tecnológica que tragar”, por Esther Dyson.
—“Esperanza y psiquismo”, por Daniel Kersner.
—“La inquietud que atraviesa el río. Un territorio de expectativas”, por Juan Manuel Giménez.
—Bonus literario: “Los ojos hacen algo más que ver”, por Isaac Asimov.

El sumario del Nº 17 se completa de la siguiente manera:

—Inmersión (datos, advertencias, sugerencias...), por Pablo Barbagallo.
—Interviú: “t.A.t.U.: Nosotras no somos lesbianas. Simplemente estamos enamoradas”, por Ignacio Amarillo.
—“Boris Vian”, por Pablo Barbagallo.
—Blog-manía: Culpadeotro (Juan Ángel Szama).

¡Y todo esto por $ 1 (un peso, una penca, cien guitas). ¿Qué más se puede pedir?

Los que estén interesados en adquirir la revista, puede pedirla a paresyprofanos@hotmail.com, profanos2002@yahoo.com.ar, o a los teléfonos 0342-156132663 y 0342-154228466.

¡Nos vemos!

Pablo Barbagallo – Ignacio Amarillo – Melina Mateos – Marcos Barberis – Jorge Toum

Cabezones acústico, 26 de noviembre, Centro Cultural Provincial: Cerca es estar

2004-12-02T13:08:00.000-03:00

Empecemos diciendo esto: se siente muy bien haber seguido durante doce años a una banda destacada de la escena nacional, y haber acompañado su evolución. La verdad de la milanesa es la siguiente: Cabezones nunca fue una banda de género, sino que siempre fue Cabezones tocando tal o cual género; cuando eran punks, no se parecían a ninguna banda punk. Luego pasaron por el hardcore, por el nü metal, y por lo que diablos sea la maravilla que están haciendo ahora, influencia para otras bandas (hasta Carajo suena un poco cabezudo).

Los Cabezones reconocen en algún sentido que su eclecticismo es un típico producto santafesino. Y es particularmente cierto: un melómano de Santa Fe (a diferencia de lo que ocurre en Capital Federal, con su variada oferta) deberá indefectiblemente presenciar recitales de los más variados estilos; un músico (de igual manera) deberá tocar distintos estilos a lo largo de su carrera. Y eso genera un capital intelectual que nos hemos ganados por derecho propio.

Toda esta parrafada (bastante pretenciosa por cierto) viene a cuento de la presentación del formato acústico de Cabezones, inaugurado con el “disquito” Intraural. La excusa era la despedida del año en Santa Fe, y el comienzo de la espera del próximo LP, con fecha de lanzamiento 10 de marzo de 2005. La fiesta se concretó en el Centro Cultural Provincial, con transmisión de la Rock & Pop Net, para que los muchachos puedan demostrar que son “los Beatles santafesinos”, con sus diferentes pero convergentes caracteres (la seductora oscuridad de Andino, el “glamour langa” de Serniotti, la prestancia “elegante sport” de Collados, el severo oficio de Martínez, la frescura renovadora de Aput).

Pero la característica del formato incluye una curiosidad: el instrumento de Paganini, el sutil violín en manos de una Alejandra Papini que, como Miles Davis, no necesita tocar todas las notas, porque puede tocar las mejores. Una Alejandra Papini que le pone su propio color a la música... un color tirando a Celestito.

Como decíamos, es bueno ver la evolución de una banda, cuyos integrantes se han vuelto virtuosos instrumentistas (o virtuosos arreglistas, o que es mejor). Y en esta segunda presentación en la ciudad que fundó Garay, luego del Quilmes Rock Buenos Aires, el show acústico luce más que bien. Tal vez más serio, menos “fiestero” que en el Living 33; tan serio que pudimos ver a un César Andino formal... con traje y corbata.

Tal vez aquel punk rocker de pelo rojo furioso que parecía ser heredero de Johnny Rotten, aquel tatuado hardcore boy que aparentaba ser descendiente de Henry Rollins, en realidad quería ser David Bowie, quería ser Morrissey, quería ser Robert Smith. Sí, el mismo Robert Smith que compuso aquella “Lullaby” que los Cabezones interpretan impecablemente, con Papini en el teclado. Y en los ojos de Andino hay algo del delineador de Smith, pero también del delineador de Gustavo Angelini, ese cantante y frontman fantástico que desde Carneviva siempre nos hizo sentir que estábamos frente a una rockstar hecha y derecha. Y Andino ya merodeaba por allí... El mismo que es capaz de pronunciar sin mosquearse una de las frases más darks de la historia del rock: aquella que decía “Tengo un día demasiado gris, tan gris que los cuervos vuelan sobre mí...”. Pero la coherencia lo atraviesa a través de los evos: debajo de la corbata y la camisa aún lleva el tatuaje (circa fines de 1994) con el rostro que grita “Luchar hasta morir”...

Y la coherencia lo mantiene cerca de su más viejo amigo: Gustavo Martínez, otrora conocido como “Banana”, ese perfecto obrero del rock que lucha a pico y pala, a filo, contrafilo y punta, para tener a máquina cabezona funcionando. El mismo que da clases teórico-prácticas a las bandas que quieran mantenerse en el tiempo (lástima que los Cundey Molen no le hayan prestado tanta atención...).

Hubo lugar para un par de temas de Hijos de una nueva tierra, la mítica segunda placa de la banda, grabada por Andrés “Cabezón” Leduc en la batería (cuyo último cumpleaños coincidió con la presentación de Cabezones en el Quilmes Rock Santa Fe), pero presentada en vivo por Alejandro Collados, el mismo que puso la experiencia ganada en Miseria y en Koma 4 (y en el Almirante, ya que los miembros originales eran alumnos del Normal) al servicio del grupo de amigos que lo adoptó. Para esto, ha sabido cambiar ocasionalmente los parches por las teclas, a fin de adecuarse a las sutilezas de un show que por soft no es menos rockero. Y sí: vayan sabiendo que la idea es reeditar los dos primeros discos, Electroshock e Hijos de una nueva tierra, con bonus y extras, ahora que han caído los derechos de los sellos originales.

¿Qué decir de Esteban “Pichu” Serniotti, aquel guitarrista impúber que empezó a ser Cabezón antes de los quince años? ¿Qué decir de ese violero ingenioso cuyos arpegios y bases son minuciosamente estudiados por bandas como Pulmón? ¿Qué decir del ídolo de las chicas? Poco más que eso...

Y también estuvo el mendocino Leandro Aput, con su peinado “Cerati en Doble vida” (Cerati, ese flaco que hizo “Sueles dejarme solo”, el cover “cabezón” por antonomasia); el miembro más reciente, el productor de Much Music, ese que vino desde la tierra del Bordolino a redondear el mecanismo de una maquinaria aceitada.

Como en realidad no hemos contado casi nada del show propiamente dicho, podemos agregar como apostilla graciosa los dos pibes que, con cara trastornada, se preguntaban mutuamente “¿y este tema que es?”, refiriéndose a “Hijos”. Y quedará para el recuerdo que tocaron las dos versiones de “Irte”: la de Intraural propiamente dicha y la de Eclipse (sol) tocada acústicamente. Lo tienen a “Irte”, ¿no? Por las dudas:

Si te vas cruza la puerta
Y tira tus llaves al cerrar
No pronuncies mi nombre
Apura tus pasos y no mires detrás
No roces tu piel en mi carne
Ahoga mi sombra en mi oscuridad

Si te vas no lleves la luz de mi alba
Mi búsqueda
Y al despertar acostúmbrame
Si me lo pidieras
Te daría el sol
Y que inunde mi dolor
Abrázame

Si te vas no uses aquellas palabras que hablamos al sembrar
Era para siempre ahora es para nunca más
Nunca más

Mmmmm.... Esto alguna vez tuvo la voluntad de ser una crónica de un show excelente. Desgraciadamente, la fuerza de la banda y la subjetividad de quien escribe desbordaron la pretensión periodística. Ahora bien, si lo que usted busca es una reseña objetiva, tal vez tenga que buscar en otro lado...

Sangre Leona: La Selección que supimos conseguir

2004-12-02T13:03:00.000-03:00

Con el tercer puesto en el último Champions Trophy, llevado a cabo en Rosario, termina un ciclo destacado para la Selección Nacional de Hockey femenino, liderado por Sergio “Cachito” Vigil. Iniciado en 1997, comenzó su hora de gloria en 2000, en los Juegos Olímpicos de Sidney, con la obtención de la presa plateada en una recordada final con Australia (aquel equipo donde estaba Allison Annan, para algunos la mejor jugadora de la historia). Fue en ese torneo y luego de algunos reveses (particularmente una derrota ante España) se ganó el mote de “Leonas”, por sacar fuerzas de la debilidad y exhibir una garra que sorprendió al mundo.

Dice la sabiduría popular que, luego del presidente de la Nación, la figura pública más destacada es el técnico de la Selección Nacional de Fútbol. Recientemente, allí también se ha producido un recambio con el esperado arribo de José Pekerman, aquel gran formador de seleccionados juveniles. Pero lo que cabe destacar es el hecho de que la gestión anterior, la de Marcelo Bielsa, coincidió con la de Vigil, con desiguales procesos y resultados.

Valga la aclaración de que Vigil habló bien de Bielsa siempre que surgió la ocasión, deferencia que no pudo ser retribuida debido a la extrema parquedad de “el hermano del canciller y la vicegobernadora”. He allí un diferencia no menor entre ambos y, como ya dijimos, la preeminencia del técnico canalla de algún modo lo obligaba a comunicar tanto como lo hacen los presidentes (al menos los presidentes que no son De la Rúa).

Si usted, amigo lector, ha acompañado hasta aquí esta sucesión indefinida de digresiones, es porque sin duda se trata de una persona muy considerada, o en todo caso un verdadero amante del deporte. En aras de la claridad conceptual, trataremos de ir al punto. La tesis que subyace a estos apuntes es la siguiente: nuestras bravías Leonas y su caudillo fueron la selección que Bielsa y sus reclutas no pudieron nunca ser. Lo que en un equipo fue liderazgo motivador de la creatividad, en el otro fue incomunicación y tolerancia a la mediocridad. Lo que en un caso era juego amateur y garra, en el otro era un grupo de profesionales por debajo de sus capacidades. Lo que de un lado era juego colectivo, del otro fue muchas veces un manojo de individualidades. Finalmente, aquello que un término de la ecuación generó entusiasmo, por la otra parte solo causó aburrimiento (sobre este respecto, nótese la diferencia de entradas vendidas y de rating entre los últimos partidos de la era Bielsa y los primeros de la gestión Pekerman).

Recordemos que nuestras Leonas nos mantuvieron despiertos en la final del Mundial de Perth (Australia) de 2002, en aquella apretada definición por penales contra otra gran selección las temibles holandesas conducidas por Marc Lammers. Por su parte, “la selección de todos” nos hizo trasnochar para presenciar aquella olvidable eliminación frente a Suecia ese mismo año en el Mundial de Corea-Japón, con la expulsión de Caniggia desde el banco, para empeorar el cuadro general.

(Disculpe, pero acabo de tener un flashback: acabo de recordar la final del Cuatro Naciones de Córdoba en 2003; la única vez que las Leonas fueron a menos en un estilo de juego muy Bielsa, todo para atrás y atacando solo con centros desde los laterales. Por supuesto, ese partido lo perdieron frente a Holanda).

“Todo tiene un final, todo termina...”, cantaban los Vox Dei en su época de gloria (o después del éxito de Tango Feroz, como sea). Como ya dijimos, ambas selecciones han iniciado un proceso de recambio y transformación: la de fútbol ha comenzado una era más promisoria, y la de hockey se apresta a recambiar su cuerpo técnico, lo que se suma al retiro de algunas jugadoras (puntualmente así lo manifestó Vanina Oneto, delantera de San Fernando y Leona “fundadora”). Lo cierto es que cuando la Argentina necesitó una representación deportiva, las chicas estuvieron de pie. Y así se ganaron un lugar en el corazón de todos. Y eso no es poco...

Tal vez usted está pensando en qué lugar le toca en este pretendido panorama deportivo a la Selección Nacional de Básquet que condujo Rubén Magnano, con la estelaridad NBA de Emanuel Ginóbili. Pero ese tal vez sea tema de otra nota...

Santa Fe de Película: Hacia un cine nacional y popular

2004-12-02T11:52:00.000-03:00

Entre el 28 de octubre y el 3 de noviembre pasados tuvo lugar la 1ª Muestra de Cine Argentino de Santa Fe, denominada Santa Fe de Película; la misma contó con la organización del Cine Club Santa Fe (encabezado por Juan Carlos Arch y Cristina Marchese) y la Fundación Fernando Birri, con la coordinación general del Grupo Santa Fe Muestra (Paulo Ricci, Marilyn García y Paula Niklison). Nueve películas nacionales y cinco extranjeras en siete jornadas (acompañadas de cortometrajes argentinos premiados, encabezados por el ya mítico El hombre sin cabeza, de Juan Solanas, que supo ganar la Palma de Oro de Cannes y Cesar francés) demostraron el estado del arte en cuanto a una cinematografía que pretende despegarse de los mandatos de la industria norteamericana, demostrando que, como dice la canción, “This is not Hollywood, like I understood”.

Como si todo esto fuera poco, la ocasión fue el debut del Cine América (sede del Cine Club) como Espacio INCAA Km 500, Con esta modalidad la gestión de Jorge Coscia al frente del Instituto de Cine y Artes Audiovisuales de la Nación busca consolidar los espacios de difusión de cine argentino y de cine arte, para que la institución pueda no sólo financiar a los realizadores vernáculos, sino también ayudarlos a dar a conocer su obra; a tal fin, se equipa a las salas con las comodidades suficientes como para competir con los fastuosos multicines, para tratar de rescatar lo que estos dejan pasar.

A continuación trataremos de hacer un repaso del material presentado en esa frenética semana.

Las películas latinoamericanas

Esta sección estuvo integrada por obras provenientes de países con una fuerte tradición fílmica, a la vez que cercanos al gusto y al oficio argentinos. Desde Uruguay llegó Aparte, de Mario Handler, un crudo documental que se entromete en las vidas de un grupo de jóvenes habitantes de un “cantegril” (villa miseria) de Montevideo, excluidos de neta marginalidad, que buscan aferrarse a la vida en medio de una realidad que ya es deprimente para el espectador. La calidad del material se ve golpeada por la mala calidad del sonido directo (de paso convengamos que la sala del América no colabora en nada a la audición), aunque eso no impide que estos desplazados se muestren planamente ante la cámara (a veces incluso, manejada por ellos mismos).

Brasil aportó tres películas muy personales y muy diferentes entre sí. Iniciándose con una presentación de títulos creativa, de esas que tanto gustan ahora en Hollywood (hay estudios que se dedican a esta actividad exclusivamente), Durval Discos, de Anna Muylaert, se construye como una comedia psicótica, profundizado el demencial absurdo hacia el final, apoyándose en la calidad de los actores (con los excepcionales Any Franca y Etty Fraser a la cabeza, acompañados por una niñita que actúa como ningún niño argentino en mucho tiempo, al menos antes de Valentín). La segunda colaboración del país vecino fue Amarelo manga, de Claudio Assis, un entrecruzamiento de historias personales en la ciudad de Recife, entre personajes marginales en más de un sentido, las cuales se verán transformadas en ese juego intersubjetivo, con la ciudad como tablero. Difícil, algo lenta, merece una mirada atenta por parte del agotado “espectador festivalero”.

El tercer film brasileño (en realidad una coproducción con Cuba) es la esperada Rocha que voa, de Erik Rocha, hijo del mítico Glauber, a quien trata de capturar en su esencia el arte y el pensamiento vivo de uno de los mayores exponentes del cine latinoamericano, parte de una era en la que justamente arte y pensamiento estaban unidos intrínsecamente a la idea de liberación de los pueblos. A través de entrevistas a sus contemporáneos, la referencia a sus películas y la palabra del mismo Glauber, el heredero recompone en la figura de su padre, mas allá de una carrera, el espíritu de una época en la que el cielo estaba cerca de las manos.

Justamente desde Cuba llegó el último film foráneo, la promocionada Suite Habana, de Fernando Pérez. Acompañando la jornada de varios habitantes reales de la capital de la isla, el director construye una representación que destila un cierto tufillo a realismo socialista o a institucional turístico, que desmerece ciertamente lo que de la película se dice. Por ejemplo, todos manifiestan inquietudes artísticas (es decir, superan la contradicción entre el obrero y el intelectual, premisa de la vulgata comunista) mientras miran por TV al diputado Silvio Rodríguez Domínguez bajo retratos del Comandante Guevara De la Serna...

El cine argentino

La velada inaugural estuvo dedicada (además de a la cerveza “local” y a uno ricos chipás previstos para que nadie salga doblado del cine) a El perro, film con el que Carlos Sorín continúa el éxito obtenido con Historias mínimas, su anterior trabajo. Así, actores no profesionales se suman al paisaje patagónico para contar las pequeñas grandes vicisitudes del hombre común, golpeado por circunstancias más allá de su control: el protagonista, encarnado por el garagista Juan Villegas (que estuvo presente esa noche), es un desocupado que descubre en el dogo argentino del título la manera de rehacer su vida.

También se presentó Próxima salida, de Nicolás Tuozzo, quien narra la traumática influencia que tuvo aquel “ramal que para, ramal que cierra” sobre la vida de un grupo de ferroviarios de distintas edades. El hijo de Leonor Benedetto (actual novia de “el Alberto” inaugura el proyecto San Luis Cine, con un superelenco integrado por Darío Grandinetti, Mercedes Morán, Ulises Dumont, Pablo Rago, Vando Villamil, Oscar Alegre y Valentina Bassi.

Alejandro Agresti vuelve a la carga con Un mundo menos peor, con una buena parte del elenco de Valentín: quizá sea un error repetir la formula Julieta Cardinalli-Rodrigo Noya-Mex Urtizberea; también se lucen Carlos Roffé, Mónica Galán, Lidia Catalano y Ulises Dumont. “Basta con el Proceso”, se oyó decir a un espectador, algo enojado con el cineasta, quien luego de este film se puso a trabajar con actores anglosajones, como Gena Rowlands o el australiano Geoffrey Rush.

Pablo Trapero recupera con Familia rodante algunos puntos que había perdido con El bonaerense, y colocó a su propia abuela, Graciana Chironi (otra simpática visita de esa semana), al frente de una inverosímil travesía familiar, que como toda road movie que se precie exhibe, además del viaje físico, un devenir en las relaciones humanas y en el espíritu de los protagonistas.

Dolores de casada, del debutante Juan Manuel Jiménez (su prontuario lo sindica como colaborador de Diego Kaplan en la inimputable ¿Sabés nadar?) es una película netamente de actores, y basa su fórmula en excelentes diálogos (escritos por Victoria Galardi) sostenidos por la dupla Javier Lombardo-Mirta Busnelli. Acompañan con nivel Jazmín Stuart, María “Melli” Marull (gracias Pato Galván por descubrirlas) y un indescriptible Pancho Ibáñez.

En El Nürenberg argentino, Miguel Rodríguez Arias (aquel de Las patas de la mentira) recupera los archivos del mítico Juicio a las Juntas, para reconstruirlo 20 años después con ayuda de algunos participantes, entre los que se destacan el juez León Arslanián, el fiscal Julio César Strassera y la periodista Miriam Lewin, sobreviviente de la ESMA. No inventa ninguna pólvora, es un documental más, pero no estar mal repasar esos momentos de nuestra historia.

Martín Lobo escribió y dirigió Dos ilusiones, una “comedia cruel” en las que los pases humorísticos y el tono cómico no logran ocultar las terribles situaciones que enfrentan dos jóvenes tratando de abrirse camino en el mundo de la actuación. Matías Santoianni y la despampanante Claudia Albertario (“¡uh, cómo estoy!”), junto a Gerardo Romano (siempre bien), Juan Acosta, Carlos “Dominicci” Portaluppi, Diego “Todo X $2” Capusotto y Ana María Giunta. Ni la belleza de la protagonista logra sacar el regusto amargo que esta película deja en el espectador, sorprendido por la crudeza ligera de las situaciones.

José Santiso, ex director de fotografía de Héctor Olivera, estuvo detrás de Tacholas, un actor galaico-porteño, documental sobre la figura de Fernando Iglesias, (a.k.a. Tacholas, actor nacido en Galicia que filmó en nuestro país la friolera de 52 películas, trabajó con todas las figuras importantes y supo sorprender al mismísimo Lee Strasberg). La importancia de la obra radica en el redescubrimiento de un personaje algo olvidado por “el medio” y el público.

La fílmica semana finalizó con Extraño, “extraño” (valga a redundancia) film de Santiago Loza, que retrata las andanzas de un desapasionado y parco personaje, en la piel de Julio Chávez (acompañado por Valeria Bertucelli, esposa del obeso Vicentico). La cámara se mueve lentamente, con un tinte muy zen, muy oriental, y uno puede sentir que la vida se pasa mientras miramos la soledad de un arbolito en una plaza...

Así finalizó otro punto alto en el calendario cinematográfico santafesino, demostrando que nuestra ciudad se está volviendo una plaza importante para el séptimo arte y para la cultura en general.

Rescate emotivo: ¡Canal 13 en los 80!

2004-12-02T11:46:00.000-03:00

“Hubo un tiempo que fue hermoso...”, dice la canción. Hubo un tiempo en que el mundo era grande y todo quedaba lejos, empezando por Buenos Aires y sus poderosos medios de comunicación. Santa Fe y Paraná vivían sus tranquilas vidas de pueblo grande, dormían la siesta y disfrutaban de la programación de tres canales de aire; aún faltaba tiempo para que don Ángel P. Malvicino armase el ya mítico Cablevideo, cambiando las pantallas definitivamente (actualmente mucha gente ha sido confinada al aire, pero esa esta es una restricción de índole económica).

En esos tiempos había tres opciones. Estaba ATC, el canal estatal nacional, que todas las tardes pasaba Fama y La Noticia Rebelde, programa de culto con Guinzburg, Castelo, Becerra, Abrevaya y Repetto. Canal 9 Litoral era la repetidora de la emisora de Romay con base en Paraná, con algunas horas de programación local. Por lo tanto, la única señal programada localmente era el Canal 13 de Santa Fe (cosa curiosa, ahora el 13 tiene menos programación local que la que siempre tuvo el 9).
¿Y qué se veía en Canal 13? Bueno, ¿quién de más de 25 años no se acuerda de La tierra y su gente? Ciclo que iba los sábados a la mañana y además de imágenes documentales y crónicas de viajes recordaba, con dramatizaciones y todo, historias de Santa Fe tales como la del Conde León de Tessière o la de los Siete Jefes (mis favoritos), entre otras. Jorge Álvarez, su factótum (que luego sería cuestionado por corrupción en su paso por la función pública) también fue el inventor de Tincho Carpincho, roedor antropomorfo que siempre andaba acompañado por los hijos de Álvarez y por esa especie de Davy Crokett avejentado y venido a menos que era el Abuelo Lobato. También empezó los sábados, y luego pasó a presentar los dibujos animados de las cinco de la tarde de lunes a viernes, escoltado por el Mago Solber y el enano Detective Pirincho, luego detenido por abuso de menores (hablando de ilegalidad y programas infantiles, un amigo dijo una vez “ahora entiendo por qué María Azucena le hablaba a las flores y al sol”, en relación con supuestas hierbas asiáticas...).

Los sábados también estaba el sempiterno Martín Bustamante. Uno de mis primeros recuerdos televisivos lo muestra a él entrevistando a Sergio Montiel (en los comienzos de su primer mandato) y mi señora madre diciéndome “ése es el gobernador de Entre Ríos, es radical y la gente lo quiere mucho”. Cómo son las cosas...

En materia de noticieros, uno podía ver todos los ciclos de Realidad (seguido por el número del año) conducidos por Juan Carlos Pérez Loiseau (supo estar Manuel Andino, el padre de Guillermo, pero yo no lo recuerdo) que incluían una sección de cocina a cargo de la célebre Chichita de Erquiaga, quien supo publicar muchos libros culinarios (de quien todos recuerdan sus manos temblorosas). Pero la información local se obtenía en Notitrece, con Pedro “Coqui” Zeballos (padre de la actual presidenta del Ente de Turismo de Santa Fe, Bernardita Zeballos) y el ya mítico Lindor Lozano. Luego vendría la época de Martha Fassino y Lucho Pérez Calle, con su eterna pelea por el pronóstico del tiempo, y el equipo de deportes con el ex concejal Eduardo González Riaño (¿se acuerdan cuando decía “Mik Tison” para referirse a Mike Tyson?), Emilio Jatón y Fabián Martorino (buena época para el deporte santafesino, allá por el 89, ¿no?).

Pero sin duda el mayor dream team de la tele local fue Entre mate y mate, el ciclo que Lucho Catania (hoy director de Radio Nacional Santa Fe) conducía de lunes a viernes a la siesta. Allí estaban Carlos Mehaudy (actualmente en el noticiero del 9), Martín Restaldi, la moda de Marta Goyri (donde todavía algunos recuerdan a un joven Edgardo Poldi) y el recordado Jorge Ritvo, para quien las películas se encuadraban básicamente en dos géneros: “hondo contenido dramático” o “neto corte policial”. También Cristina Buchara fue de la partida, cocinando en vivo en una época en que no había superpoblación de ollas en la TV (aún se la puede encontrar cualquier tarde en la pescadería de Mauri, en el Mercado Norte).

Este ha sido un breve repaso de buena parte del Canal 13 de los 80. Simplemente queremos dejar nuestra última mención para el padre José Ceschi, a quien hemos visto envejecer en cámara a lo largo de veinte años...

VI Bienal de Arte Joven (10° Aniversario): Barajar y dar de nuevo

2004-10-18T15:31:00.000-03:00

La última edición de la Bienal de Arte Joven organizada por la Universidad Nacional del Litoral (UNL) y la Federación Universitaria del Litoral (FUL) pasó por el calendario cultural santafesino como un rayo, volando, y el que se la perdió se jodió. Ahora ha llegado el tiempo del reposo para los organizadores, que en algunos casos están bastante orgullosos (la revista Ñ de Clarín le dedicó un artículo al evento, tal como el popular diario lo hiciera con el Argentino de Teatro que pasó recientemente. Esto habla, entre otras cosas, de lo bien que está trabajando el Área de Prensa de la Secretaría de Cultura de la Universidad.). Pero no todas son rosas: a diez años de aquella primera Bienal fundacional, culturosa y algo bohemia, fogoneada por Laura Corral, es hora de que artistas, organizadores y público hagan algunos replanteos.

Nuevamente, los patios del Rectorado y la Facultad de Ciencias Jurídicas y Sociales (como ocurriera en 2000) recibieron la producción de los jóvenes artistas en música, plástica, danza, teatro, poesía, cuento, video, historieta, humor gráfico y fotografía.

Las cosas no habían empezado bien: el concurso que se hace siempre para definir la imagen gráfica de la Bienal quedó desierto por primera vez en la historia, siendo cubierta la carencia por el Área de Comunicación de la UNL.

Pero la inauguración de la semana reivindicó al evento, con la presentación de Orwelliana, espectáculo preparado especialmente para la ocasión por el grupo Andamio Contiguo, con dirección de Silvia Debona, Norma Cabrera y Rubén Von Der Thusen, y alrededor de cien artistas en escena. Desgraciadamente, quienes estábamos más cerca del frente de la casa de estudios no pudimos apreciar plenamente de algunas imágenes, en particular de las referencias a cada persona homenajeada en las ventanas. “La historia narra el enfrentamiento entre las distintas expresiones artísticas contra los postulados del discurso hegemónico que en todo momento aspira a silenciarlas”, adelantaron los integrantes de Andamio Contiguo. Al menos eso quedo claró para todos los presentes. Acto seguido, tras un video institucional, las puertas quedaron abiertas para el público. Hagamos ahora un breve repaso, si esto es posible, de lo que sucedió en la Bienal.

Dentro de las artes plásticas, llamó la atención la escasez de obras y, para algunos entendidos, el nivel irregular de las obras. Sí gustaron las obras en historieta (con algunas ideas llamativas), humor gráfico y fotografía, que estuvieron dentro de los cánones históricos de las especialidades. De la muestra de video realmente no vi nada, porque la chorrera de obras se dio en tres funciones en diferentes días pero a la misma hora (hubiera estado bueno alguna función en contraturno).
En cuanto a la sección de literatura, no es mucho lo que puedo decir: por una parte puede molestar a alguien que un participante del área manifieste una opinión al respecto; pero el mayor problema reside en que, más allá de haber apreciado algunas obras interesantes, la modalidad elegida (la lectura pública de las obras por sus autores repartida a lo largo de siete días) impidió a la gran mayoría disfrutar del conjunto de las obras, junto a ciertas cositas que se pierden en el paso a la oralidad, sobre todo en la poesía. Estaría bueno que los organizadores recuperen el sistema de Bienales anteriores, incluyendo la exhibición estáticas de las obras literarias.

De teatro podemos hablar poco: se presentó una sola obra en competencia, Taco Chino, dirigida por Raquel Romero Acuña y Vanina Oroño. Para que no se eche en falta, se invitaron dos obras fuera de concurso: Sueño de barrio, dirigida por Darío Giles, por el Taller de Teatro de la UNL, e Implosiona 1.0, por el grupo Andamio Contiguo; esta última no se presentó, por un problema con la disponibilidad del Aula Alberdi. En danza... sólo diremos que la categoría fue declarada desierta. Y de la música “no-rockera” vi poco, pero me atrevo a recomendar a Varinia Zelko (hija de Carlos, acompañada por su hermano Ramiro) y el grupo He Ko’Re, ambos dentro del territorio folklórico.

¿Y el rock?

La categoría rock estuvo filtrada por una Prebienal, con la idea de que lleguen las bandas más originales y destacadas a presentarse en el escenario mayor de la Bienal. Sin embargo, muchos de los veteranos bienalistas recordaron tiempos mejores: la discusión en todo caso cual edición fue la mejor, si la de 1998, 2000 o 2002. De todos modos, acá hubo menos grupos, y una originalidad mucho menor a la calidad técnica de los intérpretes; es decir, hay muchas bandas que suenan muy bien, pero suenan mucho a algo: por ejemplo, Blackend representa los Metallica de los 80 (de hecho, se hicieron conocidos como banda tributo a los patriarcas del trash), y Broody Mary a su versión más tardía (cuando Metallica se puso más grunge, a partir del disco Load). Dos de las mejores bandas del concurso, Toponauta y La Rueda, se hacen cargo de la herencia de Luis Alberto Spinetta, en distintas variantes (el segundo grupo es el más “progresivo” y setentoso, y a la vez, el que tiene los integrantes más jóvenes).

En cuanto a las “bandas gringas”, de Esperanza, Rafaela, San Jorge o San Justo, estuvieron dentro de su tradición: buen equipamiento, buena interpretación y mucha de esa falta de originalidad de la que estamos hablando. La excepción quizás sea 0 Db (Cero decibeles) de San Justo, y el colmo pase por La Pinona (San Jorge), que abrió con el cover de “Globo” de Cabezones y cerró con una copia idéntica de la versión cabezona de “Sueles dejarme solo”, de Soda Stereo (versión que esa sí era novedosa): con esto han inventado una nueva modalidad: el meta-cover.
Las nuevas tendencias sonoras estuvieron representadas por Sexi Sampler y Tecnoman, y en alguna medida por Nicolle (que fueron soportes de Babasónicos en abril). Otras bandas que se destacaron fueron Cul de Sac? (con Sebastián “Oso” Benaglio como frontman), Straight Hate (hardcore machazo), Parabellum (con la voz de Marilina Bertoldi), Líquido, Líquido Sagrado (son dos grupos diferentes) y veteranos como Irae o Anubis (me hablaron muy bien de Niebla Púrpura, pero la verdad es que no los ví).

Sí, ya sé, seguramente algún lector atento me recordará todas las bandas de la escena santafesina que, por tener cierta veteranía (o por colgadas o por desinteresadas, en otros casos), no estuvieron aquí... Algo para destacar es que, sabiendo que meter covers estaba prohibido (teóricamente significaba la exclusión del Primer Premio) muchas bandas se explayaron tocando hasta dos versiones de composiciones ajenas; actitud que no ha sido correctamente explicada.

Por el lado del público, convengamos que recién comenzó a acercarse al tercer día (lunes) y tuvo sus idas y venidas, a partir de un nucleo duro de fieles seguidores, caras reconocibles a través de los días (y muchos desde antes, en lo que a veladas rockeras se refiere). Como en la Bienal anterior, la FM de la Universidad, La X 107.3, transmitió la mayor parte de la sección rock, acercándola a un público más amplio. Y un detalle: el día miércoles no hubo función, según se dice para no chocar con la fecha que Molotov estaba dando en el Estadio Tecnológica.

A modo de conclusión

Como dijimos más arriba, en este décimo aniversario es, para todos los involucrados en la Bienal de Arte Joven, tiempo de barajar y dar de nuevo, y replantearse algunas cosas para el futuro. Los organizadores deberán esforzarse por cuidar a los creadores y acercarlos a la comunidad. El público tendrá que acompañar a sus artistas con mayor convicción, cuestionándolos, sí, pero exigiéndolos. Y los artistas jóvenes deben poner la inteligencia y el corazón en su obra, para darle a esta Bienal su verdadero sentido.

Requechos de la Bienal

2004-09-29T14:48:00.001-03:00

En los posts que están acá abajo, he puesto los materiales que presenté en la VI Bienal de Arte Joven: los poemas "Argentino hasta el exilio", "Amber" y "Silencios", y los pseudocuentos "Una tarde de verano", "La banda" y "La cacería". . Espero que sean de vuestro agrado...

ARGENTINO HASTA EL EXILIO

2004-09-28T14:02:00.000-03:00

(A propósito de “Argentino hasta la muerte” de César Fernández Moreno)

los mexicanos descienden de los aztecas y los mayas
los bolivianos y peruanos descienden de los incas
los centroamericanos descienden de los caribes que descubrió Colón
y los argentinos
los argentinos descendemos de los barcos
al menos en eso estamos todos de acuerdo
nunca iban a pensar nuestros abuelos gringos
que lo más importante que nos dejaban
lo que más valorarían sus descendientes es la nacionalidad
que ellos dejaron atrás cuando vinieron
para que los bisnietos y tataranietos recorran el camino inverso
¿acaso dentro de tres generaciones en algún lugar de Europa
se contará la odisea de los abuelos argentinos que se escaparon
del culo del mundo para empezar de nuevo y legarles un futuro
a sus hijos?
triste destino tuvimos en aquella patria nueva
hoy no tan nueva carajo que pasó con nuestro destino de grandeza
puta que es jodido ser argentino

el año 2000 nos encontrará unidos o dominados dijo el General
y la verdad es que la pegó dos veces
estamos todos en el fondo del tarro bueno no todos
algunos se salvan trepando usando nuestras cabezas como escalones
pero a la larga no tienen destino si no hay destino para todos
a menos que nos subamos de nuevo a los barcos
(algún chileno seguro que festejaría la idea)
se ve que los muchachos no eran tan buenos y ni vigilados fueron mejores
el que pudo robar robó
o más o menos
honestos hay en todas partes
donde hay un pobre que sufre hay una injusticia dijo Evita
parece que hoy hay muchas injusticias bueno se están ocupando
acabando con los pobres de a poco
que se rompa pero que no se doble dijo don Hipólito
parece que nadie se diera cuenta de que la manguera se dobló varias veces
y de don Hipólito ya no se acuerdan ni los que canta la marcha
no la combatiendo el capital sino la otra que también fue válida
cuando lo que valía era hacer algo por los ideales
hoy ya ni los cines se llaman Ideal
tienen nombre de cadenas extranjeras
bueno tal vez eso mismo les pasó a los ideales
pero bueno
esto pareciera que no es la discusión del momento
ahora hay que hablar del riesgo país viste como es eso
que no es lo mismo que hablar del país que pusieron en riesgo

lindo país es este para el disenso eso demuestra la historia
acá se deshacen de la gente en serio fuera de joda viste
unos pocos miligramos de pentotal sódico y listo al Río de la Plata
desde un avión y se escucha azul un ala de color del cielo
y todos cantaban Aurora y miraban para otro lado
o gritaban Argentina Argentina vamos carajo todavía
cuando Kempes se lucía contra Holanda en el Mundial
y afuera de la cancha la gente se desvanecía
dale campeón dale campeón
todavía tengo la banderita del Mundial de Francia
y ya se viene el próximo
lo lindo de los mundiales es que la gente se pone la camiseta
y revolea la bandera gritando Argentina Argentina vamos carajo todavía
pero cuando se acaba la fiesta volvemos a la historia de siempre
se guarda la bandera por otros cuatro años
y se vuelve a la historia de siempre
que vachaché
y bueno somos argentinos

los oficinistas sigue fumando
aunque cada vez son menos racionalización que le dicen
y los abogados siguen allí demandando
y la burocracia sigue impidiendo plantar el arbolito
de los uruguayos
inmigrante si como no ah pero usted es boliviano
pareciera ser un problema para algunos
como estarán de jodidos allá lejos en Latinoamérica que se vienen acá
mire que clases sociales quedan pocas
y la que está en el agujero crece allí abajo día a día
la política sigue pareciendo un tango
porque habla de cosas que no existen
la justicia social
y los malevos de Balvanera
glorias de tiempos idos
claro que la Argentina me sigue gustando
tiene cosas copadas viste fierita mentendés
porque por genética por contaminación por contagio
y hasta a pesar de mi voluntad
soy argentino

mi Buenos Aires querido
cuando yo te vuelva a ver
no habra más penas ni olvido
sur paredón y después
en mi noche triste
Maradó Maradó
hay gorro bandera y vincha
la pregunta del millón es por qué
seguir apostando a este país
si los que pusieron la mano en el fuego por él
ya se quemaron
será para no dejar caer el sueño de aquellos señores de Mayo
o por respeto a aquellos que creyeron que era una tierra de promisión
o en memoria de todos los que estaban convencidos del destino de grandeza
de este país
quizás esto es un error y no haya destino alguno
y la única salvación que quede sea irse
antes de que se hunda como el Principessa Mafalda
que haré yo aún no lo tengo claro
pero eso no es tan extraño
porque a fin de cuentas
soy argentino

AMBER

2004-09-28T14:00:00.000-03:00

Tu nombre es el nombre
de una piedra dorada y cristalina
Tu sonrisa codifica
milenios de joven sabiduría
joven dama, mujercita
¿Quién será el dueño,
no de tus ojos, que sólo a ti te pertenecen
sino tan sólo
de una corta mirada llena de amor?
Si Dios fuera uno de nosotros
¿sonreiría satisfecho
por la fineza de Su creación
o se sumaría al coro de muchachos
que disputan tu corazón humano?
Sólo la eternidad
dará respuesta a este enigma.

SILENCIOS

2004-09-28T13:55:00.000-03:00

No me digas que te diga
lo que nunca te digo
porque si te lo dijera
entonces
te quedarías conmigo
para siempre.

Una tarde de verano

2004-09-28T13:49:00.000-03:00

Mayumi cruzó la calle de tierra picando su pelota. Se había escapado de su casa mientras su padre descansaba y su madre estaba en el templo. Su hermana Saeke estaba estudiando; por eso aprovechó para salir afuera en busca de sus amigos. Especialmente Higen, el menor de los Yoshimoto. Él tenía diez años, uno más que ella.

Mayumi sonrió: pensó en lo rara que se ponía Saeke cuando se cruzaba con Keiichi, el hermano mayor de Higen, de dieciséis años, la misma edad de Saeke. Mayumi no sabía mucho todavía de lo que era el mundo de la adolescencia, pero se imaginaba que en poco tiempo más se iba a ver envuelta en otras sensaciones... incluso tal vez miraría de otra manera a Higen. Pero eso sería en otro tiempo: otro tiempo que ya llegaría.

Con la misma despreocupación apareció Higen, ataviado con pantalón corto y camisa blanca, en medio del caluroso verano. Mayumi se acomodó los faldones de su yukata, como al descuido.

—¿Cómo estás? —dijo el niño, saludando con una mínima inclinación de cabeza.

—Aburrida —le respondió Mayumi, picando su pelota. —¿Vamos a jugar?

—Hace calor... —dudó el chico. Bueno, ¡vamos! —se decidió finalmente.

Keiichi llegó de la escuela en horas de la tarde. Se había demorado porque después de clases se había tenido que quedar para recibir una charla de parte de unos soldados. Le habían explicado lo que era la patria, lo que era el honor, lo que significaba el legado de sus ancestros. Pero Keiichi tenía otras cosas en la cabeza. Pensaba en las primeras salidas con sus amigos, y pensaba también en chicas. Especialmente en Saeke, esa vecina que tanto le gustaba. O él creía que le gustaba. En realidad no tenía muy en claro sus sentimientos; en todo caso, nunca había sentido nada parecido. Lo cierto es que sus amigos ya se daban cuenta y le hacían bromas al respecto, cosa que turbaba aún más a Keiichi.

Cuando entró en su casa, le sorprendió el silencio reinante, prueba de que su hermano no estaba.

Su madre estaba en la cocina, picando rábanos.

—Ya está atardeciendo —dijo la mujer, casi susurrando. —Y tu hermano aún no vuelve. Deberías ir a buscarlo. Tu padre volverá en cualquier momento, y querrá cenar inmediatamente.

—Sí, mamá, ¡enseguida voy! —exclamó el joven, sospechosamente obediente, mientras se inclinaba frente a la mujer. Supuso con quién estaba su hermano menor, e intuyó una buena ocasión para cruzarse con su vecina.

Su madre le vio partir a toda velocidad, y sonrió. “Qué rápido crecen,” pensó, y siguió picando rábanos.

Saeke salió de la casa, en busca de su hermanita. Su madre la había responsabilizado a ella al volver del templo... porque además no había terminado sus tareas. Sin discutir, se puso sus sandalias y salió a la calle, con los tasukigake aún sosteniendo las largas mangas de su kimono. No tardó en encontrar a Mayumi, jugando a las escondidas con Higen en la otra cuadra. Apenas había comenzado a regañarla cuando Keiichi dobló la esquina... y todas las prioridades cambiaron.

—Hola —dijo el muchacho, con un nudo en la garganta.

—Hola —le respondió la chica sin mirarlo, inclinando levemente el cuerpo.

—¿Cómo estás? —atinó a decir él, visiblemente nervioso.

—Bien —soltó ella, poniéndose colorada.

—Lindo día —opinó Keiichi, buscando conversación.

—Sí, caluroso —le contestó Saeke, y no pudo seguir.

—¿Qué hacés? —interrogó finalmente el joven.

—Vine a buscar a Mayumi. ¿Y vos?

—A lo mismo... digo, mi mamá me mandó a buscar a Higen —agregó Keiichi, avergonzándose por haber mencionado el mandato materno.

—Ah —manifestó Saeke. —Bueno, nos vamos, hasta la vista.. —Las dos hermanas hicieron una reverencia y dieron media vuelta.

—¡Esperá! —gritó el adolescente, y se asustó de su propia voz. Recompuso su coraje y se arriesgó. —¿Te gustaría salir a pasear conmigo mañana, o a tomar algo, o a hacer lo que vos quieras? —Recién entoces respiró.

Saeke no podía creer lo que estaba pasando. “Bueno”, musitó, “a las cuatro”, sin preocuparse si en su casa la dejarían, y salió disparada hacia su casa, arrastrando a Mayumi del brazo. Keiichi no se movió hasta que su amada se perdió de vista.

Esa noche, a la hora de dormir, Saeke sonrió para sí misma. Sus ojos brillaban. Mañana vería de nuevo a Keiichi, su primer amor. Mañana tal vez serían novios... Acostada en su futon, no podía dormirse, pensando en ese momento. Así, sin darse cuenta, se hizo de madrugada, y las primeras luces del día invadieron el cielo en su inexorable recorrido. A Saeke no le importó: “falta menos”, fue su conclusión. Pensó que esa fecha quedaría grabada para siempre en su memoria: 6 de agosto de 1945...

—Oh, Dios mío —atinó a decir el teniente Jameson. Sus ojos se abrían como ventanas de par en par en un día de tormenta, tratando de captar el suceso en toda su dimensión. La dantesca imagen que se desplegaba allí abajo excedía los límites de su comprensión.

—¿Qué hemos hecho? —le preguntó su copiloto, el sargento Stuart.

—Historia. Hemos hecho historia, mal que nos pese. Y será la historia quien nos juzgue —respondió Jameson. —Pegamos la vuelta —agregó finalmente, y encaminó a su avión, el Enola Gay, de regreso a su base, mientras un hongo de fuego y viento terminaba de arrasar con Hiroshima.

La banda

2004-09-28T13:41:00.000-03:00

Hacía frío en Limerick, Irlanda.
Pero en el garage de los Hogan las cosas empezaban a ponerse calientes.

—Dejo la banda —dijo Niall, el cantante del grupo.

—¿Así nomás? —preguntó Noel, el mayor de los Hogan. Su hermano Mike miraba a uno y a otro, tratando de comprender.

—No sé, siento que en esta banda no voy a poder hacer carrera en la música —le respondió el vocalista.

—Gracias por lo que nos toca —masculló Mike.

—La verdad es que no me importa si te vas, Quinn. Lo que me preocupa es quién va a cantar —escupió Fergal, sentado en la batería, sin mirarlo.

Niall caminó hasta la puerta, y antes de abrirla, se dio vuelta y contestó:

—Hay una amiga de mi novia, que canta en el coro de la iglesia desde chica. Podrían probarla. ¿No te parece, Lawler?

—Por mí está bien —musitó Fergal.

—Decile que venga. Una prueba no se le niega a nadie —agregó finalmente Noel.

Ninguno llegó con demasiadas expectativas a la sala de ensayo. Noel quería saber si tendría diecisiete años como él. Mike sentía curiosidad sobre su apariencia: tal vez se parecería a Kathryn, la novia de su hermano, o a Siobhan, esa chica de la escuela que tanto le gustaba. Fergal pensaba en como sonaría el grupo con ella.

En ese momento tocaron a la puerta.

La que entró fue una chica flaquita, de pelo corto, y ojos profundos. Y sí, tenía diecisiete años.

—Vengo por la prueba —susurró.

Los muchachos se presentaron de a uno. Luego de unos segundos de silencio, la invitada también se identificó.

—Bueno, a ver, cantate algo —la desafió Noel.

La joven comenzó a entonar un himno, así nomás, a capella.

Y entonces explotó la magia.

“Mierda”, pensó Mike, mientras sentía como si un puñetazo celestial le cerrara el estómago. “Así debe ser la voz de las Banshees”, se dijo Noel, recordando las leyendas de su infancia. “Acá tenemos algo”, se iluminó Fergal, pasando la lengua por sus labios.

—Bueno, por hoy estamos —atinó a balbucear Noel. —Vení mañana y empezamos a trabajar en las canciones.

—¿Entonces estoy en la banda? —Ella parecía no creer en lo que estaba pasando.

—Perdón, ¿cómo te llamabas? —la interrogó Fergal.

—Dolores —respondió la chica flaquita, con tímido orgullo. —Dolores Mary O’Riordan.

—Vamos a la esquina, a tomar un café —propuso Mike.

—¿Podemos pedir pastel de arándanos? —preguntó Dolores.

—Sí, podemos —le respondió Noel. —Ahora podemos.

Y allí, sin casi sin proponérselo, comenzaron a hacer historia.

La cacería

2004-09-28T13:36:00.000-03:00

Mudos relámpagos dorados del amanecer se colaban entre las cortinas de la habitación. “Las ocho y veinticinco”, marcaba el reloj de la videocassetera. Con sólo apretar “Power” y “Ch 6” se encendió la estación de radio deseada. Del equipo salió la introducción de “The Airplane Ride” de Nell Hampton, que en realidad es el prólogo de “One of Us”, el clásico de Joan Osborne. Mientras el agua crepitaba en la cocina, el hombre se entretuvo mirando largamente su rostro en el espejo del baño; posteriormente salió del sanitario, metiéndose la parte superior del pijama dentro del pantalón. En la sala, en la primera plana de un diario formato sábana doblado a la mitad, un hábil delantero festeja congelado mientras el líbero rival continúa eternamente caído en el verde césped de un estadio mundialista. Finalmente, el hombre trajo el café a la mesa. Puso una cucharada y media de azúcar, justo en el momento en que empezó a sonar “Nothing is Real But The Girl”, de Blondie. Sonó el teléfono.

—¿Sí? —preguntó.

—Es hoy —se escuchó del otro lado.

—¿Es hoy? —repreguntó el hombre.

—Sí —obtuvo por toda respuesta.

—Ah, bueno —respondió, y cortó.

El hombre revolvió el café con una pequeña cuchara. Desplegó el diario y comenzó a leer, mientras esbozaba una sonrisa beatífica.

La Renga en Santa Fe: Bomba, bandera y vincha

2004-08-17T19:38:00.000-03:00

Bengalas, bombas de estruendo, tres tiros, estrellitas. Voces que cantan “Argentina, Argentina” y “el que no salta es un inglés”. Cuerpos que se apiñan los unos contra los otros en medio del humo, sin distinciones de sexo, bajo banderas con el rostro del Che Guevara y nombres como Berisso o City Bell. No, no estamos en un piquete del gran Buenos Aires. Lo que pasa es que el pasado sábado 7 de agosto se presentó en nuestra ciudad La Renga, una de las bandas más convocantes de los últimos tiempos, en un podio compartido quizás por Los Piojos o la Bersuit.

La cita estaba prevista para las 21.30. En el mundo del rock, como es sabido, los tiempos tienden a estirarse y, de igual modo, en Santa Fe todo empieza más tarde (tal vez la única doble excepción hayan sido los shows de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota). Aquí al parecer se conjugaron ambos factores y, pese a que Doble Filo, la banda soporte, dejó el escenario alrededor de las 21.50, el grupo principal no pisó el escenario hasta las 23.10. Para mitigar la espera, las cámaras del escenario se regodeaban en mostrar en las pantallas algunas banderas y remeras. Uno de los mejores momentos de la noche fue cuando la multitud silbó a la camiseta de Colón y aplaudió a la casaca tatengue (esto es muy subjetivo, vale aclarar).

Finalmente, como dice el cantito, salió Chizzo (Gustavo Nápoli) y estalló el carnaval. Bajo la formación básica de power trio, junto a Tete (Gabriel Iglesias) y Tanque (Jorge Iglesias), sumando el adorno de los instrumentos de viento interpretados por Chiflo (Gabriel Sánchez, en saxo y trompeta) y de Manu (Manuel Varela, en saxo y armónica), la agrupación de Mataderos presentó su última placa, Detonador de sueños, con temas como “Las cosas que haces”, “En los brazos del sol”, “Un paso atrás” (que fuera presentado el año pasado) o el que da nombre al disco.

Mientras tanto, las pantallas mezclaban el vivo del recital con imágenes alusivas a la letra de cada canción, al tiempo desde el escenario se disparaban unos fuegos artificiales que respondían a la pirotecnia con que la monada celebraba su fiesta.
Cuando la banda se fue acercando a sus temas más clásicos, aumentó el agite popular, aunque sin tanto movimiento como el que Tete hacía arriba: corriendo hasta el borde del escenario y frenando en seco o acostándose y paándose sin soltar su bajo Fender Precission.

Por supuesto, no faltaron “El lugar donde partí”, “El revelde”, “La balada del diablo y la muerte”, “Me hice canción”, y “Veneno”, entre otros clásicos. Luego de más de dos horas y media de poderoso rock, La Renga se despidió, con Chizzo regalando de a puñados las púas con las que había tocado sus tres guitarras Gibson (la Les Paul, la SG y su nueva incorporación, la doble mástil 12-6). Mientras la multitud satisfecha se preparaba para abandonar el Estadio Ángel P. Malvicino, ya con el escenario vacío, desde los parlantes salía “Escalera al cielo”, el clásico de Led Zeppelin: tal vez para bajar de tanta adrenalina.

Keira Knightley: Muñeca brava

2004-08-17T19:28:00.000-03:00

¿Alguna vez habrán pensado nuestras madres que sus hijos perderían el aliento por una inglesita flaquita, chata, disléxica y ligeramente prognata? Seguramente que no. A Keira Knightley parece no importarle. Como damisela en peligro, futbolista varonera o salvaje guerrera bretona, se las ha ingeniado para meterse en el corazón de miles de hombres (y mujeres, valga la aclaración). Introduzcámonos en el mundo de esta muchacha, cuyo talento e ingenio son tan poco ortodoxos como su rara belleza.

Kiera (así se escribe su nombre originalmente) nació el 22 de marzo de 1985 en Teddington, Inglaterra (aunque vivió la mayor parte de su vida en Richmond upon Thames), de la unión del actor Will Knightley y la actriz y dramaturga Sharman MacDonald, quienes ya tenían un hijo, Caleb. “Yo fui una apuesta. Mi mamá estaba desesperada por otro hijo, y mi papá le dijo que la única manera que ellos podrían permitirse el lujo de tener uno era si ella vendiera una obra. Entonces mamá escribió When I Was a Girl, I Used to Scream and Shout”, admitió sobre su nacimiento y el de una de las más célebres obras de su madre.

A la edad de tres años pidió a sus padres que le consigan un agente, pero ellos querían que la nena se concentre en la escuela, ya que a pesar de considerarse un ratón de biblioteca, su dislexia le trajo algunos problemas de lectoescritura. A los once años tuvo su debut en A Village Affair, en 1994. Cinco años más tarde, tuvo su primera participación en un tanque de Hollywood, en Star Wars: Episodio I - La Amenaza Fantasma, como Sabé, la doble/señuelo de la reina Padmé Naberrie Amidala, interpretada por Natalie Portman. “El problema para mí era que estando en la película la magia estaba rota. Yo amé la primera película de Star Wars y mi mamá realmente también, por eso tomé la parte. Pero la Fuerza no estaba allí cuando nosotros estábamos filmándola, y ellos no tenían sables de luz reales, lo cual me irritó”, sostuvo la joven. Una vez maquilladas, ni sus propias madres podían distinguir a Keira de Natalie.

En 2001 protagonizó el telefilm The Princess of Thieves, donde le dio vida a Gwyn, la hija de Robin Hood que sustituye a su padre luego de su muerte. También encarnó a Frances “Frankie” Almond Smith en The Hole, en la que (a los 16 años) realizó su primer desnudo. “Me dijeron que yo no tenía que hacerlo, pero yo dije, 'No, es una escena bonita, nosotros tenemos que hacerlo'. Es extraordinario que puedas causar un alboroto sacando tus tetas fuera”, ironizó al respecto. Pero luego agregó: “No tengo un problema con mi cuerpo. No voy a sacarme la ropa así nomás, pero si la parte lo requiere y no parece haber ninguna otra manera, está todo bien”.

Ese mismo año fue seleccionada por la directora indobritánica Gurinder Chadha para ser Juliette “Jules” Paxton en la cinta independiente Bend It Like Beckham (aquí conocida como Jugando con el destino), estrenada en 2002, haciendo dupla con Parminder Nagra, quien (sólo en principio) fue la que llamó la atención de la crítica. Ambas debieron recibir entrenamiento futbolístico durante tres meses y, aunque recibieron varios golpes fuertes, se resistieron a utilizar dobles. Sin embargo, Keira diría más tarde: “yo pensé que habría dobles —dobles de riesgo— y yo simplemente correría para los primeros planos, pero desgraciadamente ellos no tenían el dinero para eso”.

La película dio la vuelta al mundo y atrajo la atención del productor Jerry Bruckheimer (quien estuviera detrás de Pearl Harbor), que la convocó para ser Elizabeth Swann en Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra (estrenada en 2003) actuando junto a Johnny Depp y Orlando “Legolas” Bloom. Allí le pusieron un corsé. “Yo tenía una cosa de Scarlett O’Hara, ella tiene su cintura por debajo de las dieciocho pulgadas y media, por lo que pensé en probar eso. Durante cinco minutos es fantástico, tenés esta cintura diminuta y una fantástica hendidura en el busto, ¡pero la falta de oxígeno es un gran problema!”.

Mientras los piratas derrotaban en las taquillas a Terminator 3 y Legalmente rubia 2, Bruckheimer la fichó para Rey Arturo, la versión historiográfica del mito que el director Antoine Fuqua estaba preparando. “¡Wow! Belleza clásica, imagen clásica y actuación clásica. Algo simplemente pasó”, dijo el moreno cineasta, luego de ver sus primeras audiciones.

En la cinta interpreta a Guinevere (Ginebra) guerrera picta que seduce a Arturo y lo convence de que luche por Bretaña contra los sajones. Lejos de aquella sensual “tomboy” futbolera que la hiciera famosa, aquí su lánguido metro setenta se convierte en un arma asesina al frente de los despiadados Woads (así llamados por pintarse se la cara con la tintura de la planta homónima, el glasto; por eso también se los llama pictos), empuñando el arco y la espada, que Keira aprendió a manejar de manera sorprendente. Devenida morocha, comentó que “ahora me siento menos rubia y, eh, ¡más inteligente!”.

Entremedio de ambas superproducciones, la Knightley se hizo un tiempo para participar de Love Actually (Realmente amor), película británica escrita y dirigida por Richard Curtis, con muchas subtramas y un superelenco que incluyó a Bill Nighy, Colin Firth, Liam Neeson, Emma Thompson, Hugh Grant, Laura Linney, Alan Rickman, Billy Bob Thornton y Rowan Atkinson, entre otros. Allí le dio vida a Juliet, objeto del deseo del mejor amigo de su flamante marido (quién no sintió bronca y lástima en esta historia, quién no se enamoró de Keira en esta película... bah, eso agrego yo. Pero así soy de susceptible... Son epifanías, como ver a Sandra Bullock en Mientras dormías o a Winona Ryder bailando en la nieve en El joven manos de tijera, bonita gentileza de Tim Burton). “Nosotros teníamos casi hecho todo lo de nuestra boda y nos sentíamos como las estrellas del show, entonces de pronto tenés todos estas otras personas con tramas y pensás: excúseme, yo sé que usted es Alan Rickman pero salga de mi película, por favor, gracias”.

Entre los reconocimientos obtenidos por la niña, se cuentan los de Mejor principiante para los premios 2003 del Círculo de críticos de Londres y el Premio ALFS para el Principiante británico del año para los premios de cine de la misma institución; asimismo compartió con Parminder Nagra el premio a la Mejor Actriz en el Festival Internacional de Bordeaux de Mujeres en el Cine.

En estos momentos está filmando Orgullo y prejuicio (basada en la novela de Jane Austen), donde interpreta a Elizabeth Bennet (la vivaz protagonista), mientras se prepara Piratas del Caribe 2. Entre tanto, se acaba de mudar con seis amigas a un departamento en Londres, desde el cual hincha por el Westham United, mientras escucha a Eminem y Nirvana. A la hora de la comida, se inclina por la italiana, y considera que “picar verduras es terapéutico”. Flaquita como es, sostiene que “el sólo pensar en una dieta me hace querer papas fritas y helado”.

Admiradora de Katharine Hepburn y Vivien Leigh “por su perseverancia”, una de las cosas que caracteriza a “KK” son sus comentarios ácidos, sobre el trabajo y los compañeros, al punto de ser considerada por muchos un ejemplo del ingenio anglosajón. Por ejemplo, es capaz de decir, luego de una sesión fotográfica, “soy una puta en estas fotos, y debo ser una muy cara, porque estoy quedándome en el Ritz, lo que es bueno”. Con su busto escueto, su labio inferior por delante del de arriba y su mentón prominente, a nuestra grácil heroína nunca se le pasó por la cabeza hacerse una cirugía estética. “Pienso que son las imperfecciones en las personas las que los hacen perfectos. Yo no encuentro las caras perfectas muy interesantes”.

La Royal Shakespeare Company de Stratford upon Avon (la patria del Bardo) sostuvo una votación este año en la que les pedía a los espectadores que votaran por el actor y la actriz que ellos amarían ver en la obra Romeo y Julieta, y los ganadores fueron Knightley y James Marsters (Spike en Buffy la Cazavampiros). Más de 2.000 personas votaron por más de 150 actores diferentes para ambos papeles. Keira triunfó por encima de Kate Winslet, Nicole Kidman, Scarlett Johansson (la de Perdidos en Tokio), y Juliet Landau (Drusilla en Buffy). “Estoy absolutamente emocionada por haber llegado a la cima de la votación, particularmente cuando Julieta es un papel que realmente amaría interpretar en el futuro”, opinó.

Keira no acostumbra navegar por Internet, así que no toma dimensión del efecto que ha causado en los hombres... a pesar de haber salir primera entre las 50 celebridades más bellas de 2004 para la revista New Woman y la más glamorosa actriz de cine para la revista Glamour en el mismo año. Sin embargo, ella ha dicho: “aprendí bastante temprano a nunca leer cualquier cosa escrita sobre vos. Yo desconozco la mayor parte de eso, y esa es la manera en que me gustaría mantenerlo”. Así que (snif-snif) seguramente tampoco le importe mucho esta nota...

CONVIVIR, muestra de fotos de Eloísa Yankelevich

2004-08-05T14:18:00.000-03:00

Cuando el viernes 16 de julio alguien dijo “vamos a Casacueva, que se presenta la Elo”, más de algún desprevenido habrá soñado con que la Electric Light Orchestra iba a hacer acto de presencia en el local de Laurencena 306, en la ciudad de Paraná, al ritmo de “Last Train to London”.

Pero no. Con la organización y el auspicio de Menos Que Cero, fanzine cultural, se presentó la muestra de fotos CONVIVIR, que exhibe trabajos recientes de Eloísa Yankelevich. La joven artista, oriunda de Paraná, reside actualmente en Buenos Aires donde estudió Dirección de Fotografía Cinematográfica. Pero en esta ocasión volvió a su ciudad natal a mostrar una serie de trabajos íntimos e intimistas, plenos de luz y color, luego de años de trabajo en el especial terreno del blanco y negro. La consigna fue precisamente explorar el terreno cromático, con trabajos que en ocasiones obligan a forzar la imaginación para descubrir qué carajo son en realidad esos objetos deformados por la lente y la mente de la autora para convertirlos en un puñado de imágenes sugerentes.

Según Maxi Sanguinetti, cabeza de Menos que Cero, “la noche de la muestra de Elo estuvo, para nosotros que no somos nada objetivos, buenísima. A pesar del frío, todo comenzó a horario y mucha gente se apropincuó a Casacueva. Por supuesto que fueron los familiares y amigos de la fotógrafa, pero también se acercaron otros ojos que nada conocían de la artista... según anduve indagando entre la muchedumbre, la mayoría (pues no puedo dar fe de haber escuchado absolutamente todas las opiniones) estaba gratamente sorprendida, y varios quisieron comprar obras. ¡Y también Menos Que Cero!”.

La homenajeada aprovechó para conversar con los presentes sobre las características de las obras presentadas (19 imágenes tomadas en 35 mm color, elegidas de entre una veintena de rollos por Eloísa junto a Florencia Bárbara Penna) y también para narrar ante quien quisiera escuchar sus andanzas en el mundo de la producción audiovisual capitalina. Como por ejemplo su participación en el videoclip de “No love, no sex” de Leticia Brédice (ya de por si una reunión cumbre Yankelevich-Brédice asusta a muchos...). Por cierto, la protagonista de Nueve reinas interpreta en su nuevo ciclo, Locas de amor, a una fotógrafa que acaba de salir de un neuropsiquiátrico (bueno, de eso la Elo viene zafando...).

Recordemos que Eloísa (sobrina lejana de Gustavo Yankelevich, para quienes gusten de las genealogías) fue co-guionista, junto a Hernán Morales y Francisco Corral, de ¿Qué es el cielo?- Un ensayo sobre David Kohon, cortometraje documental del año 2001 sobre el cineasta argentino David José Kohon, una de las figuras de la Generación del 60, director de Prisioneros de una noche y Tres veces Ana.

“Las 19 imágenes que conformaron esta exposición de vívidos detalles, generó comments aquí y allá: ‘son re Elo’; ‘son re poéticas’; ‘las sacó en digital... no, no, en 35, en 35’; ‘son luminosas’, ‘hay algunas muy orientales’; ‘todas son re zen’; ‘estoy enamorada de la muestra’...”, definió uno de los organizadores del evento, mientras apuraba el último trago de su vaso de vino, ese mismo vino que fuera ofrecido en la “vernissage” y que en el trasnoche los presentes cambiarían por la cerveza.

Las fotos quedaron en exposición en Casacueva hasta el 6 de agosto, con entrada libre y gratuita. Y los participantes de la inauguración no tardaron en partir hacia otros destinos, a seguir la fiesta en otros lugares. Pero eso ameritaría otra nota, en otro momento, en otro lugar...

Amber Tamblyn: De la mano de Dios (nueva versión)

2004-08-05T14:10:00.000-03:00

Es la protagonista de la serie Joan of Arcadia, en la que interpreta a una adolescente común... hasta el día en que se encontró con Dios en un colectivo. Su vida es tan poco ordinaria como su personaje de ficción.

Amber Rose Tamblyn nació en Santa Monica, California, el 14 de mayo de 1983, y comenzó a actuar a la edad de cinco años en una escuela teatral en California del Sur. La escuela, llamada SMASH, no representa la onomatopeya de un golpe, sino que se trata de la Santa Monica Alternative School; la misma es un centro creativo estrictamente para las artes, el cual tiene en el teatro su foco principal. Durante sus nueve años asistiendo a SMASH (desde jardín de infantes a octavo grado) actuó en más de 13 obras, incluyendo su protagónico en Pippi Longstocking en cuarto grado. Pronto averiguaría que ser Pippi era el principio de su carrera real en el negocio del entretenimiento.

La vieja amiga de la familia (y agente artística) Sharon Debord, tuvo el mérito de descubrirla: luego de ver la obra, al instante la impulsó a presentarse a unas audiciones. El padre de Amber, que también está en el ambiente (es el actor Russ Tamblyn, de Westside story, Seven Brides for Seven Brothers, Tom Thumb y Twin Peaks) fue al principio cauto con permitir a su hija de nueve años entrar en una línea de trabajo tan arriesgada e inconsciente, pero finalmente cayó en el acoso de Sharon. Ya que estamos hablando de su familia, tengamos en cuenta que su madre, Bonnie Tamblyn, se desempeña como cantante y artista: así se vuelve obvio de dónde viene la vocación artística de la niña.

Y Sharon tenía razón. Amber desembarcó en sus primeros tres papeles en materia de meses. Empezando con una película pequeña llamada Live Nude Girls, protagonizada por Dana Delany (en el que interpretó a la joven Jill), luego fue Deb en una película independiente titulada Biker Poet en 1994. Entonces, en el invierno de ese año, encontró un papel corto en General Hospital (Hospital General) de ABC, que continuó durante los siguientes siete años.

Durante su carrera como la huerfanita Emily Bowen-Quartermaine, recibió premios de los reporteros de Hollywood dos años seguidos como la mejor actriz joven en una serie diurna, y recibió el aplauso de los críticos en todas partes, alabando su “talento actoral innato que supera a muchos actores que la doblan en edad” (Soap Opera Digest). A los 17, había completado más de 600 episodios para esa novela.
Terminó su segunda película, Johnny Mysto: Boy Wizard a la edad de doce años; allí interpretó el papel de Sprout (retoño), y compartió el protagonismo con su padre. A los 17, después de cinco años de enfocarse en Hospital General, decidió volver atrás en el juego actoral y comenzó a audicionar de nuevo. Rápidamente consiguió encabezar un piloto para la Warner Brothers, titulado No Ordinary Girl, escrito por Bob Brush (autor de The Wonder Years/Los años maravillosos).

Después de ser obligada a resignar varios papeles cinematográficos debido a su frenético cronograma en Hospital General, resolvió irse cuando su contrato expiró en la primavera de 2001. Durante el siguiente año logró numerosos papeles: fue protagonista invitada en Buffy la Cazavampiros, otro tanto en Boston Public, hizo el protagónico en otro piloto para la Warner Brothers (Prep), filmó un corto escrito y dirigido por Wim Wenders y fundamentalmente participó del film de DreamWorks The Ring (aquí conocido como La llamada), dirigido por Gore Verbinski. También tuvo a su cargo el papel principal para el primer episodio de la nueva era de The Twilight Zone (La dimensión desconocida), intitulado “Evergreen”, en el que interpreta a Jenna, una adolescente punk rocker con una actitud áspera, a quien sus padres tratan de educar con particular “rigor”.

Finalmente, el proyecto que la lanzó a la consideración del gran público es Joan of Arcadia, de Sony para CBS Television; esta serie, centrada en la vida de la estudiante de secundaria Joan Girardi (una especie de Juana de Arco posmoderna), se estrenó en Estados Unidos el 26 de septiembre de 2003, y ha desembarcado en nuestro país de la mano de la señal de cable Sony... pero eso ya es historia reciente.

La teoría que Amber practica es nunca engancharse del todo con la actuación, y hasta ahora, no lo ha hecho. Así, sostiene que “si usted realmente quiere hacerse actor, debe realmente pensar sobre todo lo que viene con ello. Mi consejo es hacer de la actuación su segunda opción de carrera (escribir es mi primera opción). Y si usted lo hace un buen tiempo, entonces puede volverse la primera, pero sería una mala idea simplemente juntar todo e irse a Hollywood, e intentar conquistar el mundo”.

Cosa bastante rara en la televisión americana, Amber fue nominada (en una industria que suele esperar al menos tres años para reconocer un nuevo programa en cualquier categoría) para un Emmy como Mejor actriz en una serie dramática, contra Jennifer Garner, Mariska Hargitay y la multipremiada Allison Janney; mientras que Joan of Arcadia fue nominada como Mejor serie dramática, frente a tanques consagrados como Los Soprano, CSI, 24 y The West Wing. Sin embargo, se hizo tiempo para ser nominada para dos Teen Choice Awards (Mejor actriz dramática en TV y Rostro nuevo preferido) y para filmar en Vancouver la película juvenil The Sisterhood of the Travelling Pants.

Pero la muchacha también (como corresponde, como deberíamos hacer todos) se hace un tiempo para la política. A diferencia del irreverente Michael Moore, que eligió no apoyar abiertamente la fórmula Kerry-Edwards, la actriz se inclinó hacia el partido del burrito declaradamente, y fue oradora en la Convención Nacional del Partido Demócrata, en los días 25 y 26 de julio. Sin embargo, más allá de la cuestión partidaria, Amber está apoyando la participación de los jóvenes en la elección, junto con el sitio “Rock The Vote”. Para ello, filmó un spot junto al director de videoclips David La Chapelle, que simula una publicidad de comida para perros pero donde la apatía termina convirtiéndola en un perro con bozal.

Además, ha difundido en su web site oficial (Amtam.com) el siguiente mensaje: “No importa cuál sea su partido político, votar sobre los temas nunca debe ser partidario. Menos de la mitad del país votó en la última elección presidencial. La parte triste es que no es difícil averiguar sobre los temas que son importantes para usted como americano y qué candidatos apoyan sus creencias. (...) Las elecciones de 2000 probaron que ese voto cuenta, y verdaderamente una de las herramientas de acción positivas que tenemos para hacer una cambio inteligente. Si usted navega online, lee libros, mira televisión o escucha radio, es muy simple no sólo registrarse para votar, sino también aprender sobre las cuestiones al alcance de la mano. Por favor: ¡vote por temas, no por partidos! ¡Vote su conciencia!”.

A pesar de todo esto, la Tamblyn es una chica como cualquier otra: mide 1,70 m, su figura no es la de una top model, es aracnofóbica, supo tener una rata como mascota, es fanática de la cantante folk Ani DiFranco y... es bonita, simpática y talentosa. Se destaca en todo tipo de actividades creativas y ama el canto, el baile y el teatro tanto como trabajar delante de la cámara. Pero fundamentalmente le gusta escribir poesía y ya ha sido editada en publicaciones especializadas, como las revistas de San Francisco Cups y Poetry USA y ha publicado de manera independiente dos libros de poesía, Of the Dawn (Del alba) y Plenty of Ships (Multitud de barcos); recientemente firmó con Simon and Schuster para lanzar su primera antología de poesía en una editorial grande.

Compartamos el poema que le da nombre al primer libro:

tiempos rápidos
corriendo dentro y fuera de mi templo
transportando la gloria
de una juventud
y la verdad no siempre se mantiene verdadera
pero una mentira siempre es una mentira.
tiempos pasados
salpicando los dedos de sus pies
en mi espejo
mi reflejo penetrando
un pensamiento más profundo
así que
ayúdame
Dios
estoy perdiéndolo de nuevo.
sin tu mano para guiarme
sin una palabra para predicar
y todavía yo me empequeñezco
estando de pie en la superficie
del alba.

Hablando de Dios, la música de apertura de Joan of Arcadia no es otra que “One of Us”, de Joan Osborne, en la que su autor, Eric Bazilian (guitarrista de la banda de Osborne), se pregunta “¿Y si Dios fuera uno de nosotros? / ¿Sólo un patán, como uno de nosotros? / Sólo un extraño en un ómnibus, tratando de llegar a casa”. Parece ser que, como se dice habitualmente, Amber Tamblyn tiene un Dios aparte... al menos en la televisión, donde todo puede suceder.

Santa Fe Muestra 4: Donde respira el séptimo arte

2004-07-04T20:13:00.000-03:00

Entre el 2 y el 13 de junio se realizó la cuarta edición de la Santa Fe Muestra, el ya tradicional evento anual que recoge parte del material que quedó en el país del Buenos Aires Festival de Cine Independiente (BAFICI), el cual celebró en 2004 su sexta entrega. Más de veinte película en doce días deleitaron al público que se acercó a la sala del Cine América, sede del Cineclub Santa Fe, que junto a la Secretaría de Cultura de la Universidad Nacional del Litoral asisten al Grupo Santa Fe Muestra en la organización. Mucha producción nacional y un claro predominio del documental sobre la ficción, fue parte de lo que se vio a lo largo de diez mágicas lunas.

Según Paulo Ricci, miembro del Grupo organizador, “esta cuarta edición quizás sea una de las más completas en cuanto a la calidad de las películas que se van a poder ver, y también la más larga de las ediciones que hemos hecho, para poder repetir algunas películas, que antes no lo podíamos hacer, y para poder contar con mayor cantidad de películas. Esas son las dos características sobresalientes de este año”. Para una de las caras visibles de la Muestra, junto a Marilyn García, Ezequiel Nieva, y Paula Niklison, la tarea es hacer “una especie de rescate de lo que quedó en el país y no volvió a su lugar de origen de lo que es ese festival enorme, en el que se pudieron ver más de 200 películas. Nosotros lo que tenemos es una pequeña muestra de algunas cosas que estuvieron en ese festival. Tratamos de que sea lo mejor, obviamente no queda todo pero creemos que muchas cosas de las que están viniendo son una buena alternativa para ver cine que no se va a ver en la Argentina porque no tiene estreno comercial”.

La lista de las películas exhibidas es extensa, de tal modo que sólo haremos aquí un sucinto repaso de lo más destacado del material.

El film que sirvió de ávant-premiére de la Muestra fue Whisky Romeo Zulú, de Enrique Piñeyro, quien fuera productor y actor en Garage Olimpo, inspirada en el accidente de LAPA de 1998 (“Whisky Romeo Zulú” era el nombre del avión siniestrado). Más allá de la buena factura fílmica y de las capacidades del elenco (encabezado por el director, con la compañía de Mercedes Morán, Alejandro Awada y Carlos “Dominicci” Portaluppi), se destaca por su carácter autobiográfico, porque Piñeyro fue piloto de LAPA y renunció dos meses antes del accidente, denunciando fallas en las medidas de seguridad. Luego decidió que su primer largometraje tenga que ver con esa tragedia, y su personaje está inspirado en... él mismo, por supuesto. El realizador, ganador del Premio del Público en el 6° BAFICI, reconoció haber dejado muchas cosas terribles afuera, porque “no hubiera sido creíble”.

Una de las películas más esperadas era Los Angeles Plays Itself, del norteamericano Thom Andersen, maniático historiador del cine que mediante un abrumador archivo visual dedica casi tres horas de celuloide a mostrar de qué modo Hollywood construyó una imagen ficticia de la ciudad de Los Angeles, aunque va más allá y recorre desde los arquitectos favoritos de la “Meca del Cine” hasta la genealogía de los más fotogénicos edificios de la ciudad que se niega a llamar “L.A.”. Interesante... aunque daba para cortarla en dos partes al estilo Kill Bill.

Todos los años se incluye alguna retrospectiva, y este año le tocó a Alexander Sokurov, director de El Arca Rusa (no me jodan, no me van a convencer de que es una sola toma, hay trampa), de quien se proyectó Sonata for viola - Dimitri Shostakovich, cinta de 1980 que retrata la vida del compositor y muestra cómo con pocos recursos (archivo fílmico y discos, básicamente, aunque con alguna perla documental) se puede hacer excelente cine, en el que la imagen y la obra musical cooperen y no se anulen mutuamente (cosa que tendrían que aprender algunos directores locales).

Los documentales fueron la sorpresa, como por ejemplo The revolution will not be televised, de Kim Bartley y Donnacha O’Briain, que nació como un pintoresco retrato del presidente venezolano Hugo Chávez, y por la fuerza de las circunstancias se convirtió en un valiosísimo testimonio sobre el fallido golpe de Estado que sufrió, que para algunos recuerda a la denominada “Revolución Libertadora”. Otro documental aplaudido fue The Big Durian, de Amir Muhammad, periodista y cineasta malasio que, a partir de un incidente con un soldado desequilibrado que disparó contra la multitud en Kuala Lumpur, desentraña la maraña política y étnica que divide a la sociedad malasia. Pero sin lugar a dudas el film más celebrado dentro de la no ficción (lo mejor de la Muestra, para algunos) fue S21: The Khmer Rouge Killing Machine, producción francesa del camboyano Rithy Panh, quien apela a una especial apertura de criterio para permitir a los guardianes de un chupadero del Khmer Rouge contar las vicisitudes de la vida dentro de la prisión, frente a frente con un impertérrito ex prisionero. Lo más increíble es el modo en que los carceleros vuelven a aquellos momentos en que eran adolescentes, y reconstruyen con pantomimas las macabras prácticas del régimen.

Dentro de lo más novedoso de la ficción y del producto nacional se encuentra Una de dos, ganadora de la sección “Lo nuevo de lo nuevo” del BAFICI. Esta obra de Alejo Hernán Taube es hija del corralito que atrapó los fondos para la realización de otro film que nunca se hizo, y por eso derivó en un relato suburbano ambientado en los aciagos días de diciembre de 2001. Protagoniza Jorge Sesán, firme en el papel de “negro rubio” que lo hizo célebre en Pizza, birra, faso y Okupas.

Pero tal vez la más original haya sido El amor (primera parte), de Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre y Juan Schnitman. Estos cuatro valientes se atrevieron a filmar sin el INCAA, contando la historia de una pareja desde su inicio (o antes, incluso) y su ruptura, apelando a una diversidad de recursos narrativos que en ningún momento distraen de la narración: así se puede ver la infatuación “en clave Miroli”, o la vida sexual expuesta como una colección de diapositivas, o la incomunicación final a través de los mensajes cruzados en el contestador. Por supuesto, el humor es parte de esta tragicomedia del amor romántico.

No faltaron por supuesto las películas sorpresa, y dentro de éstas la más llamativa fue la que cerró el festival, End of the Century, en la que Michael Gramaglia y Jim Fields desnudan todas la vida íntima de The Ramones, la banda que salió de Forest Hills para revolucionar al anquilosado rock and roll al rimo de tres aceleradísimos acordes y poderosas canciones. “Al final Johnny era un garca”, musitó un fan ramonero al descubrir la relación marital del guitarrista y referente republicano con Linda Danielli, la ex novia del extinto vocalista Joey.

Así pasó la edición 2004 de la Santa Fe Muestra, cuyo material siguió camino hacia otros destinos, como lo son Rosario y Paraná. Sólo resta esperar al año próximo, cuando los fabricantes de sueños vuelvan a encender su maquinaria mágica, para mostrarnos en la pantalla algunos retazos de humanidad.

Minerales, pero no de piedra

2004-06-28T14:05:00.000-03:00

Posiblemente Mineral sea una de las bandas con mayores posibilidades de ingresar en el panteón de las grandes bandas santafesinas. Los Cabezones son los únicos que lograron ingresar al mainstream musical en el ámbito nacional y continental, y aunque Carneviva no pudo (estuvo cerca de lograrlo) es la banda de culto por antonomasia de Santa Fe y alrededores; por supuesto, allí también está La Cruda, el fenómeno más joven pero ya con varios años de militancia en los escenarios.

Mineral eligió el Día de la Bandera y Día del Padre para demostrar que no son ningunos cascotes y concretar el tan prometido Acústico/Eléctrico, retrasado más de un mes por algunos problemas de salud del bajista “Luli” Molinas. La idea fundante del proyecto era la de invitar a varios músicos amigos para preparar un concierto en el que todos fueran por una noche miembros del grupo, para lo cual trabajaron esmeradamente en el arreglo de los temas de la banda. Terminada la primera parte, apta para las madres de los integrantes, estaba previsto un segmento eléctrico donde los invitados se fueran alejando paulatinamente y la formación estable pudiera hacer patente toda su potencia mostrando de paso algunos temas nuevos, de los que están preparando para grabar en su próximo material discográfico.

Y los muchachos cumplieron las expectativas propias y del público. Aunque estaba previsto para las 23, el mal tiempo y la impuntualidad santafesina conspiraron para llevar el inicio del evento hasta más allá de la medianoche, cuando los presentes (muchos de ellos miembros de la movida musical local) dejaron de degustar la bebida auspiciante para colmar el Auditorio de la Asociación de Trabajadores del Estado, para encontrarse con un show refinado que contó con la presencia de integrantes de bandas destacadas como Sr. Brass o Sig Ragga Naurú.

Más de una hora y media después, los muchachos dejaron el escenario invitando a los presentes a seguir el encuentro. Todo indica que el futuro se muestra promisorio para Bruno, Gentile y compañía: esperemos que el público acompañe.

He aquí algunas apostillas del recital:

Mineral (habituales): Hernán Bruno en voz, Mariano Toledo en guitarra y coros, Baltasar Romero en guitarra y coros, Ricardo Luli Molinas en bajo y coros y Guillermo Gentile en batería.
Mineral (invitados): Ruy Gatti (armónica), Sebastián Ferreira (contrabajo), Alejandro Galetto (violín), Franco Bongioanni (mandolina), Gustavo Cortés (piano), Santiago Constanza (trompeta), Pepi Dallo (trompeta) y Gerónimo Cabral (percusión).
Temas del Acústico: “Es difícil controlarlo”, “Dejame un vuelto”, “Vanidad”, “Salim”, “Ironía de este lado”, “Inquietud”, “Olvido”, “Arena para el jeque”.
Temas del Eléctrico: “Visualizar”, “Vestir”, “Se derrumba en mí”, “Cemento”, “Te invito a soñar”, “Por última vez”, “Daria”, “Temporal”, “Ceguera” (fuera de programa), “Hey!!!”.
Regalito copado: los forritos de El Camaleón, empaquetados como si fueran golosinas.
Regalito poco copado: el fernet con cola Naran Pol, que para algunos tiene sabor mentolado y para otros te puede dejar ciego.
Lo que hacían todos: tomar ingentes cantidades de fernet con cola Naran Pol.
Dato curioso: el Guille Gentile ensayó toda la semana para este show y para el de Peras de Olmo del día anterior, con lo que se recibió de obrero del rock.

Histórico: Franja Morada perdió la conducción de la FUER, que quedó en manos de los independientes

2004-06-28T13:56:00.000-03:00

En el XVII Congreso Ordinario de la Federación Universitaria de Entre Ríos (FUER) que sesionó ayer en la Facultad de Ciencias Económicas de Paraná, el "Frente de Estudiantes Independientes" impuso su candidato en la elección y logró quedarse al frente de la Federación, que estuvo presidida por Franja Morada ?el brazo universitario de la Unión Cívica Radical (UCR)- desde el retorno de la democracia. De esta forma, el representante estudiantil del Centro de Económicas Independientes, Matías Carrasco, es el nuevo presidente de la FUER.

El denominado Frente de Estudiantes Independientes se impuso en las elecciones de nuevas autoridades de la FUER, frente a la Corriente Estudiantil Popular Antiimperialista (CEPA), y a Franja Morada, y como consecuencia de esto consiguió quebrar la histórica hegemonía de la Franja Morada, el brazo universitario del radicalismo, al frente de la Federación.

Así, el próximo pe ríodo de la FUER -conformada por todos los Centros de Estudiantes dependientes de las Facultades de la UNER distribuidas en toda la provincia- estará presidido por el dirigente del Centro de Económicas Independientes, Matías Carrasco, en reemplazo del dirigente de Franja Morada, Gonzalo Tentor.

El Frente de Estudiantes Independientes que triunfó anoche y se quedó con la conducción de la FUER, estuvo integrado por los congresales independientes y de la Juventud Universitaria Peronista (JUP), quienes acompañaron la propuesta con el voto de sus 20 congresales. En segundo lugar se ubicó la CEPA, que durante la jornada logró aliarse con el centro de estudiantes de la Facultad de Bromatología, y en tercer y último término estuvo Franja Morada, a quien únicamente le quedan dos facultades por conducir. Atrás quedaron las épocas en que ganaban ampliamente la FUER y se quedaban con las elecciones de los centros de estudiantes de las diferentes facultades de la UNER.

(Análisis Digital)

Proyecto del Frente de Agrupaciones Independientes para FUER

2004-06-25T13:57:00.000-03:00

Este proyecto fue elaborado por la Agrupación Independiente ATAHUALPA y por el CEI (Ciencias Económicas Independiente) para el Congreso de la Federación Universitaria de Entre Ríos (FUER) a llevarse a cabo el sábado 26 de junio de 2004.

Fundamentación (Marco Teórico):

Las agrupaciones que integran el Frente nos consideramos por definición Independientes. Entendiendo ésto más allá de la independiencia de estructuras políticas externas a la Universidad, y considerando la independencia como una manera de pensar y vivr la política democrática y horizontalmente. Ser independientes y apartidarios no significa ser “apolíticos”, sino que nuestro objetivo es que “lo ideológico” surja del trabajo conjunto en torno a cuestiones concretas, de las tantas que nos afectan, sin banderías ortodoxas y arcaicas que dividan la participación del estudiantado.

Ante el vaciamiento ideológico y el “secuestro” de las instituciones, el Frente Independiente se propone recuperar el espacio de la Federación Universitaria de Entre Ríos (FUER), para que ésta cumpla su verdadero rol: defender la Educación Pública, Gratuita y Cogobernada, trabajando por, para y desde los estudiantes, todos los días.

Escenario Nacional:

La Argentina atraviesa hoy una de las crisis más graves de nuestra historia, con niveles de pobreza inimaginables; donde miles de personas han perdido sus derechos constitucionales, tanto sociales como políticos, obtenidos en largas y cruentas luchas.

La Universidad Pública Argentina se ha sumado a este paradigma asimilando la lógica de la oferta y la demanda, mercantilizando la educación y descartando la pluralidad del conocimiento y la construcción de sujetos críticos capaces de transformar la realidad que los rodea.

Por todo esto, la universidad debe recuperar su rol de transformar la realidad posibilitando una permanente movilidad social ascendente. Para lo cual es imprescindible terminar con el modelo de exclusión implementado desde 1976 y consolidado por los gobiernos democrático anteriores. Es imperativo promover la industrialización del país, la distribución equitativa del ingreso, la incorporación de prácticas democráticas genuinas que concluyan con el clientelismo político.

Situación Provincial:

El gobierno actual, a pesar de ser nominalmente opuesto al anterior, no promete modificar las condiciones materiales concretas de la demanda popular y ciudadana, más allá del tradicional recambio de nombres partidarios a cambio de favores políticos.

En este marco, continúa la precaria situación de la Universidad Autónoma de Entre Ríos (UADER), que sigue atada a los vaivenes de la política provincial, sin llegar a ser definitivamente “Autónoma”. Además de la problemática que atraviesa la UADER no podemos dejar de observar la inestabilidad que atraviesa nuestra universidad en todos los órdenes, padeciendo los estudiantes, los manejos de quiénes tienen intereses que distan de ser los de la gran mayoría.

Acciones Concretas para la Federación Universitaria de Entre Ríos (propuestas):

1. Reformar el estatuto vigente de la FUER.
2. Crear una Mesa Coordinadora donde todas las agrupaciones participen en igualdad de condiciones.
3. Puesta en marcha del Comedor Universitario, tantos como sean necesarios por considerarlos como un espacio imprescindible para los estudiantes.
4. Implementación de Becas y Boletos Estudiantiles. Para que la federación respalde a aquellos estudiantes que más ayuda necesitan.
5. Revisar y corregir los Planes de Estudio de las diferentes carreras nucleadas por la UNER, con el fin de que los contenidos dictados por las carreras sean de acuerdo a los tiempos que corren y posean la mejor calidad posible.
6. Asegurar una actividad de extensión real para garantizar la participación y un compromiso genuino para con la sociedad.
Cabe destacar que nuestro proyecto se encuentra abierto a todos aquellos aportes o sugerencias que otras Agrupaciones deseen aportar al Frente de Agrupaciones Independientes.

Para poder llevar a cabo dicho proyecto las agrupaciones que nuclean este frente creen necesario producir un cambio real y efectivo en la conducción de la máxima entidad de representación en el ámbito provincial (FUER). Y para ello decidimos presentar una propuesta propia, abierta y participativa; cuyas bases fundamentales y esenciales son:

 Independencia: Para evitar estar ligados a ningún partido, gobierno y estructura política que pueda representar un factor condicionante en el desempeño en la toma de desiciones.

 Pluralidad: Para unir a todos los estudiantes en pos de objetivos prácticos comunes.

 Iniciativa y Voluntad: Para que el sentido de la representación se funde en la realización de hechos concretos y palpables que sirvan para un mejor desenvolvimiento cotidiano de los alumnos de cada facultad.

 Vocación de Servicio: Para que no existan ni sean posibles proyectos de intereses particulares.

Así quedan expuestos nuestros ideales y motivaciones, con el fuerte convencimiento de que se pueden lograr muchas cosas importantes desde la FUER. Y teniendo en cuenta que no es el único lugar u órgano desde el cual se puede trabajar por, para y desde los estudiantes.

Emma Watson: La piba de oro

2004-06-21T19:13:00.000-03:00

Vamos a lo concreto: Emma Watson es la novia de catorce años con la que todos soñamos cuando teníamos dieciséis (o catorce, o quince, o diecisiete, no modifica la imagen literaria que estoy intentando esbozar; no sea tan exigente, amigo lector). Más allá de eso, promete ser una de las nuevas estrellas de la pantalla grande. Así que anoten este nombre, que seguramente lo oirán muchas veces...

Emma Charlotte Duerre Watson (Em, para los amigos) nació en Francia el 15 de abril de 1990, donde tres años después nacería su hermano Alex; recibió ese nombre largo en honor a su abuela paterna. Cuando tenía cinco años sus padres, Jacqueline y Chris, de profesión abogados, se mudaron a Oxfordshire, Inglaterra, donde creció hasta alcanzar el metro sesenta y cinco que luce ahora, y su madre le trenzaba el cabello rubio oscuro (aunque luce castaño en las películas que la han hecho famosa). Aquel Halloween en que decidió disfrazarse de bruja ni se le cruzó por la cabeza que volvería mundialmente conocida en la piel de la poderosa, mandona y nerd Hermione Granger... “¡Era increíble verme como un muñeco articulado! ¡En unos meses, los niños pequeños en todo el país estaban mordiendo mi cabeza!”, comentó sobre su fama repentina.

En la escuela, protagonizó varias obras teatrales, incluyendo Arturo: Los Años Jóvenes (como Morgan la Fay), El Príncipe y la Golondrina (como el pajarito de marras), Alicia en el País de las Maravillas (como el cocinero enojado) y El Príncipe Feliz. Junto con las obras, Emma participó en muchas otras producciones escolares, incluyendo el Concurso de Poesía Daisy Pratt en el cual obtuvo el primer lugar a los siete años. Harry Potter y la Piedra Filosofal (2001), fue el debut de Emma en el mundo de la actuación profesional. Luego vendrían Harry Potter y la Cámara Secreta (2003) y Harry Potter y el Prisionero de Azkabán (2004).

Tuvo que competir contra muchas otras chicas para obtener el papel de Hermione, aunque no esperaba conseguirlo. Los responsables de la oficina de casting desembarcaron en su Escuela Primaria de Oxford, en la cual por cierto usa como uniforme un jumper amarillo (en este momento algún lector con inclinaciones pedofílicas seguramente estará “suicidando” su virilidad con una pistola como el “Manosanta” de Olmedo). Su maestra la nombró a ella y a un par de amigos para dar audición. Al principio se metió por diversión, pero cuantas más audiciones hacía más serio se volvió, hasta que finalmente recibió un llamado telefónico diciéndole que el papel era suyo. La primera cosa que hizo fue llamar a su mejor amiga para contárselo. “Mis amigos son todos muy amables sobre mi fama, ellos sólo son realmente curiosos, hacen muchas preguntas...”, dijo sobre sus compañeros.

Más allá de la gran pantalla, a Emma (alias “One-Take-Watson”, por su facilidad para hacer las escenas en una sola toma) le encantan los deportes, como el hockey, el tenis, el patinaje sobre hielo y el rounders (un juego parecido al cricket); de igual modo le gusta debatir. Cuando escucha música se inclina por Shania Twain, Bryan Adams, Suzanne Vega, Dido, Samantha Mumba, Avril Lavigne y Celine Dion. Actualmente sus padres están divorciados y Emma vive en Oxfordshire con su madre y su hermano. Sus modelos en la actuación son Julia Roberts, Goldie Hawn, John Cleese y Sandra Bullock.

La niña estrella ha ganado numerosos premios, entre ellos: Mejor Actuación Juvenil (Phoenix Film Critics’ Society), Actriz Secundaria Destacada (American Moviegoer Awards), Mejor Ensamble en Largometraje (Young Artists Award), Actriz Protagónica en Largometraje (Young Artists Awards), Mejor Actuación en Ensamble (Phoenix Film Critics’ Society), Mejor Performance Juvenil Femenina (Phoenix Film Critics’ Society), Mejor Actriz Secundaria (AOL Moviegoer Awards). Además, en febrero de este años, con trece años y sólo diez meses de ser teenager (literalmente, “teenager” se refiere a la edad formada por los años que en inglés terminan en “teen”, desde los trece a los diecinueve) fue rankeada décima entre las “hottest teen female stars” (lo siento, llego a traducir eso y voy en cana).

Emma espera nuevas oportunidades para mostrar su talento. Mientras tanto juega con sus gatos Bubbles y Domino, cuando no está filmando Harry Potter y el Cáliz de Fuego; si no, seguramente estará comiendo comida italiana o eligiendo ropa en rojo, azul y violeta de sus marcas favoritas: DKNY, Gap, Harvey Nichols, Diesel, y Miss Sixty. “Ahora que interpreté a la snob, mandona y concheta Hermione Granger, me gustaría representar a alguna colegiala americana. Quiero hacer algo totalmente diferente. Quiero actuar cada tipo de carácter y cada punto de vista, pero probablemente voy a estar encarnando a Hermione durante algún tiempo”. Acomódense en sus butacas, amigos: esta función está a punto de comenzar.

Amber Tamblyn: De la mano de Dios

2004-06-21T18:51:00.000-03:00

Es la protagonista de la serie Joan of Arcadia, en la que interpreta a una adolescente común... hasta el día en que se encontró con Dios en un colectivo. Su vida es tan poco ordinaria como su personaje de ficción

Amber Rose Tamblyn nació en Santa Monica, California, el 14 de mayo de 1983, y comenzó a actuar a la edad de cinco años en una escuela teatral en California del Sur. La escuela, llamada SMASH, no representa la onomatopeya de un golpe, sino que se trata de la Santa Monica Alternative School; la misma es un centro creativo estrictamente para las artes, el cual tiene en el teatro su foco principal. Durante sus nueve años asistiendo a SMASH (desde jardín de infantes a octavo grado) actuó en más de 13 obras, incluyendo su protagónico en Pippi Longstocking en cuarto grado. Pronto averiguaría que ser Pippi era el principio de su carrera real en el negocio del entretenimiento.

La vieja amiga de la familia (y agente artística) Sharon Debord, tuvo el mérito de descubrirla: luego de ver la obra, al instante la impulsó a presentarse a unas audiciones. El padre de Amber, que también está en el ambiente (es el actor Russ Tamblyn, de Westside story, Seven Brides for Seven Brothers, Tom Thumb y Twin Peaks) fue al principio cauto con permitir a su hija de nueve años entrar en una línea de trabajo tan arriesgada e inconsciente, pero finalmente cayó en el acoso de Sharon. Ya que estamos hablando de su familia, tengamos en cuenta que su madre, Bonnie Tamblyn, se desempeña como cantante y artista: así se vuelve obvio de dónde viene la vocación artística de la niña.

Y Sharon tenía razón. Amber desembarcó en sus primeros tres papeles en materia de meses. Empezando con una película pequeña llamada Live Nude Girls, protagonizada por Dana Delany (en el que interpretó a la joven Jill), luego fue Deb en una película independiente titulada Biker Poet en 1994. Entonces, en el invierno de ese año, encontró un papel corto en General Hospital (Hospital General) de ABC, que continuó durante los siguientes siete años.

Durante su carrera como la huerfanita Emily Bowen-Quartermaine, recibió premios de los reporteros de Hollywood dos años seguidos como la mejor actriz joven en una serie diurna, y recibió el aplauso de los críticos en todas partes, alabando su “talento actoral innato que supera a muchos actores que la doblan en edad” (Soap Opera Digest). A los 17, había completado más de 600 episodios para esa novela.

Terminó su segunda película, Johnny Mysto: Boy Wizard a la edad de doce años; allí interpretó el papel de Sprout (retoño), y compartió el protagonismo con su padre. A los 17, después de cinco años de enfocarse en Hospital General, decidió volver atrás en el juego actoral y comenzó a audicionar de nuevo. Rápidamente consiguió encabezar un piloto para la Warner Brothers, titulado No Ordinary Girl, escrito por Bob Brush (autor de The Wonder Years/Los años maravillosos).

Después de ser obligada a resignar varios papeles cinematográficos debido a su frenético cronograma en Hospital General, resolvió irse cuando su contrato expiró en la primavera de 2001. Durante el siguiente año logró numerosos papeles: fue protagonista invitada en Buffy la Cazavampiros, otro tanto en Boston Public, hizo el protagónico en otro piloto para la Warner Brothers (Prep), filmó un corto escrito y dirigido por Wim Wenders y fundamentalmente participó del film de DreamWorks The Ring (aquí conocido como La llamada), dirigido por Gore Verbinski. También tuvo a su cargo el papel principal para el primer episodio de The Twilight Zone (La dimensión desconocida), intitulado “Evergreen”, en el que interpreta a Jenna, una adolescente punk rocker con una actitud áspera, cuyos padres tratan de educar con particular “rigor”.

Finalmente, el proyecto que la lanzó a la consideración del gran público es Joan of Arcadia, de Sony para CBS Television; esta serie, centrada en la vida de la estudiante de secundaria Joan Girardi, se estrenó en Estados Unidos el 26 de septiembre de 2003, y recientemente ha desembarcado en nuestro país de la mano de la señal de cable Sony... pero eso ya es historia reciente.

La teoría que Amber practica es nunca engancharse del todo con la actuación, y hasta ahora, no lo ha hecho. Así, sostiene que “si usted realmente quiere hacerse actor, debe realmente pensar sobre todo lo que viene con ello. Mi consejo es hacer de la actuación su segunda opción de carrera (escribir es mi primera opción). Y si usted lo hace un buen tiempo, entonces puede volverse la primera, pero sería una idea mala simplemente juntar todo e irse a Hollywood e intentar conquistar el mundo”.

La Tamblyn es una chica como cualquier otra: mide 1,70 m, es aracnofóbica, supo tener una rata como mascota, es fanática de la cantante folk Ani DiFranco y... es bonita, simpática y talentosa. Se destaca en todo tipo de actividades creativas y ama el canto, el baile y el teatro tanto como trabajar delante de la cámara; pero fundamentalmente le gusta escribir poesía y ya ha sido editada en publicaciones especializadas, como las revistas de San Francisco Cups y Poetry USA y ha auto-publicado dos libros de poesía, Of the Dawn (Del alba) y Plenty of Ships (Multitud de barcos). Compartamos el poema que le da nombre al primer libro:

tiempos rápidos
corriendo dentro y fuera de mi templo
transportando la gloria
de una juventud
y la verdad no siempre se mantiene verdadera
pero una mentira siempre es una mentira.
tiempos pasados
salpicando los dedos de sus pies
en mi espejo
mi reflejo penetrando
un pensamiento más profundo
así que
ayuda
me
Dios
estoy perdiéndolo de nuevo.
sin tu mano para guiarme
sin una palabra para predicar
y todavía yo me empequeñezco
estando de pie en la superficie
del alba.

Hablando de Dios, la música de apertura de Joan of Arcadia no es otra que “One of Us”, de Joan Osborne, en la que su autor, Eric Bazilian (guitarrista de la banda de Osborne), se pregunta “¿Y si Dios fuera uno de nosotros? / ¿Sólo un patán, como uno de nosotros? / Sólo un extraño en un ómnibus, tratando de llegar a casa”. Parece ser que, como se dice habitualmente, Amber Tamblyn tiene un Dios aparte... al menos en la televisión, donde todo puede suceder.

City Slacker

2004-06-08T15:28:00.000-03:00

Por Ignacio Andrés Amarillo (Publicado en Menos que Cero Nº 5)

G.X. llega a su casa pasadas las nueve de la noche. Ni bien cruza el umbral, apaga el celular y se afloja el nudo de la corbata. Revisa los mensajes del contestador mientras va a la cocina: su madre le pide que la llame de vez en cuando, y hay un par de mensajes de la oficina, seguramente dejados allí en el tiempo que tardó en venir desde allí, y que por algún pérfido motivo no fueron hechas al celular, gracias a lo cual podría ahora pensar en otra cosa.

G.X. prende el televisor para ver nada, al menos nada más que la sucesión de canales que el zapping produce. Juguetea entre sus manos con el joystick de la Playstation, pero no quiere jugar con ella. Saborea un sorbo de cerveza, mientras recuerda aquellas últimas palabras de Kurt Cobain: “Hace años que nada me emociona, me siento culpable desde hace mucho tiempo... El peor crimen es fingir... Tengo necesidad de alejarme de esta realidad para recuperar el entusiasmo que tenía desde niño...”.

G.X. decide darse una ducha caliente, que le levante el ánimo. Finalmente sale, apaga el televisor y se dispone a escuchar música. Revisa su colección de discos y llega hasta el viejo Pablo Honey, editado en 1993, aquel con el que Radiohead se volvió una banda conocida para el gran público. Escoge una canción, “la” canción que trascendió de esa placa, que no es otra que “Creep”. Mientras la sutil voz de Thom Yorke lo envuelve en un rasposo letargo, piensa en Becky, aquella chica de los tiempos en que él usaba aquellas roñosas camisas leñadoras y se mesaba la fina barbita tan propia de esa época. Sigue escuchando la letra de la canción:

Eres tan fuckin’ especial
Yo desearía haber sido especial...

Pero soy un cretino, soy un tipo raro,
¿Qué demonios estoy haciendo aquí?
Yo no pertenezco aquí.
Yo no pertenezco aquí.

¿Qué habrá sido de Becky? ¿Cuántos hijos tendrá? “Qué pregunta tonta”, pensó. En aquellos años, él creía ser un perdedor.

G. X. mira en derredor. Mira el sofá, las sillas, la puerta de la cocina, la del dormitorio. Becky no está allí. Llega a la conclusión, así, diez años después, de que estaba en lo cierto. Es un perdedor.

Entonces decide destaparse otra cerveza.

Los ojos de la chica rubia

2004-06-08T15:26:00.000-03:00

Por Ignacio Andrés Amarillo

La chica rubia está sola. Hay mucha gente alrededor, pero esencialmente está sola. Sale de las entrañas de la tierra, su pelo al viento, moviéndose según una rutina muy bien estudiada. Al menos eso la distrae un momento de la soledad.

La chica rubia tiene miedo. Se desviste ante las cámaras, arquea la espalda, se toma los generosos pechos a manos llenas, y abre los ojos. Entonces, la chica rubia está más desnuda en esa mirada que en la pictórica desnudez de su cuerpo. Un cuerpo tan bello que no deja ver el pedido de auxilio que envían esos ojos.

La chica rubia piensa que ya no es una chica, pero tampoco cree ser una mujer. Ha estado tanto tiempo bajo los reflectores que no sabe cómo apartarse para ir a llorar un rato en la oscuridad. En realidad, la chica rubia sólo sabe jugar a este juego, y no sabe cómo pedir un descanso de vez en cuando.

La chica rubia siente el peso de ser la chica rubia, y de que todo el mundo pretenda que ella sea la chica rubia, y teme que la dejen aún más sola si acaso intentara ser otra cosa.

La chica rubia está otra vez en escena, delante de millones. Sonríe, y sus ojos brillan repentinamente. Alguien está elogiando su maquillaje. La chica rubia cierra los ojos, respira profundamente y vuelve a sonreír. Ahora tampoco es momento de llorar.

La marca

2004-05-30T23:10:00.000-03:00

Por Ignacio Andrés Amarillo (Publicado en Menos que Cero Nº 6)

Ese día había mucha agitación en la tienda. Las ventas no andaban bien, y las autoridades de la empresa de indumentaria no tenían idea de cómo resolver el problema. Las principales víctimas de todo este ajetreo eran las vendedoras: para los ejecutivos eran las principales culpables. Y ese día le tocaba la reprimenda a ese local en particular.

—Así que ya saben: ustedes son la imagen de la marca. Piensen en eso, y recuerden que el seminario es la semana entrante —concluyó el atildado directivo de la cadena, antes de irse. Luego del discurso las vendedoras pudieron tomarse finalmente un descanso.

—Me tienen harta —dijo la rubia pecosa.

—Cuestión de marketing —respondió la pelirroja.

—Un carajo. ¿Por qué no hacen seminarios ellos, a ver cuántas cosas están haciendo mal? Por ejemplo el trato lamentable que nos dan a nosotras —remarcó la rubia pecosa.

—Pero es que nosotras somos las representantes de la marca ante los clientes... —susurró la otra rubia, la que no era pecosa.

—Mirá, vos sos porrista del equipo en el que tu novio es capitán, sos la reina de popularidad de la escuela... ¿qué podés decir? Vos no sos la representante de la marca... vos SOS la marca.

Las voces se alzaban y los ánimos se iban caldeando, hasta que el gerente del local decidió poner fin al asunto, y de paso a todas sus molestias. Con un movimiento del dedo índice, llamó a la rubia pecosa a su oficina.

—Mire, la empresa ha iniciado una nueva etapa, con varios cambios, y siguiendo el nuevo esquema vamos a tener que prescindir de sus servicios —se despachó el gerente.

—¿Sabe qué? Métase la empresa y la marca en el culo —dijo la rubia pecosa, todavía excitada por la discusión anterior.

—Gracias por confirmar la decisión. Señorita Klein, está despedida.

La rubia pecosa salió tranquilamente de la tienda. Caminó una cuadra y se dio cuenta de algo: su camisa tenía el logo de la marca. Sin dudarlo lo arrancó y lo arrojó por la alcantarilla. “Así está mejor. Ningún logo”, pensó. Miró al cielo: era un día soleado. Y se encaminó a su casa, paseando alegremente. Mañana era sábado, y no había escuela.

¿Qué cuernos es la Ley de Lemas?

2004-05-27T13:15:00.000-03:00

Por Ignacio Andrés Amarillo (para Agencia Imass)

Antes de adentrarnos en el tema, tengamos en cuenta algunas consideraciones:

1- La Ley de Lemas fue creada en los países nórdicos, dotados de una gran madurez democrática y con un fuerte sistema de partidos.
2- Fue pensada para regímenes parlamentarios, con una representación proporcional doble, hacia adentro y hacia afuera de las instituciones partidarias, a través de un sistema D’Hont doble.

Ahora bien, estas características distan de las condiciones que el sistema adopta en nuestro país, porque:
1- Sólo en la Argentina pudo alcanzarse el tope en materia de triquiñuelas electorales, en medio de un sistema de partidos devastados y desarticulados.
2- Fue aplicada para la concesión de cargos ejecutivos, donde en el comicio general y hacia adentro del lema sólo puede haber un ganador, pervirtiendo el espíritu de la norma.

Pero no todo son críticas hacia la Ley de Lemas. ¿Cuál es la utilidad de la misma? Fundamentalmente, resolver la interna de los partidos o coaliciones, según la preferencia de los electores. Así, los votantes de un partido o coalición de partidos puede asegurar una serie de escaños para esa fuerza política, para luego, según la distribución de votos entre los sublemas, repartir esas bancas proporcionalmente entre las distintas facciones. Con esto se buscó trascender el antiguo sistema de internas de afiliados, en el que los oficialismos internos suelen usar las estructuras (y padrones llenos de muertos y desafiliados, vale agregar) para imponerse sobre los sectores renovadores y marginales de la agrupación. También permite la construcción de alianzas y coaliciones, aunque desgraciadamente la versión “reutemanizada” del sistema de Lemas obliga disparatadamente a las alianzas (con el pretexto de transparentar el mandato popular) a presentar una “lista unidad”. Esto llevó en las últimas elecciones a que el Encuentro Progresista se organice bajo el paraguas del Partido Socialista.

Un poco de historia

La Ley de Lemas fue sancionada en las postrimerías del gobierno de Víctor Félix Reviglio, en un momento en que el Partido Justicialista se encontraba virtualmente acéfalo, sin líderes ni referentes visibles. También estaba muy golpeado por incidentes tales como los “juguetes” de Antonio Andrés “Trucha” Vanrell, el robo del Puente Colgante durante el mandato de José María Vernet y las causas por corrupción de Carlos Aurelio Martínez, que lo llevarían a prisión (Reviglio tuvo denuncias vinculadas a insumos médicos, pero “el agua no llegó al río”).

En ese cuadro de situación, la nueva norma electoral aparecía como un buena manera para que el justicialismo retuviera el poder y a la vez solventase la interna, con el ungimiento de un conductor provincial. A todo esto, la Unión Cívica Radical liderada por Eduardo Usandizaga (Convergencia) apoyó la sanción de la ley, pero luego se “arrepintió” y llegó a los comicios de 1991 en un solo bloque, sin distintos sublemas. El oficialismo estimuló la presentación de una variopinta fauna de candidatos, provinciales y municipales, estrenando la modalidad de las campañas múltiples (todos los sectores trabajando al 100 % de su capacidad, más que si se alineasen tras una fórmula única).

El resultado de las elecciones mostró la consumación de los objetivos: Carlos Alberto Reutemann fue elegido gobernador y ascendido a gran caudillo del PJ. La intendencia de Santa Fe (que luego del escándalo del “Bataraz” Martínez estuvo en manos del locutor demoprogresista Enrique Muttis (y, tras su muerte, de su sucesor Hugo Ponce) fue recuperada en la figura del ex presidente del Concejo, Jorge Obeid. El municipio rosarino (en manos del “Vasco” Usandizaga) recaería en Héctor “Tigre” Cavallero, socialista, que cuatro años más tarde armaría el Partido del Progreso Social como sublema del PJ, jugada que casi lo lleva a la Casa Gris, vez en la que, en comicios irregulares, Obeid llegaría a la gobernación.

Pero el novedoso sistema electoral no sólo sería aprovechado por el oficialismo. Ya en 1995 (y antes que en ámbito nacional) se conformó la Alianza Santafesina, que unía a radicales, frepasistas y demoprogresistas. Allí se inició un sistema (que llegó hasta 2003, con la creación del Encuentro Progresista, con Binner a la cabeza) que permite reunir verdaderas “bolsas de gatos” casi sin consensuar listas (sólo para los cargos nacionales) y pateando para adelante la discusión programática.

Conclusión

Al parecer la Ley de Lemas tiene los días contados. El mínimo consenso entre las declaraciones de los partidos, siguiendo la voluntad popular, apunta a su derogación. La discusión vendrá en torno al sistema que deberá reemplazarla. El Ejecutivo ha planteado su idea de sustituirla por un sistema de internas abiertas, simultáneas y obligatorias en el estilo de las “primarias” estadounidenses. Pero algunos sectores de la oposición se muestran renuentes, diciendo que esa propuesta es inviable. Más allá de esto, tal vez el escollo más grave pase por la “poca voluntad” del partido gobernante para derogar un sistema que no le trajo más que beneficios políticos, más allá de provocar el distanciamiento con la gente. En el choque entre estas pulsiones se jugará el destino político de la provincia. La provincia, mientras tanto, observa y espera.

No da el tiempo...

2004-05-26T16:50:00.000-03:00

He descubierto por qué estamos todos estresados: Es imposible hacer en un día, todo lo que hay que hacer en un día.

Todos los días hay que comerse una manzana por el hierro, y una banana por el potasio.

Todos los días hay que beberse dos litros de agua. Bueno hay gente que bebe más, todos conocemos a gente que dice que bebe cinco litros.

Que digo yo... que éstos no mearán.

A esto hay que sumar que todos los días hay que tomarse un Actimel, para tener "L. Cassei Defensis", que no sabemos lo que carajo es, pero por lo visto si no te comés un millón y medio todos los días, ves a la gente borrosa...

Todos los días hay que tomar una aspirina para prevenir los infartos y dos dedos de vino y un vaso de cerveza. Bueno, si te lo tomás todo junto, aunque te dé el infarto, ni te enterás.

Todos los días hay que comer fibra, mucha fibra, cuánta más fibra mejor. Hasta que consigas cagar una camiseta.

Y también te tenés que comer una naranja, para la vitamina C. Y un donut si quieres tener un día redondo.

Por supuesto, hay que hacer las tres comidas diarias, sin olvidarte que cada vez hay que masticar cien veces... y después lavarte los dientes.

Ya sabes que después de cada comida hay que lavarse los dientes, o sea, después del Actimel los dientes, después de la manzana los dientes, después de la banana los dientes... Así hasta que te los desgastes.

En fin, que haciendo el cálculo, sólo en comer se te van cinco horitas.

¡Ah! se me olvidaba si andas medio estreñido, no te olvides del yoghurt con bio puritas, (el famoso bio puritas debe ser como el aceite de castor de la abuela pero con más rico gusto).

Todos lo días hay que dormir ocho horas y trabajar otras ocho, más las cinco que empleamos en comer, veintiuno. Nos quedan tres.

Curiosamente y según las estadísticas, vemos un mínimo de tres horas diarias la Televisión. Pues ya la hemos cagado. Porque todos los días hay que caminar, por lo menos media hora.

Y hay que cuidar las amistades. (Porque las amistades son como una planta, hay que regarlas a diario y cuando te vas de vacaciones, debes acordarte de ellas).

Además, hay que estar bien informado. Así que hay que leer, por lo menos, dos periódicos todos los días para contrastar la información.

¡Ah! Y no nos olvidemos que hay que practicar sexo todos los días, pero sin caer en la rutina, con lo cual, hay que innovar, que lleva su tiempo. (Por cierto, te recuerdo que después de cada comida hay que lavarse los dientes...).

¡Ahhhhhh!!, después del yoghurt con bio puritas, también te tenés que lavar los dientes, y de paso esta bueno decir, se me había olvidado, que jamas debes olvidarte de pasarte el hilo dental.

También hay que buscar tiempo para barrer y fregar, y no te digo ya si tenés perro, o gato, o mascota alguna... lo mejor es suicidarte...

En fin, a mi me salen 29 horas...

La única posibilidad que se me ocurre es hacer varias cosas a la vez: Por ejemplo, mientras te duchás, podés abrir la boca y así vas bebiendo agua. Al mismo tiempo que te secás, podés comerte un donut metiendo la banana por el agujero.

Y cuando salgas del baño, a la vez que caminas, mientras le vas haciendo el amor a tu pareja en la postura de la carretilla, y con el cepillo de dientes en la boca, te metés una escoba por el culo y vas barriendo.

Y de paso que tu pareja que vaya viendo la televisión y te lo cuenta...

Te queda una mano libre: ¡Llamá a tus padres! ¡Y bebé vino... y cerveza...

¡Ahhhh!!, y el bio puritas, te lo puede dar tu pareja mientras ella se toma el Actimel, que con tanta carretilla no tuvo tiempo.

Por cierto, deberías ser más solidario y buscar algo de tiempo para dedicárselo a un AMIGO...

¿¿¿ Quedó claro ???

PD: y menos mal que crecimos, por que si no, nos tendríamos que comer un Danonino todos los días, el del extra calcio ¡ehhhhhhhh?!

(Enviado gentilmente por Germán Pascualón)

¿Por qué Altercomunicación?

2004-05-26T16:49:00.001-03:00

Qué nombre pretencioso, ¿no? Los diarios terminan sirviendo para envolver huevos, y convengamos que los sitios web ni para eso. Pero sería bueno poder detenerse un poco y descansar...

¿Por qué Blog Zine?

2004-05-26T16:49:00.000-03:00

La idea es combinar la tecnología del weblog con cierta onda de las revistas independientes tradicionales. De la mezcla saldrá algo que tendrá "página abierta" pero a la vez la "tiránica" supervisión del editor... o tal vez salga cualquier otra cosa, quién sabe...

¿Por qué TAWABURENI?

2004-05-26T16:39:00.000-03:00

El último fragmento (de El Libro de la almohada), interpretado como un epílogo (batsubun), fue objeto especial de análisis. Algunos -para desilusión de los admiradores de Sei- sostienen que se trata de un agregado posterior y ajeno, escrito con la intención de ordenar los textos dispersos. Los eruditos se basan para ello en que la narradora, al decir en este fragmento que escribe para su diversión, emplea el adjetivo tawabureni, en tanto que el que aparece repetido 466 veces entre otros 3660 del texto es el adjetivo okashi. Tampoco falta la interpretación autobiográfica: Sei habría escrito el epílogo a los 37 años (los 36 de Occidente) -edad ominosa para las mujeres, cuando muchas se hacían monjas- y el tono melancólico se debería a esta conciencia de fin de una etapa.

[...]Pero hay que destacar que Sei Shônagon fue la pionera de un género propio de la literatura japonesa, que aún está vigente en la actualidad: zuihitsu, el ensayo fugaz y digresivo, literalmente "al correr del pincel", farrago libelli sobre emociones, observaciones, apuntes autobiográficos o poemas, carente de una orientación predeterminada; una dispersión del sujeto en fragmentos. Algo tan típicamente japonés como la literatura de los diarios (nikki bungaku).

(Fragmento del Prólogo de El Libro de la almohada, de Sei Shônagon, por Amalia Sato, Adriana Hidalgo, Buenos Aires, 2001)

Anochece (epílogo de El Libro de la almohada, Japón, siglo X)

Anochece y apenas puedo seguir escribiendo. Sin embargo, me gustaría dejar terminadas mis notas por completo, haciendo un último esfuerzo.

Escribí en mi habitación estos apuntes sobre todo lo que vi y sentí, pensando que no iban a ser conocidos por nadie. Aunque mis anotaciones son triviales y sin importancia, podían parecer malintencionadas e incluso peligrosas a otros, por eso he tenido cuidado en no divulgarlas. Pero ahora me doy cuenta de que, así como inevitablemente brotan las lágrimas, según dice el poema, del mismo modo estas notas dejarán de pertenecerme.

Un día, el Ministro del Centro entregó a la Emperatriz una pila de cuadernos. La Emperatriz me preguntó: "¿Qué se podría escribir en ellos? El Emperador ya está redactando los Anales de Historia". Entonces yo le contesté: "Si fueran míos, los usaría como almohada". La Emperatriz me dijo: "Entonces, quédatelos", y me los dio.

Comencé a llenarlos con el relato de rarezas sobre hechos del pasado y toda clase de asuntos. Llené una enorme cantidad de hojas. En mis notas hay muchas cosas incomprensibles. Si hubiera elegido temas que las demás personas consideraran interesantes o espléndidas, o si hubiera escrito poemas sobre árboles, plantas, pájaros o insectos, los otros podrían juzgar mis escritos, tendrían derecho a afirmar "conocemos sus sentimientos". En otras palabras, la crítica sería admisible.

Pero mis notas no son de esta clase. Escribí para mi propio entretenimiento, y apunté únicamente lo que sentía. Nunca esperé recibir, sobre estos escritos casuales, comentarios tan importantes como los que se dedican a notables libros de nuestro tiempo. Me sorprendo cuando escucho cómo los lectores aseguran que se sienten apabullados ante mi trabajo. Pero es natural que actúen así: conozco la mentalidad de aquellos que hablan bien de lo que detestan y critican lo que les gusta. Por eso todavía lamento que hayan leído mi libro.